GUILLETEK'S

Hay música que siempre merecerá ser recordada…

THE BEATLES. Capítulo 8 (1966). De motos, “Revólveres”, Jesucristos y Vibraciones

Tras la promoción de “Rubber Soul” el grupo guardó una inusual actividad de ¡¡tres meses!!, el tiempo que tardaron en volver al estudio para trabajar en las canciones de lo  que sería su nuevo disco. No obstante, antes de la edición de lo que acabaría siendo el magnífico “Revolver” pasarían muchas cosas. Entre otras cosas que Paul tuvo un peligroso accidente al estrellar su motocicleta contra el pavimento y salir disparado contra el pavimento. Los daños fueron mínimos: su labio fue profundamente cortado, un buen corte en un ojo y una fractura dental. Un doctor local tuvo que ser despertado a esas altas horas de la madrugada para efectuar las curas ya que no se llamó a ningún hospital ni a la policía ya que pensaron que la historia podría haber sido utilizada por la prensa sensacionalista  y quisieron evitar cualquier escándalo posible. Este accidente daría mucho que hablar en el futuro ya que, años después, el 17 de septiembre de 1969, el periódico de la Universidad de Drake en Des Moines (Iowa),  publicó un reportaje firmado por Tim Harper y titulado ¿Está muerto el Beatle Paul McCartney? Cuando el rumor se extendió, Harper logró protagonismo en los medios y concedió entrevistas hablando sobre el asunto: “Era sólo una broma. Cuando escribí la historia sabía que no era cierta“. Poco después, el 23 de septiembre, en el periódico del campus de la Universidad del Norte de Illinios, Northern Star, Barv Ulvilden amplió este rumor en el artículo “Pistas apuntan a la posible muerte de un Beatle”. Básicamente la noticia apuntaba a que Paul había muerto y había sido sustituido por un doble, William Campbell. A partir de entonces, fans con mucho tiempo e imaginación empezaron a buscar en portadas y canciones pistas que demostraran que Paul estaban muerto y había sido sustituido, dando forma a la teoría “Paul is dead”. Lo iremos comentando.

En lo musical, antes en Estados Unidos (mayo de 1966) que en su Inglaterra natal (junio), la banda editaría un nuevo y excelente single “Paperback Writer” (enlace). La canción, compuesta y cantada por Paul, está muy marcada por la presencia del nuevo bajo de McCartney (Rickembaker 4000), un nuevo sonido para una nueva época. Geoff Emerick, quien sustituyó por aquel entonces a Norman Smith como ingeniero de sonido del grupo, afirma “fue la priemra vez que el sonido de un bajo se oía en todo su esplendor”.  Es un tema que empieza a dejar ver un nuevo sonido que se acentúa, aún mas, en la cara B del single, “Rain” (enlace), tema de John con guitarras grabadas al revés y varios efectos inéditos en la época. “Volví del estudio con un ciego de mariguana de la leche y me puse lo que habíamos grabado ese día…, no sé qué hice pero lo reproduje al revés y ¡guau!, al día siguiente cuando llegué al estudio le dije , ¡tenemos que hacer esto!”. Muy buena canción en la que, además, Ringo toca la batería con una maestría digna de admiración. El single  fue nº1 en USA e Inglaterra.

Es obvio que los avances sonoros y líricos anunciados en “Rubber Soul”, se cofirman con este single. Estamos ante un nuevo grupo al que aún  quedaba otra cosa por inventar: el videoclip. En 1966 los Beatles grabaron los dos primeros videoclips de la historia concebidos cono promoción. Cansados de viajar contínuamente, se decidieron a grabar sendos clips promocionales con los dos temas de su último single, “Paperback Writer / Rain” en los que, por cierto, se puede apreciar la fractura en el diente de Paul como consecuencia del accidente del que antes hablamos.

Los Beatles eran los reyes indiscutibles, nadie podía toserles. En mayo de 1966, mientras se encontraban en las sesiones de grabación de lo que acabaría siendo “Revolver”, al otro lado del Atlántico se cuece algo grande…

ImagenComo vimos en el capítulo anterior, “Rubber Soul” asombró al genial Brian Wilson, líder y cerebro de los Beach Boys, “un disco lleno de canciones buenas, sin relleno..., yo también puedo hacerlo…Voy a grabar el mejor disco de todos los tiempo” repetía de forma obsesiva  a su entorno. El disco se llamaría “Pet Sounds” (enlace a post sobre grabación del disco en GUILLETEK’S), un LP histórico, basado en una concepción sinfónica del pop y construido a base de sonidos hasta entonces nunca oídos en un disco de rock. Contamos hasta más de treinta instrumentos diferentes (acordeón, armónicas, bajo eléctrico, bajo sexto, batería, chelo, clarinete, clavecín, clavicémbalo, clavicordio , cuerno inglés, electroremín, flauta, glokenspiel, guitarras, instrumentos de percusión (cascabeles, maracas, panderetas, timbales, marimbas…), mandolina, mandolina de 12 cuerdas, órgano, piano, saxofón, timpani, trombón, trompetas, ukelele, vibráfono, viola, violines) tocados por más de cuarenta músicos distintos. Todo el álbum es brillante pero momentos como “Wouldn’t it be nice” (enlace) y, sobre todo, “God Only Knows” (enlace), lo elevan a lo más alto. Uno de los discos más hermosos de la historia, sin duda uno de los más influyentes y, seguramente, uno de los mejores.

No obstante, y a pesar de las excelentes críticas, “Pet Sounds” no se vendió bien y fue vapuleado por los Beatles con su nuevo LP americano: “Yesterday And Today“. Estamos ante otro remedo yanqui que, esta vez, fusiona temas de “Help” (“Yesterday”, “Act Naturally”), “Rubber Soul” (“Drive My Car”, “Nowhere Man”, “If I Needed Someone” y “What Goes On”), dos singles (“Day Tripper” y “We Can Work It Out”) y, lo que más enfadó al grupo, tres canciones que acababan de grabar y que estaban destinadas a “Revolver” (“I’m Only Sleeping”, “Doctor Robert” y “And Your Bird Can Sing”).  La banda ya no concebía los LP’s como colecciones de canciones sino como entes propios, así, meditaban el orden de las canciones, la portada etc. La versión amerciana de “Rubber Soul” poco tenía que ver con la inglesa y, la utilización de tres canciones de lo que iba a ser su próximo disco  en este “Yesterday And Today” evicenciaba que “Revolver” correría la misma suerte.

Probablemente por venganza por el poco respeto hacia su obra, cuando Capitol les pidió una portada para “Yesterday And Today”, se les ocurrió enviar la famosa “portada de los carniceros” en la que los de Liverpool aparecen con batas de carnicero y unos muñecos descuartizados. Como no podía ser de otra forma, la portada fue censurada y rápidamente sustituida por una de corte mucho más tradicional que hizo que la irreverente portada original se convirtiera en una valiosísisma pieza de coleccionismo.

Polémicas al margen, “Yesterday And Today” fue un rotundo éxito, otro número 1, en junio de 1966 que antecedió a una nueva gira mundial del grupo que en un principio les llevó del 24 al 26 de junio a Alemania.

Tras un gran éxito en tierras germanas, las cosas comenzaron a torcerse en Japón. El problema fue la mala elección del lugar para celebrar el concierto,  el Budokan de Tokio (lugar “sagrado” de las artes marciales). El concierto fue un éxito (enlace al concierto) pero hubo muchas manifestaciones anti-beatle por parte del sector japonés más conservador.

Pero todo podía empeorar, el 4 de julio de 1966 los Beatles aterrizan en Filipinas, y ese mismo día, el London Evening Standard publica una entrevista de John Lennon con la periodista Maureen Cleave en la que, probablemente influido por la lectura de la controvertida obra The Passover Plot en la que Hugh Schonfield desacredita a Jesucristo, el músico afirmó: “El cristianismo pasará. Disminuirá y desaparecerá. Ahora nosotros somos más populares que Jesucristo. No sé qué se irá primero, si el rock’n’roll o el cristianismo. Jesús estaba bien, pero su disciplina era dura y ordinaria”. La publicación de estas declaraciones pasó desapercebida en Inglaterra, no así en Estados Unidos, como veremos después.

Mientras, los Beatles seguían en Filipinas y, al día siguiente de sus dos exitosos conciertos en el Rizal Memorial Football Stadium de Manila, reciben la invitación de Imelda Marcos, esposa del dictador de aquel país. El grupo, a través de Brian Epstein, rechaza la invitación. Imelda salió en la televisión nacional afirmando que los Beatles la habían insultado rechazando su invitación y les retira la escolta policial…, la situación generó disturbios en la calle y obligó a los músicos a escapar del país tras haber sido despojados del cheque que habían cobrado por los conciertos. John, Paul, George  y Ringo empezaban a estar hartos de todo esto.

Tras esto, la banda regresa a casa para apoyar el lanzamiento de su nuevo disco, “Revolver“, que se editará el 5 de agosto de 1966.

“REVOLVER”

Editado en Inglaterra el 5 de agosto de 1966 y en EEUU el 8 de agosto de 1966

CARA A

Taxman (Harrison)
Eleanor Rigby (Lennon-McCartney)
I’m Only Sleeping (Lennon-McCartney)
 Love You To (Harrison)
Here, There and Everywhere (Lennon-McCartney)
Yellow Submarine (Lennon-McCartney)
She Said She Said (Lennon-McCartney)

Good Day Sunshine (Lennon-McCartney)
And Your Bird Can Sing (Lennon-McCartney)
For No One (Lennon-McCartney)
Doctor Robert (Lennon-McCartney)
I Want To Tell You (Harrison)
Got To Get You Into My Life (Lennon-McCartney)
Tomorrow Never Knows (Lennon-McCartney)

El 100% de la crítica coincide en considerar este álbum como uno de los mejores del rock y la mayoría de los historiadores del grupo afirma de igual forma es el LP que más destaca en cuanto a la calidad individual de las canciones. Es un álbum perfecto de principio a fin, con unos Beatles que se alejan definitivamente del grupo que tres años y medio ante había editado el inocente “Love Me Do”.

A estas alturas, dejaron en la futura interpretación en directo de las canciones a la hora de componer y eso les dio una enorme libertad en el estudio a la hora de experimentar con nuevas sonoridades e introducirse de lleno en la psicodelia. El LP iba a presenciar la creciente complicación en las grabaciones de los Beatles, situación que se vió apoyada por la inestimable labor de Geoff Emerick quien -como hemos comentado al hablar de “Paperback Writer”- era el nuevo ingeniero de sonido del grupo es sustitución de Norman Smith. A nivel técnico, los Beatles estrenan con este disco el sistema ADT (Artificial Double Tracking) -Doblaje artificial- para grabar las voces. Hasta entonces, lo hacían grabando dos veces la misma pista siendo mucho más engorroso.

La estupenda portada, obra del antiguo amigo de los tiempos de Liverpool Klaus Voorman, pone la guinda a este estupendo LP que antes de recibir el título por el que pasaría a la historia, recibiría el nombre de “Abracadabra”, “Beatles On Safari”, “Bubble and Squeak”, “Free Wheelin’ Beatles” y “Magic Circles”. Respecto a la portada, los defensores de la conspiración “Paul is dead” afirman que William Campbell (el falso Paul) es el único que está de perfil diferenciándose de los “verdaderos” Beatles. En fin…

La diversión comienza con “Taxman” (enlace), un temazo de George Harrison con una ácida letra sobre el sietema impositivo británico, con alusiones incluidas al primer ministro Harold Wilson (ah, ahh, Mr Wilson) y al jefe de la oposición Edward Heath (ah, ahh, Mr Heath). Basada en un insitente riff (que años después The Jam y su “Start” tomarían prestado), el tema introduce al grupo en sonoridades nuevas de aire definitivamente pre-psicodélico.Cabe destacar la labor de Paul, no sólo al bajo (la parte de If you drive a car, I’ll tax the street es brutal) sino ocupándose de la guitarra solista de forma magistral a petición del propio Harrison, “me encantó como tocó Paul en Taxman…, si te fijas lo hizo sonar un poco hindú por mí…”

Arrancamos fuerte, pero queda mucho tomate. “Eleanor Rigby” (enlace), es, sin mucho lugar para el debate, uno de las mejores canciones de todos los tiempos. Compuesta por Paul, aunque con cierta ayuda de Lennon en la letra, hay que destacar la contribución del productor George Martin con su estratosférico arreglo de cuerda para dos chelos (a cargo de Derek Simpson y Norman Jones), dos violines (Tony Gilbert, Sidney Sax, John Sharpe y Jurgen Hess) y dos violas (Stephen Shingles y John Underwood). Ningún Beatle, salvo Paul , que se dobla las voces, intervino en la grabación. Respecto a la excelente letra sobre la soledad, Paul comenta: “Fui jugando con las palabras. Originalmente la protagonista se llamaba  ‘Miss Daisy Hawkins’, al principio pensé que era una chica joven, un poco como ‘Annabel Lee’, pero no tan sexy, aunque luego me di cuenta de que había dicho que estaba recogiendo arroz en una iglesia, así que tenía que ser una especie de señora de la limpieza; se había perdido la boda y de pronto se sentía sola. De hecho, se lo había perdido todo: era como una solterona… Pero realmente no me gustaba ‘Daisy Hawkins’, quería un nombre que fuera más real…  Saqué el nombre de Rigby de una tienda y creo que Eleanor venía de Eleanor Bron, la actriz con la que trabajamos en la película “Help!”. Sencillamente me gustaba el nombre. Buscaba un nombre que sonara natural. Eleanor Rigby sonaba natural… Ya lo tenía, así que fui a casa de John para cantársela… Lo siguiente fue Father McKenzie. Iba a ser Father McCartney, pero luego pensé que eso era hacerle una faena a mi padre, metiéndole en una canción tan solitaria. Así que nos pusimos a buscar en listín de teléfonos  y allí estaba…, a John le gustaba más como sonaba McCartney pero acabó siendo Father McKenzie, y era justo como lo había imaginado: solitario, zurciéndose los calcetines”. Una barbaridad de canción. Imprescindible.

Tras una canción de George y otra de Paul, John hace su primera aparición como compositor y cantante principal con la soberbia  “I’m Only Sleeping” (enlace). Además de la estupenda melodía, los acertados coros y la curiosa letra sobre la pereza (a John le encantaba pasar horas y horas en la cama), la canción destaca por las guitarras de George grabadas al revés. A este respecto el productor George Martin recuerda “Para grabar la guitarra hacia atrás en un tema como ‘I’m Only Sleeping’, defines la secuencia de acordes y luego escribes los acordes en sentido contrario para reconocerlos. Luego hay que aprender a ir manipulando esta secuencia de acordes, pero no se sabe cómo va a sonar hasta que vuelve a salir. Es a cara o cruz, de eso no hay duda, pero lo haces unas cuantas veces y, cuando te gusta lo que oyes, pues ya está”

George ataca de nuevo con “Love You To” (enlace), la primera de sus incursiones en la música india, “fue una de las primeras melodías que compuse para sitar. ‘Norwegian Wood’ fue accidental en cuanto al sitar, pero ésta fue la primera canción en que conscientemente probé el sitar y la tabla en la pista base. Las guitarras y la voz las añadí más tarde”. No es una de las mejores canciones de su autor, ni mucho menos del grupo, pero resulta interesante  por lo novedoso de su concepción.

Mucho más clásica es la maravillosa “Here There y Everywhere” (enlace). Soberbia melodía compuesta por Paul muy influenciado por el “Pet Sounds” de los Beach Boys y en especial por la inconmensurable “God Only Knows“. “La compuse un día en casa de John, junto a la psicina…, quería hacer algo así del tipo de los Beach Boys, con esos “uuuuuuuh” y todos esos coros fantásticos”. Paul ya había quedado prendado por aquel entonces de la obra maestra de Brian Wilson, igual que el californiano había quedado prendado de su “Rubber Soul”. Una prodigiosa canción que siempre fue una de las favoritas de John Lennon, “esa sí que es buena, gran canción de Paul, una de mis favoritas de los Beatles”.

Yellow Submarine” (enlace) pasa para muchos por ser una canción que “sobra” en el disco. Obviamente no es una de las mejores pero está muy lejos de ser un mal tema. En todo momento fue concebida por Paul, su autor, como una canción infantil que acabaría sirviendo para que Ringo tuviera su momento de gloria en el disco. Todas las sesiones estuvieron presididas de un tono de diversión y experimentación que se traduce en el jocoso resultado final.

Un tono más bien ligero antes de llegar a la psicodélica y transcendental “She Said She Said” (enlace). John compuso esta canción utilzando una surrealista expresión del actor Peter Fonda durante un viaje de LSD que ambos, junto a George Harrison y otros amigos, compartieron. “La escribí después de un viaje de ácido en Los Angeles, durante un descanso en la gira de los Beatles, donde nos estábamos divirtiendo con los Byrds y muchas chicas… Peter Fonda llegó cuando estábamos “viajando” y constantemente se acercaba a mí, se sentaba a mi lado y susurraba ‘I know what it’s like to be dead’ (Sé lo que es estar muerto). Estaba describiendo un viaje de ácido que había tenido”. Al margen de su origen, la canción destaca por sus sólidas guitarras y sus sorprendentes cambios de compás. Una gran canción para terminar una fastuosa cara A.

La tradición en la época era concentrar los grandes temas en la cara A y dejar los temas menos brillantes para la cara B. No obstante, como ya anunciaron con “Rubber Soul”, los Beatles estaban empezando a concebir los discos como un todo completo y “Revolver ” no iba a ser menos. La cara B también estaría muy cuidada como demuestra la excelente canción que la abre: el “Good Day Sunshine” (enlace) de Paul. Fantástico tema que recibió apasionados elogios del propio Leonard Bernstein y que Paul compuso muy influenciado por los Lovin’ Spoonful. Gran trabajo de George Martin al piano engrandeciendo una ya de por si enorme melodía.

And your Bird Can Sing” (enlace) es un tema estupendo que sin embargo su autor, John, odiaba, “un horror, otra de mis porquerías”. A pesar de la opinión de John, la melodía es fantástica y muy efectiva, y el trabajo de guitarras es maravilloso. La canción fue cambiando bastante durante su grabación y, en un principio, cantaban todo el tema a varias voces como se puede apreciar en la hilarante toma 2 que se editó en The Beatles Anthology 2. Pop de muy alto nivel.

Con “For No One” (enlace) el nivel del disco se eleva varias alturas. Paul compone un clásico, una de las mejores que escribió nunca el que pueda ser el mejor creador de melodías de la historia del rock. McCartney la compuso al piano en Suiza, y George Martin le escribió un soberbio arreglo de trompa (tocada por Alan Civil). Una maravilla histórica que siempre estuvo entre las preferidas de John.

Dr. Robert” (enlace) es un tema que Lennon dedicó al  Doctor Charles Roberts, un excéntrico médico que recetaba de manera desenfadada anfetaminas y toda clase de píldoras a sus amigos y pacientes, entre los que se encontraba John. Según Paul es “como un chiste… sobre aquel tío que curaba a todo el mundo de todos los males con pastillas y tranquilizantes, con inyecciones para esto y aquello; mantenía a Nueva York con un buen punto. De eso habla ‘Doctor Robert’: un médico de pastillas que te hace una buena visita. Era un chiste entre nosotros”.

Aún queda disco y nos encontramos con la ¡¡tercera!! canción de George en el disco, “I Want To Tell You” (enlace). La canción versa sobre “las avalanchas de pensamientos, tan difíciles de escribir, de decir o de transmitir”, según su autor. Es uno de los momentos menos memorables del LP sin ser, no de lejos, una mala canción. Mucho mejor resulta la excelsa “Got To Get You Into My Life” (enlace) de McCartney, muy influenciada por la Motown y con un sensacional combo de metales (trompetas y saxo tenor) a su servicio.Un tema absolutamente sobresaliente antes de llegar al final del disco.

El magnífico LP concluye con “Tomorow Never Knows” (enlace). El debut definitivo e inequívoco del grupo en el mundo de la psicodelia. John compuso la canción bajo los efectos del LSD y, según George Martin, “John quería sonar como un Dalai Lama cantando en lo alto de una colina. De hecho me dijo: ‘Ese es el tipo de sonido que necesito’. Su idea era colgarse del techo y cantar dando vueltas sobre un micrófono…no funcionó, así que pasé su voz por altavoz Leslie giratorio. Realmente salió como esa especie de grito reprimido procedente de la colina“. La canción, extraordinaria, está llena de efectos sobre el incesante ritmo de Ringo y el bajo monocorde de Paul.

Y así concluye “Revolver”, sin duda el mejor disco que los Beatles habían grabado hasta 1966 (para muchos el mejor de su carrera). Una joya histórica que casi roza la perfección y que permaneció dos meses en el número 1.

En Estados Unidos, como era costumbre, modificaron el tracklist eliminando “I’m Only Sleeping”, “And Your Bird Can Sing” y “Doctor Robert”, siendo ésta la última ocasión en la que Capitol modificaria la versión original de los discos del grupo. El LP se editó el 8 de agosto de 1966, dos días después de su homólogo británico y cuatro días antes de que la banda aterrizara en Chicago para iniciar una nueva gira americana que les tendría 18 días en tierras americanas viajando de Chicago a  San Francisco, pasando por Detroit, Cleveland, Washington DC, Philadelphia, Toronto, Boston, Memphis, Cincinnati, San Louis, Nueva York, Seattle y Los Ángeles

Poco después de aterrizar en tierra yanqui, los Beatles se encuentran con la furibunda reacción de los grupos cristianos americanos, especialmente los del sur del país que se encargaron de organizar incluso quemas públicas de discos. Todo provocado por aquellas declaraciones de John, publicadas meses atrás en las que afirmaba que “Ahora nosotros somos más populares que Jesucristo”. La polémica y la inagotable estupidez del catolicismo oficial llegó a tal nivel que incluso el Vaticano llegó a a formular una protesta formal.

La situación se calentó tanto que Brian Epstein tuvo que convocar una rueda de prensa en Chicago en la que un contrariado John pidió disculpas por sus palabras (enlace): “…si hubiera dicho que éramos más populares que la TV no hubiera pasado nada…, utilicé la palabra Beatles como algo abstracto, como la gente nos ve. Dije que la influencia que ejercemos sobre la juventud era mayor incluso que la de Jesucristo…, pero me expresé mal. Mi comentario hacía referencia a Inglaterra y dije que allí éramos más importantes para los jóvenes que la religión. No quería ofender a nadie, pero es un hecho y es cierto, más en Inglaterra que aquí. No nos comparo con Jesucristo como persona, ni como dios, ni como ser, ni lo que sea. Malinterpretaron mis palabras y mirad lo que ha pasado…”. En fin… No obstante, si jugamos a ser demagógicos, el término “popular” (del latín popularis), en ningún caso es un concepto que tenga que ver con una escala de valor, jerarquía o  poder, no es un asunto de mejor o peor, simplemente de “más conocido”. Hoy en día, encontramos que internet, con los motores de búsqueda, nos puede revelar  cifras muy concretas de lo que la gente busca o le interesa en la web, El diario británico Daily Telegraph hizo, en 2009,  un experimento con la herramienta  Google Trends para comparar las palabras más tecleadas en el mayor buscador de  la Web, oponiendo los términos “Beatles” y “Jesús” y el resultado favoreció, por mucho, a los de Liverpool…

El caso es que este desagradable episodio, unido a los acaecido en Japón y Filipinas, no hizo más que aumentar el descontento del grupo en lo que se refiere a las giras. Los intereses artísticos del grupo eran cada vez más sofisticados y el continuo griterío de las fans les impedía desarrollar sus canciones en directo. Además, sus nuevas composiciones no eran reproducibles en directo con los medios de 1966 y se veían a repetir una y otra vez sus antiguos temas.

Llevaban cuatro años sin parar, y decidieron que, terminada la gira americana, se tomarían un descanso. Un descanso de las fans, de los conciertos, de los viajes, de los propios Beatles…

De esta forma, el concierto que los  Beatles dieron  el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco,  marcó el final de un período de más 1.400 apariciones en conciertos a nivel internacional. Aquel concierto fue el penúltimo que John, Paul, George y Ringo darían juntos, el último “oficial” antes de las famosa aparición en la azotea de 1969.

Los cuatro habían abandonado si vida privada y estaban agotados de “ser Beatles”. Según algunos biógrafos, llegaron a pensar seriamente en la separación definitiva pero, en lugar de eso, decidieron tomare un tiempo en le que cada uno se dedicaría a lo que le viniera en gana, a sus proyectos personales.

De esta forma, John viajó a España para rodar en Almería “Como gané la guerra” bajo la dirección de Richard Lester, un film de trasfondo antibelicista en el que Lennon interpreta a un soldado.

George desaparece en la India durante dos meses, dedicándose a estudiar el sitar con Ravi Shankar y a profundizar su interés por el misticismo hindú. Harrison ya había mostrado su interés por la cultura hindú y, tras este viaje, se convertiría en uno de los mejores embajadores de aquella cultura en occidente.

Ringo se dedicará a su familia volcándose en su vida privada, junto a su mujer y a su hijo.

Paul se fue de vacaciones a África y, a su vuelta, se dedicó a componer la banda sonora de la película “The Family Way”, una trama cómica de una pareja de clase trabajadora recién casada, interpretada por Hayley Mills y  Hywel Bennett, quienes al casarse viven con los padres de él y por vivir en una casa pequeña no pueden consumar el matrimonio, en medio de chismes y tensiones provocadas por esta situación. La película acabaría estrenándose en 1967 y Paul obtuvo el premio Ivor Novello de la Academia Británica de cantautores, compositores  y actores en 1967.

Los Beatles seguían de vacaciones cuando escucharon el nuevo single de esos americanos que habían editado “Pet Sounds”, ese maravilloso disco que tanto les sorprendió meses atrás: “Good Vibrations” (enlace) de los Beach Boys dejó literalmente boquiabiertos a los liverpulienses . El single, con “Let’s go away for Awhile” en la cara B, alcanzó el número 1 el 10 de noviembre. Los medios británicos nombraron a los Beach Boys “mejor grupo del año”, tras votación de sus lectores, por delante de los Beatles. Nadie había conseguido “tocar” a los de Liverpool desde 1962 (cierto es que los americanos ganaron por apenas cien votos entre cientos de miles). Los Beatles estaban tan alucinados con “Good Vibrations” que Paul McCartney y John Lennon le enviaron a Brian Wilson una carta de felicitación por tan buen trabajo.

Era hora de volver al trabajo. El 24 de noviembre de 1966 los Beatles entran el estudio para cambiar la historia del rock para siempre.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn, 1 de diciembre de 2012

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THE BEATLES. Capítulo 7 (1965). Rompiendo las barreras, “Rubber Soul”

FotoTras la edición de “Help!” el grupo comienza una nueva gira que, en esta ocasión, los traería por primera vez a España. La llegada de los Beatles a España tuvo en Francisco Bermúdez -manager de Raphael- a su principal artífice. Bermúdez tuvo que esforzarse en convencer a los empleados del régimen franquista que veían a la banda como cuatro melenudos cuya influencia podía ser muy dañina para la sana, cristiana y ejemplar juventud patria.

El concierto de Madrid, en las Ventas, fue un relativo fracaso a causa del excesivo precio de las entradas y de la intensísima presencia policial que provocó que gran parte de los fans prefirieran no acercarse demasiado a los grises.

Sensiblemente mejor fue el de la monumental de Barcelona aunque, en cualquier caso, no fue España el país en el que mejor fue recibido el grupo. Tras las fechas europeas, el grupo comenzó una nueva gira norteamericana. Un Tour de  de quince días con 11 conciertos  en 10 ciudades distintasunidense. La gira comenzó el 15 de agosto en Nueva York con un show que se convertiría en histórico: el concierto del Shea Stadium.

Fue la primera vez que se realizaba un concierto en un estadio al aire libre, Sid Bernstein, el promotor afirmó “…más de 55.000 personas vieron a Los Beatles en el Shea Stadium. Ganamos 304,000 dólares, la mayor en cifras brutas nunca antes vistas en la historia de las empresas de espectáculo“. No obstante, los equipos de la época no estaban preparados para un auditorio de esas dimensiones y tuvieron que amplificarlos a través de la megafonía del estadio produciendo un sonido que Lennon calificó de “salvaje”. El setlist, muy corto por razones de seguridad, fue el que mantuvieron durante toda la gira

  1. Twist and Shout
  2. Baby’s in Black
  3. She’s a Woman
  4. I Feel Fine
  5. Dizzy Miss Lizzy
  6. Ticket to Ride
  7. Everybody’s Trying to Be My Baby
  8. Can’t Buy Me Love
  9. Act Naturally” que fue sustituida en algunos conciertos por  “I Wanna Be Your Man
  10. A Hard Day’s Night
  11. Help!
  12. I’m Down

El resto de la gira les llevó por Toronto, Atlanta, Houston, Chicago, Bloogminton, Portland, San Diego, Los Angeles (2 conciertos) y San Francisco. Especialmente destacables fueron los conciertos de Los Ángeles celebrados en el Hollywood Bowl, concretamente el segundo que sería grabado y editado años después como LP. Antes de que terminara la exitosa gira americana, el 27 de agosto, John, Paul, George y Ringo se encontraron con el que sin duda había sido su ídolo, por encima de cualquier otro, el Rey, Elvis Presley…

El encuentro fue arreglado por los managers de ambos, Brian Epstein y el Coronel Parker. Los músicos se encontrarían en Perugia Way nº 565, Bel Air, la casa de Elvis en California. Los Beatles llegaron poco después de las 22h y permanecieron allí entre tres y cuatro horas. Aunque hay múltiples versiones del encuentro, las más creíbles y concordantes son las del agente de prensa de Los Beatles, Tony Barrow, y el amigo de Elvis, Larry Geller.

Elvis recibió a los Beatles en la puerta y los británicos alucinaron con la casa, “parecía un club nocturno, había mesas de billar, ruletas…“, recordó John. Fliparon con el televisor en color y, oh magia, su mando de control remoto.

Según los testigos, “los Beatles estaban sin habla y a Elvis también se le notaba nervioso“. Elvis sirvió unas copas para todos, incluida su novia, Priscilla, también presente…, pero todos estaban demasiado temerosos de romper el hielo y permanecieron callados con las copas en la mano. Entonces Elvis dijo su famoso “Chicos, si me vais a estar mirando fijamente toda la noche, me iré a acostar”… todos comenzaron a reir y se destensó el ambiente, momento que aprovechó para acercarse a la jukebox y poner algo de música, sobre todo pinchó el “Mohair Sam” de Charlie Rich, y después les sugirió improvisar algo. Trajo su propio bajo y consiguió tres guitarras para John, Paul y George. A falta de púas usaron unos trozos de tenedores  de plástico, Ringo habilitó una silla a modo de batería. Poco a poco el ambiente se distendió y conversaron sobre música, las giras, la fama, las ventas de sus discos… Al despedirse, los Beatles invitaron a Elvis a visitarles si viajaba a Europa.

Volviendo a la música, los Beatles regresan a Londres con el encargo de editar un single y un nuevo LP para las navidades de 1965…, es decir, tenían en tres meses. Teniendo en cuenta las fechas, el encargo era “sencillo”: tenían que componer y grabar las canciones en cuatro semanas, el resto del plazo se usaría para mezclar, editar y promocionar el LP. El problema es que tenían muy poco material, apenas descartes de “Help” como “That means a lot” que acabaron cediendo a P.J Proby por no considerarla de suficiente calidad.

Tenían entre sí una tarea realmente titánica y John y Paul se pusieron a ello con empeño. La situación provocó que cada uno trabajara cada vez más por su lado y que apenas pusieran las ideas en común como habían hecho hasta la fecha. De hecho, es a partir de esta época cuando los estilos de Paul y John comienzan a diferenciarse claramente e incluso cuando, según su ingeniero de sonido, Norman Smith, surgen “las primeras desavenencias entre ellos”. Una de las primeras discusiones surgió a la hora de elegir lo que sería el single para las navidades de 1965. John era el compositor principal de la sublime “Day Tripper” y Paul era el autor principal de la no menos excelente “We Can Work It Out”

Lennon quería su canción como cara A del single, pero el resto del grupo -encabezados por McCartney- consideraba que “We can work it out” tenía mayor punch comercial y no podía quedar como cara B… Al final llegaron a una salomónica y soprendente, por novedosa, decisión: lo editaría como doble cara A, convirtiéndose en el primer single editado de esta forma en la historia del rock.

Y es que la ocasión bien lo merecía. “Day Tripper” (enlace) es un clásico del rock de todos los tiempos, uno de los riffs quintaesenciales de la música  moderna. John es el autor principal aunque Paul ayudó con la composición de las estrofas. “Los daytrippers (viajeros de un solo día) son gente que hace excursiones de un día, ya sabes…, en un ferry o algo así…, pero aquí me refería más a esos hippies de fin de semana…, son hippies a tiempo parcial, se ponen sus camisas a flores y todo eso para excuchar música ácida…” , recordó John.

Un tema inolvidable, como no lo es menos la fantástica “We Can Work It Out” (enlace). Optimista canción de Paul a la que John aporta los compensadores ocho compases centrales, “Paul hizo la primera parte y yo el middle eight. Tienes a Paul que escribe “Podemos solucionarlo, podemos solucionarlo”, muy optimista y yo impaciente: “La vida es demasiado corta y no hay tiempo para discusiones y luchas, amigo mío”.  Yo siempre era así. Era así antes y después de los Beatles. Siempre me he preguntado por qué la gente hacía cosas y por qué la sociedad era como era. No aceptaba las cosas por su apariencia”, recuerda Lennon.  Destaca la innovadora métrica y el acertado uso del armonio por parte de John. Una joya del pop para la historia

El single, de doble cara A, se lanzó el 3 de diciembre en Inglaterra y el 6 en Estados Unidos, alcanzando el número 1 a ambos lados del Atlántico. En esas mismas fechas editaron el que sería su sexto LP, compuesto y grabado enteramente en cuatro semanas…, uno de los mejores discos de la historia, el magnífico “Rubber Soul“.

RUBBER SOUL

Editado en Inglaterra el 3 de diciembre de 1965

1. Drive My Car (Lennon-McCartney)
2. Norwegian Wood (This Bird Has Flown) (Lennon-McCartney)
3. You Won’t See Me (Lennon-McCartney)
4. Nowhere Man (Lennon-McCartney)
5. Think For Yourself (Harrison)
6. The Word (Lennon-McCartney)
7. Michelle (Lennon-McCartney)

8. What Goes On (Lennon-McCartney-Starkey)
9. Girl (Lennon-McCartney)
10. I’m Looking Through You (Lennon-McCartney)
11. In My Life (Lennon-McCartney)
12. Wait (Lennon-McCartney)
13. If I Needed Someone (Harrison)
14. Run For Your Life (Lennon-McCartney)

Para gran mayoría de la crítica, estamos ante uno de los mejores álbumes de los Beatles. Lo que es indudable es que marca un antes y un después en la carrera de la banda. Estamos ante un nuevo grupo, a este respecto John afirmó “nos estábamos volviendo mejores, técnica y musicalmente, eso era todo. Por fin fuimos capaces de dominar el estudio. Al principio, hacíamos lo que se nos decía: ni siquiera sabíamos cómo subir el bajo. Aprendimos las técnicas en Rubber Soul. Fuimos más precisos sobre cómo grabar un disco. Y lo controlamos todo, hasta la portada”… Pero no era sólo eso, eran un grupo distinto, influenciados por Dylan y mucho más maduros a la hora de componer. “Realmente, creo que Rubber Soul fue el primer álbum de The Beatles que presentaba unos nuevos Beatles al mundo. Hasta entonces, los álbumes eran más bien recopilaciones de sencillos. Ahora estábamos empezando a pensar en los álbumes como unidades artísticas propias. Y Rubber Soul fue el primero de esta nueva etapa”, recordaba George Martin, su productor.

 Ya la misma portada, muestra a un grupo distinto. Sus pelos ya no estaban tan arreglados, los trajes y las corbatas habían pasado a la historia. Los Beatles habían dejado de ser un maravilloso grupo juvenil para convertirse en una banda adulta.El singular efecto de caras alargadas fue, por cierto y tal como cuenta Paul, fruto de la casualidad,  “Robert Freeman, nuestro fotógrafo nos había tomado algunas fotos en los alrededores de la casa de John en Weybridge y quiso enseñárnoslas proyectándolas en una cartulina, para simular cómo quedaría en una portada de un álbum. En ese momento, parte de la cartulina se inclinó hacia atrás, haciendo que la imagen se deformase y alargase…. y dijimos…¡Ey! ¿Podemos dejarla así?” . Sea como fuere es un disco fantástico, su mejor trabajo sin duda hasta ese momento, lleno de enormes melodías, con una variedad estilística pasmosa y un alto nivel lírico. Las personalidades y los estilos de John y Paul empiezan a separarse aquí de forma clara, y si a eso le añadimos las fantásticas aportaciones de George, llegamos a la situación que hizo de los Beatles una banda sin parangón en la historia del pop y del rock: tres compositores de alto nivel al servicio del mismo grupo…, los Kinks tenían a Ray Davies, los Beach Boys a Brian Wilson, los Who a Pete Townshend… pero ¡¡tres!!

También fue el álbum en el que comenzaron las primeras desavenencias en el seno del grupo. Ya no eran el monstruo-beatle de cuatro cabezas, ahora los Beatles eran la suma de John, Paul, George y Ringo…, y eso es muy enriquecedor a nivel artístico, pero también provoca roces. A este respecto, el ingeniero del grupo, Norman Smith, recuerda “aquí empezaron las tensiones entre John y Paul… Había sido el grupo de John y Paul estaba empezando a tomar el mando…, no hay duda de que es el que mayor capacidad musical tenía de los cuatro, y también en lo referente a producción. Su problema es que no sabía solfeo, si no hubiera podido hacer muchas cosas sin George Martin. Aunque también era un maniático redomado y empezó a tocarle mucho las narices a George (Harrison), George hacía varias tomas perfectas y luego llegaba Paul, sacaba algún pequeño defecto y acababa tocando él el solo… con el tiempo supe que George empezó a cogerle mucha manía por eso…, de todas formas, hay que reconocer que la mayoría de las ideas eran de Paul”.

Un disco fundamental. El efecto de la Marihuana empezaba a notarse en la música del grupo, sus letras eran mucho más profundas (se acabo el “te quiero nena”), y, lo que es más importantes, se propusieron empezar a experimentar con la música… En esta época ya gozaban de aparatos de cuatro pistas (esto significa que se puede grabar en cuatro tomas superponiendo sonidos en la grabación) y empezaron a introducir muchos más instrumentos (pianos, sitares, clavicordios…). También cambiaron parte de sus sempiternos insrumentos, George empezó a acompañarse de una Fender Stratocaster y Paul le puso los cuernos a su clásico Hofner con su nuevo Rickenbaker. En resumen, una de esas maravillas que dan luz cuando se encuentran en una colección de discos…, o que hacen que no merezca tal nombre de estar ausente. Allá vamos:

La cara A arranca con “Drive My Car” (enlace), un potente chute de soul británico. Es un tema fundamentalmente de Paul en el que John y George hicieron importantes contribuciones. La contribución de Lennon es fundamentalmente lírica, Paul se atascó con la letra del estribillo que originalmente rezaba “I can give you golden rings, I can give you anything, Baby I love you” (puedo darte anillos de oro, te lo puedo dar todo, baby te quiero)… John lo tuvo claro, “Paul, esto es una mierda”. Trabajaron juntos y consiguieron una letra llena de coches y agudos dobles sentidos, según Paul, “la idea de que la tía era una zorra no cambiaba, pero los versos eran mejores”. La contribución de George tiene que ver con el riff de la canción, “la verdad es que Paul era bastante testarudo con sus canciones, llegaba al estudio y te decía ‘haz esto’, era difícil que nos dejara aportar algo, pero con ‘Drive my Car’ me dejó aportar el riff… muy basado en el de ‘Respect” de Ottis Redding al que yo solía escuchar mucho por esa época… A Paul le gustó mucho y así se quedó“, recordaba. Harrison se encargó de la guitarra solista y del bajo ya que  McCartney también le dió a la solista y se tuvo que encargar del piano. Enorme canción y gran trabajo de voces de Paul y John.

Con “Norwegian Wood” (enlace), ocurre al contrario, John, muy influenciado por Bob Dylan,  compuso la canción y Paul le ayudó significativamente con la letra siendo quien sugiere el pirómano final del tema. Es una canción fantástica y muy vanguardista. A pesar de su tradicional melodía de aires folk, el sitar de George (la primeras grabaciones que existe de este instrumento en un disco de rock) le da un aire pre-psicodélico que resultaría muy influyente en los músicos venideros. Más estándar resulta “You Won’t See Me” (enlace). Paul compuso este extraordinario pop al que los coros (Uuuh-la-la-la) de John y George elevan varios kilómetros. Gran trabajo instrumental (muy destacable Ringo al charles) y vocal en otro memorable ejemplo de pop.

Nowhere Man” (enlace) eleva aún más si cabe el nivel del LP que raya a una altura extraordinaria. John la compuso y George, Paul y él mismo ejecutan una de las mejoreses armonías vocales de la carrera del grupo. Lennon, además de crear una maravillosa melodía, está muy inspirado con una fantástica letra llena de juegos de palabras, “me había pasado cinco horas aquella mañana intentando componer una canción llena de sentido, que fuera buena, hasta que lo dejé y me tumbé. Y al tumbarme me vino ‘Nowhere Man’, letra y música, absolutamente todo”, recordaba Lennon.

Hasta aquí, Paul y John se alternan en la composición con dos temas cada uno. “Think For Yourself” (enlace) es la primera de las dos canciones de Harrison que aparecen en el disco. Sin dejar de ser una buena canción es, probablemente, uno de los temas menos brillantes del LP y su principal virtud es la aparición del efecto de distorsión que introdujeron en el bajo de Paul…, lo que hoy conocemos como “fuzz” y es tan popular en grabaciones actuales. Sensiblemente mejor resulta “The Word” (enlace, tema que John y Paul compusieron juntos intentando construir una oda al amor en términos no románticos sino pre-psicodélicos. “Escribimos ‘The Word’ juntos. La letra habla de (…) volverse inteligente. Es la época de la marihuana. Es el amor, todo aquello de amor y paz. La palabra (‘The Word’) es ‘amor’ ¿no?“, afirmó Lennon. Musicalmente resultan muy interesantes el piano de McCartney, el marcado riff de las estrofas, las compenetradas armonías de Paul, John y George así como la premeditada escasez de acordes y cambios en la estructura de la canción, según Paul “A John y a mí nos gustaba hacer canciones con una sola nota como en «Long Tall Sally». Lo hicimos en ‘The Word’. Gran canción

La inconmensurable cara A se cierra con un nuevo clásico, “Michelle” (enlace)… ¿quién no la conoce?  Paul compuso, con ayuda de John en la letra, esta delicada balada acústica con la que, en un principio, pretendía parodiar las canciones románticas francesas. Fue John quien la animó a terminarla y a escribir unas líneas en francés para lo que pidieron ayuda a una profesora de francés casada con uno de sus amigos. Paul hace un gran trabajo con la guitarra acústica influenciado por el estilo de Chet Atkins. Un clásico, un mes después de haberse lanzado, existían 20 versiones editadas por otros artistas de la canción.

La cara B se inagura con “What Goes On” (enlace), una canción de John de finales de los 50 que Paul y ¡Ringo! terminaron añadiéndole los ocho compases centrales. No es una gran canción y es el punto más bajo del LP sin lugar a dudas, pero los Beatles tuvieron que rescatarla para completar el disco. De paso le dieron a Ringo “su” canción (en todos los LP’s canta al menos un tema). Lo más destacable son las voces de Paul y John y la extraordinaria guitarra country de George.  Y así llegamos a la evocadora “Girl” (enlace), cantada y compuesta por John y con George y Paul a los coros diciendo contínuamente “tit-tit-tit” (“teta-teta-teta”) a sugerencia del propio Lennon. Resulta característico el sonido de la respiración de John que algunos identifican como una broma que simularía el sonido propio de la calada a un porro, y otros con la imitación del suspiro de un enamorado…, queda a interpretación del oyente. Lo que no soporta interpretación es que es una canción maravillosa que concluye con unos compases de inspiración mediterránea que dan nuevas muestras del creciente eclepticismo del grupo.

I’m Looking Through You” (enlace), compuesta y cantada con maestría por Paul continúa elevando el nivel del álbum con otro ejercicio de pop-country-rock sin fisuras en el que Ringo hace un sencillo pero efectivo uso del órgano hammond. Con la fantástica “In My Life” (enlace), tenemos lugar para la polémica. Paul y John coninciden en que la letra es de Lennon pero mientras John dice “es mía, letra y música…, aunque puede que Paul me ayudara un poco con la música, especialmente en los ocho compases centrales”, Paul afirma “…yo compuse la música sobre una letra que me pasó John…, era como un poema, me la dejó y la compuse en media hora en un melotrón”. Fuera como fuese es una canción preciosa que ambos cantan y que puede presumir de una letra muy inspirada. La parte del solo se dejó en blanco para que George Martin metiera a posteriori su característico piano barroco, el problema es que lo que los Beatles querían era demasiado rápido para el bueno de Martin por lo que decidió bajarlo un tono y grabarlo más despacio para que luego, al acelerarlo, se equiparara al tono de la canción. Brillante.

Wait” (enlace) es un tema que Paul y John compusieron juntos para “Help!” pero que finalmente descartaron. Añadieron algunas pistas de guitarra y la utilizaron para “Rubber Soul”. Es un tema interesante que encaja como un guante en el disco y en el que destaca especialmente su middle eight.

Casi al final del disco, George nos presenta su segundo tema, la estupenda “If I Needed Someone” (enlace). El propio Harrison reconoce haberse inspirado en canciones de los Byrds como “The Bells of Rhymney” también basada en el acorde de Re, “es otra entre miles de canciones compuestas alrededor del acorde de Re. Co sólo mover un dedo se obtienen varias melodías. Es increíble que se sigan encontrando nuevas combinaciones de las mismas notas”. Y así llegamos al final, “Run For Your Life” (enlace) de John…, aunque, según sus declaraciones, nunca deseara haberla escrito, “es una mierda“. La canción que, para nada es mala sino bastante apreciable, fue siempre una de las preferidas de George.

Un LP espectacular, quizás su primera obra de arte, una verdadera joya del pop y el punto de partida de la etapa madura del grupo. Estamos ante su primer disco “de una pieza”, los discos ya no serían meras colecciones de canciones. Es un nuevo grupo (el nombre de la banda, por primera vez, no aparece en la portada) enfocado a objetivos mucho más altos que los que habían tenido hasta la fecha.

La repercusión del álbum fue tremenda, la crítica lo recibió con alborozo y fue aupado al número 1 durante ocho semanas (42 en listas) tras vender más de 3.000.000 de copias.

En Estados Unidos volvieron a realizar una de sus habituales carnicerías, si bien esta vez molestó especialmente al grupo. Como era habitual , redujeron el número de canciones de 14 a 12  sacando del disco “Drive My Car”, “Nowhere Man”, “What Goes On” y “If I Needed Someone” y sustituyéndolas por “I’ve Just Seen a Face” y “It’s Only Love” del británico “Help!” que Capitol no había utilizado en la versión americana del mismo. El resultado es un disco mucho más folkie y que pierde gran parte de su identidad…, los Beatles comenzaron a expresar abiertamente su descontento por los cambios que Capitol realizaba en las ediciones americanas de sus discos.

Sentado en su sofá de Los Ángeles un joven músico californiano estaba fumando un porro con unos amigos, cuando alguien entro con “Rubber Soul” debajo del brazo… ”desde que escuché los primeros acordes, me enamoré de este disco, la primera vez que escuché “Michelle” me quede flipado…¡qué maravilla!, y “Girl”, ¡qué canción tan increíble!, me volvió loco la forma de cantar de Lennon, sonaba fantástico (…). Mi favorita es “Norwegian Wood” y su misteriosa letra, tampoco puedo olvidar el sonido del sitar, nadie lo había usado antes…, esta exótica instrumentación me inspiró mucho. ¡Cuántas canciones fantásticas!, “You won’t see me” es genial y “Think for yourself”… esa es de George, ¿no?, es buenísima… “The Word”… Pero la mejor, para mí, es “In my life”… Es increíble, nadie había hecho un disco en que todas las canciones fueran tan buenas, y esas letras tan increíbles… Es el mejor disco de todos los tiempos, me dije, tengo que intentar superarlo… y me puse a trabajar en mi nuevo disco…”, ese joven se llamaba Brian Wilson y su disco resultaría ser el inconmensurable “Pet Sounds” de The Beach Boys.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn. 9 de noviembre de 2012

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THE BEACH BOYS. “That’s why God made the Radio” (2012). ( 7/10 )

1. Think About The Days (B.Wilson-J.Thomas)
2. That’s Why God Made The Radio (B.Wilson-J.Peterik-L.Millas-J.Thomas)
3. Isn’t It Time (B.Wilson-M.Love-J.Peterik-L.Millas-J.Thomas)
4. Spring Vacation (B.Wilson-M.Love-J.Thomas)
5. The Private Life Of Bill And Sue (B.Wilson-J.Thomas)
6. Shelter (B.Wilson-J.Thomas)
7. Daybreak Over The Ocean (M.Love)
8. Beaches In Mind (B.Wilson-M.Love-J.Thomas)
9. Strange World (B.Wilson-J.Thomas)
10. From There To Back Again (B.Wilson-J.Thomas)
11. Pacific Coast Highway (B.Wilson-J.Thomas)
12. Summer’s Gone (B.Wilson-J.Bon Jovi-J.Thomas)

Producido por Brian Wilson

Editado en Junio de 2012

He de reconocer que, desde que se anunció su edición, he tenido sentimientos encontrados respecto a este “That’s why god made the radio”. Por un lado, el recuerdo de los lamentables discos editados en los últimos 25 años no hacía presagiar nada bueno; por otro, el regreso de Brian al grupo y el gran nivel de los últimos trabajos en solitario de éste permitía un espacio para la esperanza.

Vamos allá. El disco arranca… bien, muy bien, con “Think About The Days” (enlace) una de la típicas corales “Made in Wilson” al modo de clásicos como “Our Prayer” acompañada, en esta ocasión de una bellísima frase de piano…¿Será posible?, es una pieza preciosa, ¿habrán conseguido hacer un gran disco a sus 69 años de media?, ¿después de tanta basura?, aún es pronto, pero la cosa pinta bien. Turno para el single, “That’s why God made the radio” (enlace), un buen tema con una letra embarazosamente ridícula. Seguimos con un buen nivel. A estas alturas empezamos a pensar que podemos estar ante algo grande. Entonces llega “Isn’t It Time” (enlace), un fantástico e infeccioso  tema pop con Brian de nuevo a la voz principal (que alterna con Mike), que sorprende por su frescura y su excelente factura…¡qué va a ser verdad!, ¡qué los viejarras han vuelto por sus fueros!

Pero, por desgracia, las esperanzas se empiezan a desvanecer cuando llegamos a  la vulgar “Spring Vacation” (enlace) en la que lo que más destaca es su irónica letra (“We’re back together, easy money”) y la voz de Al. La canción no es mala pero empieza a recordar a sus pretéritos tiempo pachangueros a partir de los 80. “The Private Life Of Bill And Sue” (enlace) empieza a alimentar los peores presagios. Brian canta esta baratija más propia de “La Sirenita” que de un disco serio. Ay, ay, ay…

Shelter” (enlace) nos da un poco de aire. No es un tema monumental pero su estribillo es tremendamente efectivo (con falsetto “alla Brian” a cargo del inefable Jeff Fosckett) y con Brian a la voz principal la canción llega a buen puerto. Les perdonamos los deslices anteriores… ¿o no?… El siguiente tema está compuesto por Mike Love…miedito…, como no podía ser de otra forma “Daybreak over the ocean” (enlace) es una cancioncilla inofensiva que también encajaría en la banda sonora de “La Sirenita”… Pffff… Esto empieza a dar pereza… Con “Beaches in Mind” (enlace), llega la confirmación, otro disco para olvidar, las tres primeras canciones habían sido un espejismo. No hay por donde cogerla.

Cuando ya estaba  a punto de sacar el CD del reproductor, llegaron unos acordes de piano, Brian, esas potentes percusiones…”It’s a straaaaange world“. Esto está mucho mejor. “Strange World” (enlace) es un muy buen tema, en una línea melódica muy en el estilo de los Who de Quadrophenia y en el que, por primera vez en el disco, empezamos a notar la mano de Brian en la producción. Bueno…, vamos a darle una oportunidad, total, quedan tres canciones…

Y  entonces llega la fantásticamente conservada voz de Al…, ” From There To Back Again” (enlace), ¡vaya temazo!, la mejor balada de Brian desde 1978…, en torno a mitad la canción las armonías toman el poder, antes de ceder la voz a Brian. Una maravilla. Una auténtica maravilla. Con una sonrisa en la boca, me dispongo a escuchar el resto del disco con la tranquilidad de tener una joya de canción (y tres joyitas menores más) que llevarme al oído cuando quiera. Pero, entonces, sin pausa, sin espacios, llega “Pacific Coast Highway” (enlace). Con Brian al mando vocal, es otra barbaridad de canción, especialmente intensa y con un nivel melódico estratosférico… pero no acaba aquí, de nuevo sin pausas, comienza  “Summer’s gone” (enlace), ¡¡el tío Brian nos está regalando una de sus “suites”!!, otra preciosidad en la que Brian reflexiona (como en todas las canciones de esta suite final) acerca de la llegada de la vejez, del crepúsculo de sus vidas, del fin del verano… ¿ Hay mejor forma de terminar el que probablemente será el último disco de lo Chicos de la Playa?

That’s Why God Made The Radio” no es una obra de arte, no es un discazo pero, por fín en muchos años, es un disco propio de una banda como los Beach Boys. Mucha gente divide la carrera del grupo entre la comunmente elogiada estapa hasta “Pet Sounds” y la denostada época posterior. Particularmente me parece una injusticia que sólo se puede cometer desde el desconocimiento de la obra del grupo. De hecho, hasta 1977, sólo editaron un mal disco, “15 Big Ones“…, pero no es menos cierto que desde entonces fueron de mal en peor. Trabajos como “M.I.U. Album”, “L.A. (Light Album)”, “Keepin’ the summer alive”, “The Beach Boys”, “Still Cruisin'”, “Summer in paradise” y “Star and Stripes” son discos malos, algunos horribles, y han hecho un daño irreparable a la imagen de la banda entre el común de los mortales. Y es en este sentido por lo que “That’s Why God Made The Radio” cobra valor. Los Beach Boys graban su mejor disco desde 1978 y  es el que servirá de epitafio a su carrera.

Es fantástico que la carrera de la banda tenga la excelente suite final del álbum como punto final. Lo merecían.

VALORACIÓN: 7 / 10

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THE BEACH BOYS. Capítulo 25 (2012). Punto final. “That’s Why God Made The Radio”

Los rumores de una posible reunificación son cada vez más fundados, hasta que el día 16 de diciembre de 2011 se anuncia oficialmente un nuevo disco de estudio y una gira conmemorativa del 50 Aniversario de la banda. La gira comenzaría en  abril de 2012 y Brian Wilson, Mike Love, Alan Jardine, Bruce Johnston y el rescatado David Marks recorrerán el mundo con una gira internacional de 50 fechas.

“Este aniversario es especial para mi porque echo de menos a los chicos y será emocionante hacer un nuevo disco y compartir escenario con ellos otra vez.” . Declaró Brian Wilson. Lo primero que se filtra de la reunión es una nueva y estupenda versión de “Do it again” (enlace) de la que Mike comentó “Nos juntamos en Capitol Records y regrabamos ‘Do It Again.’ Brian y yo escribimos esa canción y llegó al número 1 en Gran Bretaña, Australia y otros lugares hace 44 años. Brian me hizo un cumplido, ‘¿Cómo puede sonar alguien tan bien tantos años después?’ Más tarde, mientras trabajábamos en unas armonías de una nueva canción de Brian, tuve la ocasión de devolverle el cumplido. Fue emocionante estar alrededor del piano otra vez junto a Brian, Alan y Bruce y experimentar de primera mano la brillantez del don de Brian para los arreglos vocales.. Ha sido una gran bendición que hemos podido compartir con el mundo. ¿No estaría bien hacerlo una vez más? ¡Absolutamente!”. Tenemos operación nostalgia en marcha.

El 12 de febrero de 2012, y con motivo de la 54ª entrega de los Premios Grammy, los Beach Boys actúan en la Gala (enlace). La primera actuación de Brian con los Beach Boys en más de 15 años. La actuación (aunque en claro pseudo-playback) es más que ilusionante y empieza a hacer que muchos de los escépticos con la reunión comiencen a albergar esperanzas de que esta reunión traiga algo bueno.

Entretanto la banda ensaya (enlace) los temas para la gira a la vez que trabajan en el estudio los últimos detalles de su nuevo disco de estudio

Dos meses después, el 24 de abril, los Beach Boys comienzan la gira en Tucson (enlace). Los comentarios de público y crítica son unánimente positivos. Brian, quien no olvidemos que aunque está muy recuperado si lo comparamos con unos años atrás no deja de ser un hombre muy enfermo, se muestra ausente durante el Show, si bien sus intervenciones son las más aplaudidas… Dos días después se estrena, en formato digital, el primer single de lo que será el nuevo disco de los Beach Boys: “That’s why god made the radio” (enlace).

La canción, con música de Brian Wilson arranca con un sonido clásico, que recuerda a los primeros años del grupo y con un brillante Brian en la voz principal. La sencilla y ultraclásica melodía puede decepcionar en una primera escucha… hasta que llegamos al estribillo…la explosión de armonías, ese falsetto…Son los Beach Boys. Si no fuera por la horripilante letra, estaríamos hablando de una canción más que notable. Esto tiene buena pinta. ¿Serán capaces estos vejestorios de grabar un buen disco después de haber estado porquerías desde 1985?

El estreno del single genera cierta controversia entre la crítica, pero son muchos los que comienzan a interesarse por el futuro disco, especialmnente cuando Bruce Johnston afirma que las nuevas composiciones de Brian le recuerdan a “Pet Sounds” y que el sonido del disco se acerca a “Sunflower”… Y mientras el grupo sigue girando y realizando apariciones televisivas (enlace)… Hasta que llega el día, el  5  de junio se publica “That’s Why God Made The Radio”, el primer disco de estudio con nuevo material de Los Beach Boys en 20 años.

“THAT’S WHY GOD MADE THE RADIO”

1. Think About The Days (B.Wilson-J.Thomas)
2. That’s Why God Made The Radio (B.Wilson-J.Peterik-L.Millas-J.Thomas)
3. Isn’t It Time (B.Wilson-M.Love-J.Peterik-L.Millas-J.Thomas)
4. Spring Vacation (B.Wilson-M.Love-J.Thomas)
5. The Private Life Of Bill And Sue (B.Wilson-J.Thomas)
6. Shelter (B.Wilson-J.Thomas)
7. Daybreak Over The Ocean (M.Love)
8. Beaches In Mind (B.Wilson-M.Love-J.Thomas)
9. Strange World (B.Wilson-J.Thomas)
10. From There To Back Again (B.Wilson-J.Thomas)
11. Pacific Coast Highway (B.Wilson-J.Thomas)
12. Summer’s Gone (B.Wilson-J.Bon Jovi-J.Thomas)

Producido por Brian Wilson

Editado en Junio de 2012

He de reconocer que, desde que se anunció su edición, he tenido sentimientos encontrados respecto a este “That’s why god made the radio”. Por un lado, el recuerdo de los lamentables discos editados en los últimos 25 años no hacía presagiar nada bueno; por otro, el regreso de Brian al grupo y el gran nivel de los últimos trabajos en solitario de éste permitía un espacio para la esperanza.

Vamos allá. El disco arranca… bien, muy bien, con “Think About The Days” (enlace) una de la típicas corales “Made in Wilson” al modo de clásicos como “Our Prayer” acompañada, en esta ocasión de una bellísima frase de piano…¿Será posible?, es una pieza preciosa, ¿habrán conseguido hacer un gran disco a sus 69 años de media?, ¿después de tanta basura?, aún es pronto, pero la cosa pinta bien. Turno para el single, “That’s why God made the radio” (enlace), un buen tema con una letra embarazosamente ridícula. Seguimos con un buen nivel. A estas alturas empezamos a pensar que podemos estar ante algo grande. Entonces llega “Isn’t It Time” (enlace), un fantástico e infeccioso  tema pop con Brian de nuevo a la voz principal (que alterna con Mike), que sorprende por su frescura y su excelente factura…¡qué va a ser verdad!, ¡qué los viejarras han vuelto por sus fueros!

Pero, por desgracia, las esperanzas se empiezan a desvanecer cuando llegamos a  la vulgar “Spring Vacation” (enlace) en la que lo que más destaca es su irónica letra (“We’re back together, easy money”) y la voz de Al. La canción no es mala pero empieza a recordar a sus pretéritos tiempo pachangueros a partir de los 80. “The Private Life Of Bill And Sue” (enlace) empieza a alimentar los peores presagios. Brian canta esta baratija más propia de “La Sirenita” que de un disco serio. Ay, ay, ay…

Shelter” (enlace) nos da un poco de aire. No es un tema monumental pero su efectivo es tremendamente efectivo (con falsetto “alla Brian” a cargo del inefable Jeff Fosckett) y con Brian a la voz principal la canción llega a buen puerto. Les perdonamos los deslices anteriores… ¿o no?… El siguiente tema está compuesto por Mike Love…miedito…, como no podía ser de otra forma “Daybreak over the ocean” (enlace) es una cancioncilla inofensiva que también encajaría en la banda sonora de “La Sirenita”… Pffff… Esto empieza a dar pereza… Con “Beaches in Mind” (enlace), llega la confirmación, otro disco para olvidar, las tres primeras canciones habían sido un espejismo. No hay por donde cogerla.

Cuando ya estaba  a punto de sacar el CD del reproductor, llegaron unos acordes de piano, Brian, esas potentes percusiones…”It’s a straaaaange world“. Esto está mucho mejor. “Strange World” (enlace) es un muy buen tema, en una línea melódica muy en el estilo de los Who de Quadrophenia y en el que, por primera vez en el disco, empezamos a notar la mano de Brian en la producción. Bueno…, vamos a darle una oportunidad, total, quedan tres canciones…

Y  entonces llega la fantásticamente conservada voz de Al…, ” From There To Back Again” (enlace), ¡vaya temazo!, la mejor balada de Brian desde 1978…, en torno a mitad la canción las armonías toman el poder, antes de ceder la voz a Brian. Una maravilla. Una auténtica maravilla. Con una sonrisa en la boca, me dispongo a escuchar el resto del disco con la tranquilidad de tener una joya de canción (y tres joyitas menores más) que llevarme al oído cuando quiera. Pero, entonces, sin pausa, sin espacios, llega “Pacific Coast Highway” (enlace). Con Brian al mando vocal, es otra barbaridad de canción, especialmente intensa y con un nivel melódico estratosférico… pero no acaba aquí, de nuevo sin pausas, comienza  “Summer’s gone” (enlace), ¡¡el tío Brian nos está regalando una de sus “suites”!!, otra preciosidad en la que Brian reflexiona (como en todas las canciones de esta suite final) acerca de la llegada de la vejez, del crepúsculo de sus vidas, del fin del verano… ¿ Hay mejor forma de terminar el que probablemente será el último disco de lo Chicos de la Playa?

That’s Why God Made The Radio” no es una obra de arte, no es un discazo pero, por fín en muchos años, es un disco propio de una banda como los Beach Boys. Mucha gente divide la carrera del grupo entre la comunmente elogiada estapa hasta “Pet Sounds” y la denostada época posterior. Particularmente me parece una injusticia que sólo se puede cometer desde el desconocimiento de la obra del grupo. De hecho, hasta 1977, sólo editaron un mal disco, “15 Big Ones“…, pero no es menos cierto que desde entonces fueron de mal en peor. Trabajos como “M.I.U. Album”, “L.A. (Light Album)”, “Keepin’ the summer alive”, “The Beach Boys”, “Still Cruisin'”, “Summer in paradise” y “Star and Stripes” son discos malos, algunos horribles, y han hecho un daño irreparable a la imagen de la banda entre el común de los mortales. Y es en este sentido por lo que “That’s Why God Made The Radio” cobra valor. Los Beach Boys graban su mejor disco desde 1978 y  es el que servirá de epitafio a su carrera.

Es fantástico que la carrera de la banda tenga la excelente suite final del álbum como punto final. Lo merecían. Pero, como era de esperar, teniendo en cuenta los precedentes, la reunión de los míticos Beach Boys no terminó del todo bien. El disco fue un éxito (número 3 en las listas Billboard), así como la recepción de los conciertos, pero las tensiones entre Mike Love y Wilson terminaron con un nuevo alejamiento de posturas. Mike seguiría girando con unos nuevos Beach Boys y Brian volvería a su retiro, aunque su página web enseguida anunció que estaba grabando y produciendo un nuevo trabajo en solitario que contaría con la participación del brillante guitarrista británico Jeff Beck, y sus ex-compañeros de The Beach Boys Al Jardine, David Marks y Blondie Chaplin. Por razones aún no detalladas por ninguna de las partes, el material producido durante esas sesiones decidió desecharse y Wilson siguió trabajando en el estudio hasta que en el invierno de 2014 anunció que el disco estaba terminado. La idea era contar con varias voces colaboradoras y armar un disco de “duets”. El título del álbum sería “No Pier Pressure” y se editaría en la primavera de 2015.

1. “This Beautiful Day”  (Wilson-Thomas)
2. “Runaway Dancer” (Wilson-Thomas)
3. “What Ever Happened”  (Wilson-Thomas)
4. “On The Island” (Wilson-Thomas)
5. “Our Special Love”  (Wilson-Thomas)
6. “The Right Time”  (Wilson-Thomas)
7. “Guess You Had To Be There”  (Wilson-Thomas)
8. “Tell Me Why”  (Wilson-Thomas)
9. “Sail Away” (Wilson-Thomas)
10. “One Kind Of Love” (Wilson-Thomas)
11. “Saturday Night” (Wilson-Thomas)
12. “The Last Song” (Wilson-Thomas)
13. “Half Moon Bay” (Wilson-Thomas)

La primera mala noticia, al tener el álbum entre las manos, es comprobar que el disco estaba producido de nuevo por Joe Thomas, uno de los más recalcitrantes representantes del más puro sonido AOR. Amante del demoníaco Autotune y arquitecto de pulcros y fríos sonidos. Thomas ya colaboró con Wilson en la producción y la composición de los temas del último disco de los Beach Boys “Why God Made The Radio” y en algunos de sus trabajos en solitario, como el insípido “Imagination” de 1998.

No obstante, la cosas empiezan muy bien con la breve y preciosista “This Beautiful Day“, una bonita, serena y sobresaliente balada con una melosa melodía que a pesar de sus azucarados arreglos  funciona de forma fantástica como arranque del disco. Excelente comienzo que hace que empecemos a albergar unas esperanzas que se tambalean con “Runaway Dancer“, una extraña suerte de electro-pop con dueto con el miembro de Capital Cities Sebu Simonian. No es que sea una mala canción, simplemente descoloca.

La excelente bien conservada voz de su es-compañero de The Beach Boys, Al Jardine, es la protagonista de “Whatever Happened“, una evocadora balada que roza la ñoñería. Resulta agradable, está bien construida pero es tan blandita y autocomplaciente resulta absolutamente inofensiva. Es cierto que Wilson nunca ha sido muy amigo de decibelios y estridencias, pero su música siempre ha tenido un algo que aquí se pierde entre azucarados mantos de armonías autotuneadas. Está muy lejos de ser una mala canción, en cualquier caso. “On The Island“, la siguiente canción, cuenta con la colaboración del dúo de indie folk estadounidense She & Him, y se trata de una agradable canción de aromas hawaianos en la que destaca la acertada interpretación de  Zooey Deschanel. Buen tema.

 El comienzo y el final  de “Our Special Love” nos recuerdan al mejor Wilson, pero enseguida penetra en ambientes de “radio-fórmula madura” bastante prescindible. Una lástima porque esta canción apuntaba maneras. El joven cantante Peter Hollens colabora en el tema. También tiene muy buenos momentos “The Right Time” en la que el ex-Beach Boy Al Jardine vuelve a tomar la voz cantante en las estrofas mientras Brian luce falsetto en los estribillos. Muy agradable, muy blandita también, pero da gusto escucharla.

La joven estrella country Kacey Musgraves es la voz principal en “Guess You Had To Be There“, un pegadizo medio tiempo de country-pop  que es de lo mejor del disco pero en la que es difícil reconocer el estilo de Brian Wilson como compositor. Algo más reconocible resulta “Tell Me Why“, pero, de nuevo, lo mismo AOR puro, límpidos arreglos y un sonido demasiado empalagoso… Y cuando ya estamos a punto de rendirnos llega “Sail Away” con dos ex-Beach Boys, Blondie Chaplin y Al Jardine, compartiendo estudio con Brian y, sin ser ninguna joya, nos anima a seguir un poco más, y la espera merece la pena, pues, “One Kind Of Love” es, junto a “This Beautiful Day”, lo mejor del disco. Ahora, sí, muy Brian Wilson…, lejos de su mejor material, pero muy reconocible. Muy buena canción y grandes arreglos vocales.

Hay esperanza, pero la soporífera “Saturday Night“, con el joven Nate Ruess al micro, nos devuelve a la radio-fórmula menos edificante. Lo peor del disco, una canción muy floja que no debería estar en el catálogo de semejante genio…, pero entonces llega “The Last Song” con sus hermosos arreglos vocales y su maravillosa melodía que ni siquiera los pomposos arreglos de la parte final de la canción consiguen estropear. Y es que no podemos olvidar que Brian Wilson ha sido uno de los grandes. Sus problemas mentales, el abuso de drogas y las influencias maliciosas de su entorno acabaron por apagar, hace ya mucho, una de las estrellas más brillantes del firmamento musical… Aún así, a veces, como si se escapara por una rendija de su torturado cerebro, su talento nos deja joyitas como “Half Moon Bay“, el maravilloso instrumental que cierra el álbum.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn. 22 de noviembre de 2012. Editado el 25 de abril de 2015

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THE BEACH BOYS. “The SMiLE Sessions” (2011). ( 9,5 / 10 )

1.Our Prayer (B.Wilson) 2.Gee (W.Davis, M.Levy) 3.Heroes And Villains (B.Wilson-V.D. Parks) 4.Do You Like Worms (Roll Plymouth Rock) ((B.Wilson-V.D. Parks) 5.I’m in Great Shape (B.Wilson-V.D. Parks) 6.Barnyard (B.Wilson-V.D. Parks) 7.My Only Sunshine (The Old Master Painter (H.Gillespie )  / You Are My Sunshine(B.Smith, J.Davis)) 8.Cabin Essence (B.Wilson-V.D. Parks)

9.Wonderful (B.Wilson-V.D. Parks) 10.Look (B.Wilson-V.D. Parks) 11.Child Is Father of the Man (B.Wilson-V.D. Parks) 12.Surf’s Up (B.Wilson-V.D. Parks)

13.I Wanna Be Around (B.Wilson-V.D. Parks)/ Workshop (B.Wilson) 14.Vega-Tables (B.Wilson-V.D. Parks) 15.Holidays (B.Wilson-V.D. Parks) 16.Wind Chimes (B.Wilson) 17.The Elements: Fire (Mrs. O’Leary’s Cow) (B.Wilson) 18.Love to Say Dada (B.Wilson-V.D. Parks) 19.Good Vibrations (B.Wilson -M.Love)

Producido por Brian Wilson

Editado en Octubre de 2011

Fue en torno a 2002/2003 cuando la esposa de Brian, Melinda, animó a su marido a que acabara su obra magna. Sabía que no podría hacerlo solo  y encargó a Darian Sahanaja, teclista de los Wondermints y compañero de banda e Brian en los últimos años, que le ayudara. Así, Sahanaja, buceó en los archivos de Capitol y llevó todos los fragmentos (feels) encontrados a casa de Brian para que procediera a ordenarlos… De esta forma, en 2004 se edita “Brian Wilson presents SMiLE“.

Uttilizando el patrón del disco en solitario de Brian, Mark Linett se puso manos a la obra con las grabaciones originales. Tenía gran parte del trabajo hecho puesto que  el proceso fue el mismo que el realizado para el disco en solitario de Brian. Él mismo declara, “sin el “SMiLE” de Brian esta edición no hubiera existido, simplemente porque “SMiLE” no existía”. En 2004 se trató de ordenar el material y luego grabarlo de nuevo con Brian y su banda, ahora se trataba de conseguir que el material del 67 luciera y sonara con la calidad que el material merecía.

PRIMER MOVIMIENTO

El disco y el primero de tres movimientos que lo componen se abre con “Our prayer” (enlace), tema que ya fue recuperado por los Beach Boys en “20/20“. La versión de Brian y los Wondermints es buena, pero nadie armoniza como los Beach Boys…, nadie. Maravillosa obertura coral…, maravillosa de verdad. La preciosa canción de apenas un minuto y 20 segundos se torna en la animada “Gee” (enlace), versión de un clásico americano, antes de llegar al tema principal de este primer movimiento: la descomunal “Heroes and Villains” (enlace) con sus indios, sus cowboys, sus cantinas y esa música extraordinaria elevada por armonías propias de extraterrestres… Sube, baja, las melodías se repiten con variaciones… Una joya… Cinco minutos de arte. La versión de los Beach Boys es abismal, maravillosa y, mucho mejor que la de Brian y sus Wondermints (que ya de por sí es fantástica).

Llegamos a “Do You Like Worms” (enlace), que en en el disco de Brian recibió el título de “Roll Plymouth Rock“. En esta ocasión no se incluyen las nuevas líneas de texto que Parks escribió para la versión de 2004 y queda un poco inacabada…, aún así es agradable esuchar el motivo principal de “Heroes and Villains” entremezclándose con su pausada y perezosa melodía. Muy disfrutable. A diferencia de la versión de 2004 en la que ahora llegaría “Barnyard”, nos encontramos con la bizarra pero fantástica “I‘m In Great Shape” (enlace). “Banyard” (enlace), quizás el tema menos afortunado del álbum a pesar de su sentido del humor y sus brillantes armonías que, una vez más, son superiores a las de la versión de 2004… Destacan los sonidos de los animales, hechos por los propios Beach Boys. Tras un hermoso interludio de chelo, Brian ataca brevemente otros dos clásicos americanos con Old Master Painter” y “You Are My Sunshine” (enlace), antes de llegar al tema final del primer movimento: la brillante “Cabin Essence” (enlace). Ya la conocíamos, puesto que fue rapiñada para “20/20“, pero cómo no disfrutar con esta maravilla.

SEGUNDO MOVIMIENTO

El segundo movimiento, para mí el más brillante, arranca con la espectacular “Wonderful” (enlace), mucho más luminosa que la utilizada por los Beach Boys en “Smiley smile“ y también sensiblemente mejor a la de Brian en 2004. La voz que gastaba el señor Wilson en 1967 no tiene parangón. Bellísima canción arreglada con un gusto al alcance de privilegiados. El siguiente tema, “Look (song for children)” (enlace), se tituló en el disco de Brian simplemente “Song for Children” (enlace) y, a diferencia de éste, aquí es un instrumental puesto que la parte vocal no llegó a ser grabada en 1967. Aún con todo es una maravilla que transmite enormes emociones apenas con una sucesión de acordes . Una de mis preferidas. “Child is the father of the man” (enlace), mantiene el motivo principal de la canción que la precede y, como pasa con la canción anterior, aquí es casi instrumental puesto que Brian no llegó a completar esta parte en el 67 y lo hizo en 2004.. Ya habíamos podido escuchar un poco de este tema en la parte final de “Surf’s Up!” de 1971. La armonías otra vez a nivel estratosférico…

Y en estas, llegamos a “Surf’s Up” (enlace), una canción de otro mundo que da fin al segundo movimiento. No hay palabras para describir tanta belleza. Simplemente hay que disfrutarla y permitir que la música te rodee. Esta es la mejor versión que se puede oir de una de las mejores canciones de todos los tiempos. Mucho mejor que la retocada por Carl en 1971 para el álbum homónimo y también superior a la grabada por Brian en solitario. Absolutamemte sobresaliente.

TERCER MOVIMIENTO

El conocido como movimiento de los elementos arranca con  “I Wanna Be Around” / “Workshop”, la primera es otra breve versión de un clásico americano y la segunda es música incidental con efectos de trabajo. La cómica “Vega-tables” (enlace) brilla con sus hermosas armonías y su compleja rítmica, y resulta mucho más billante y luminosa que  la versión editada en “Smiley Smile”. Fantástica. A “Holydays” (enlace) le ocurre lo mismo que a “Look (song for children)”, es decir, que si la comparamos con la versión en solitario de Brian (titulada “On a holiday” (enlace) ) resulta inacabada puesto que la parte vocal principañ no fue acabada. Aún así es brillante y la parte final puede hacerte levitar antes de llegra a la inconmensurable “Wind Chimes” (enlace) que conocíamos en versión beach boy aunque con un registro muy diferente. Esta versión es delicada y potente por momentos. Otra joya de gran calibre para el saco.

“The Elements: Fire (Mrs. O’Leary’s Cow)” (enlace), también conocida como “Fire” es aquella canción que, en 1967, provocó a Brian un ataque de pánico tras conocer que varios incendios tuvieron lugar en la ciudad de Los Ángeles la noche posterior a que estuviera trabajando sobre esta canción… Brian estaba convencido de que habían sido provocados por su música. Parte de esta canción fue utilizada en “Fall Breaks and Back to Winter” de “Smiley Smile”...”Love to Say Dada” (enlace) es la versión inacabada del “In Blue Hawaii” (enlace) del disco de Brian de 2004. Parte de la base de “Cool cool water” que fue editada en “Sunflower”, pero va mucho más allá antes de llegar al gran final: “Good Vibrations” (enlace). En esta ocasión, utilizan la versión con letra de Mike Love, a diferencia de lo hecho en la versión de 2004 (enlace), que usó la de Tony Asher. Una guinda perfecta para el más dulce de los pasteles.

Hasta aquí llegaría lo que hubiera sido el disco del 67 de haberse editado (o por lo menos, una versión muy aproximada). El resto del CD1 de la edición sencilla incluye caras B (“You’re Welcome“) y fragmentos de grabaciones varios. Lo más destacable de estos bonus tracks es la prodigiosa versión demo de “Surf’s up!” (enlace).

El segundo CD de la edición sencilla contiene el siguiente Tracklist:

  1. Our Prayer ‘Dialog’ (9/19/66)” – 3:02
  2. “Heroes and Villains: Part 1” – 3:08
  3. “Heroes and Villains: Part 2” – 4:18
  4. “Heroes and Villains: Children Were Raised (1/27/67)” – 2:07
  5. “Heroes and Villains: Prelude to Fade (2/15/67)” – 3:42
  6. “My Only Sunshine (11/14/66)” – 6:52
  7. “Cabin Essence (10/3/66)” – 5:19
  8. “Surf’s Up: 1st Movement (11/4/66)” – 4:55
  9. “Surf’s Up: Piano Demo (12/15/66)” – 3:53
  10. “Vega-Tables: Fade (4/12/67)” – 5:25
  11. “The Elements: Fire session (11/28/66)” – 8:27
  12. “Cool, Cool Water (Version 2) (10/26/67–10/29/67)” – 3:32
  13. “Good Vibrations Session Highlights” – 8:20
  14. “Psycodelic Sounds: Brian Falls into a Microphone (11/4/66)” (hidden track)

En la versión de 5 cd’s, el primero se mantiene y el resto incluyen el siguiente material:

Disco dos
“Our Prayer”
  1. “Our Prayer ‘Dialog’ (9/19/66)” – 3:01
  2. “Our Prayer (10/4/66)” – 6:37
“Heroes and Villains” session (10/20/66)
  1. “Heroes and Villains: Verse (Master Take)” – 0:57
  2. “Heroes and Villains: Barnyard (Master Take)” – 1:12
  3. “Heroes and Villains: I’m in Great Shape (10/27/66)” – 4:59
  4. “Heroes and Villains: Intro (Early Version) circa 12/66” – 0:35
“Heroes and Villains” session (1/3/67)
  1. “Heroes and Villains: Do a Lot” – 0:53
  2. “Heroes and Villains: Bag of Tricks” – 2:58
  3. “Heroes and Villains: Mission Pak” – 0:55
  4. “Heroes and Villains: Bridge to Indians” – 1:47
  5. “Heroes and Villains: Part 1 Tag” – 1:19
  6. “Heroes and Villains: Pickup to 3rd Verse” – 0:55
“Heroes and Villains” session (1/27/67)
  1. “Heroes and Villains: Children Were Raised” – 2:07
  2. “Heroes and Villains: Part 2 (Cantina track)” – 1:21
  3. “Heroes and Villains: Whistling Bridge” – 1:14
  4. “Heroes and Villains: Cantina” – 1:36
  5. “Heroes and Villains: All Day” – 2:19
  6. “Heroes and Villains: Verse Edit Experiment” – 0:48
“Heroes and Villains” session (2/15/67)
  1. “Heroes and Villains: Prelude to Fade” – 3:43
  2. “Heroes and Villains: Piano Theme” – 2:43
“Heroes and Villains” session (2/20/67)
  1. “Heroes and Villains: Part 2” – 2:31
  2. “Heroes and Villains: Part 2 (Gee) (Master Take)” – 2:36
  3. “Heroes and Villains: Part 2 Revised” – 1:54
  4. “Heroes and Villains: Part 2 Revised (Master Take)” – 0:48
  5. “Heroes and Villains: Part 3 (Animals) (Master Take)” – 1:18
  6. “Heroes and Villains: Part 4” – 2:36
  7. “Heroes and Villains: Part Two (Master Take) (2/27/67)” – 1:44
  8. “Heroes and Villains: Fade (2/28/67)” – 6:35
“Heroes and Villains” session (3/1/67)
  1. “Heroes and Villains: Verse Remake” – 4:16
  2. “Heroes and Villains: Organ Waltz / Intro” – 2:04
“Heroes and Villains” session (6/14/67)
  1. “Heroes and Villains: Chorus Vocals” – 0:48
  2. “Heroes and Villains: Barbershop” – 1:50
  3. “Heroes and Villains: Children Were Raised (Remake)” – 1:06
  4. “Heroes and Villains: Children Were Raised (Master Take Overdubs Mix 1)” – 0:26
  5. “Heroes and Villains: Children Were Raised (Master Take A Capella)” – 0:27
Bonus tracks
  1. “Heroes and Villains Piano Demo (incorporating ‘I’m in Great Shape’ and ‘Barnyard’) Brian with Van Dyke Parks and ‘Humble Harve’ Miller, KHJ Radio (11/4/66)” – 4:17
  2. “Psycodelic Sounds: Brian Falls into a Microphone (11/4/66)” – 1:10
  3. “Psycodelic Sounds: Moaning Laughing (11/4/66)” – 1:09
Disco tres
“Do You Like Worms” session (10/18/66)
  1. “Do You Like Worms: Part 1” – 5:21
  2. “Do You Like Worms: Part 2 (Bicycle Rider)” – 1:55
  3. “Do You Like Worms: Part 3” – 2:43
  4. “Do You Like Worms: Part 4 (Bicycle Rider)” – 1:10
  5. “Do You Like Worms: Bicycle Rider Overdubs (Heroes and Villains Part 2) (1/5/67)” – 0:22
“The Old Master Painter / You Are My Sunshine”
  1. “My Only Sunshine: Parts 1 & 2 (11/14/66)” – 6:51
  2. “My Only Sunshine: Part 2 (Master Take With Vocal Overdubs) (2/10/67)” – 0:45
“Cabin Essence” session (10/3/66)
  1. “Cabin Essence: Verse” – 2:14
  2. “Cabin Essence: Chorus” – 2:28
  3. “Cabin Essence: Tag” – 2:31
“Wonderful”
  1. “Wonderful (Version 1) (8/25/66)” – 2:59
“Wonderful” (Version 2 “Rock With Me, Henry”) session (1/9/67)
  1. “Wonderful (Version 2)” – 3:25
  2. “Wonderful (Version 2 Tag)” – 2:54
  3. “Wonderful (Version 3) (4/10/67?)” – 2:41
“Look” (“Song for Children”)
  1. “Look (8/12/66)” – 4:52
“Child is Father of the Man”
  1. “Child is Father of the Man (Version 1) (10/7/66)” – 4:57
  2. “Child is Father of the Man (Version 2) (10/11/66)” – 5:38
“Surf’s Up”
  1. “Surf’s Up: 1st Movement (11/4/66)” – 4:54
  2. “Surf’s Up: Talking Horns (11/7/66)” – 3:42
  3. “Surf’s Up: Piano Demo (Master Take) (12/15/66)” – 3:52
“I Wanna Be Around / Workshop (Friday Night)”
  1. “I Wanna Be Around (11/29/66)” – 3:08
“Vegetables” sessions (4/4/67–4/11/67)
  1. “Vegetables: Verse (Master Take Track) (4/4/67–4/11/67)” – 2:02
  2. “Vegetables: Sleep a Lot (Chorus)” – 2:34
  3. “Vegetables: Chorus 1 (Master Take)” – 1:05
  4. “Vegetables: 2nd Chorus (Master Take Track and Backing Vocals)” – 1:03
  5. “Vegetables: Insert (Part 4) (Master Take)” – 0:37
  6. “Vegetables: Crunching Session” (hidden track) – 1:02
  7. “Workshop Session” (hidden track) – 1:40
Disco cuatro
“Vegetables” sessions (continued)
  1. “Vegetables: Fade (4/12/67)” – 5:25
  2. “Vegetables: Ballad Insert (4/14/67)” – 1:03
“Holidays”
  1. “Holidays (9/8/66)” – 7:32
“Wind Chimes”
  1. “Wind Chimes (Version 1) (8/3/66)” – 6:46
“Wind Chimes” (Version 2) session (10/5/66)
  1. “Wind Chimes (Version 2)” – 5:00
  2. “Wind Chimes (Version 2 Tag)” – 2:51
“The Elements: Fire (Mrs. O’Leary’s Cow)”
  1. “The Elements (Fire) (11/28/66)” – 8:27
“Da Da” session (12/22/66)
  1. “Da Da (Taped Piano Strings)” – 1:00
  2. “Da Da (Fender Rhodes)” – 1:21
“Love to Say Dada” sessions (5/16/67–5/18/67)
  1. “Love to Say Dada: Part 1 (5/16/67)” – 1:22
  2. “Love to Say Dada: Part 2 (5/17/67)” – 1:57
  3. “Love to Say Dada: Part 2 (Master Take) (5/17/67)” – 1:21
  4. “Love to Say Dada: Part 2 (Second Day) (5/18/67)” – 2:00
“Cool, Cool Water”
  1. “Cool, Cool Water (Version 1) (6/7/67)” – 2:21
  2. “Cool, Cool Water (Version 2) (10/26/67 & 10/29/67)” – 3:31
SMiLE additional sessions
  1. “You’re Welcome (12/15/66)” – 6:41
  2. “You’re With Me Tonight (6/6/67–6/7/67)” – 2:46
  3. “Tune X (3/3/67–3/31/67)” – 2:18
  4. “I Don’t Know (1/12/67)” – 3:03
  5. “Three Blind Mice (10/15/65)” – 2:11
  6. “Teeter Totter Love (Jasper Dailey) (1/25/67 & 2/9/67)” – 1:49
Bonus tracks
  1. “Psycodelic Sounds – Underwater Chant (11/4/66)” – 1:45
  2. “Hal Blaine Vega-Tables Promo Session (11/16/66)” – 1:28
  3. “Heroes and Villains: Early Version Outtake Sections (1/67–2/67)” – 5:04
  4. “The Elements: Fire (Mrs. O’Leary’s Cow) (Burning Wood Session)” (hidden track) – 0:45
Disco cinco
“Good Vibrations” sessions
  1. “Good Vibrations: Gold Star 2/18/66 (The Pet Sounds Session)” – 7:27
  2. “Good Vibrations: Gold Star 4/9/66” – 6:57
  3. “Good Vibrations: Western 5/4/66 (First Chorus)” – 2:24
  4. “Good Vibrations: Western 5/4/66 (Second Chorus & Fade)” – 3:28
  5. “Good Vibrations: Sunset Sound 5/24/66 (Part 1)” – 1:20
  6. “Good Vibrations: Sunset Sound 5/24/66 (Parts 2 & 3)” – 1:45
  7. “Good Vibrations: Sunset Sound 5/24/66 (Part 4)” – 0:47
  8. “Good Vibrations: Western 5/27/66 (Part C)” – 3:32
  9. “Good Vibrations: Western 5/27/66 (Chorus)” – 3:04
  10. “Good Vibrations: Western 5/27/66 (Fade Sequence)” – 1:56
  11. “Good Vibrations (Inspiration): Western 6/2/66 (Part 1)” – 2:44
  12. “Good Vibrations (Inspiration): Western 6/2/66 (Part 3)” – 0:57
  13. “Good Vibrations (Inspiration): Western 6/2/66 (Part 4)” – 0:49
  14. “Good Vibrations: Western 6/16/66 (Part 1)” – 6:24
  15. “Good Vibrations: Western 6/16/66 (Part 2 & Verse)” – 1:06
  16. “Good Vibrations: Western 6/16/66 (Part 2 Continued)” – 5:55
  17. “Good Vibrations: Western 6/18/66 (Part 1)” – 1:10
  18. “Good Vibrations: Western 6/18/66 (Part 2)” – 5:03
  19. “Good Vibrations (Persuasion): Western 9/1/66” – 1:49
  20. “Good Vibrations: Western 9/1/66 (New Bridge)” – 3:39
  21. “Good Vibrations: Session Masters” – 6:13
  22. “Good Vibrations: Single Version Stereo Track” – 3:49
  23. “Good Good Good Vibrations (First Version With Overdubs) 3/66” – 3:41
  24. “Good Vibrations: Alternate Edit 8/24/66” – 3:32
  25. “Good Vibrations: Tape Rewind” (hidden track) – 0:27

La crítica recibió el disco con alborozo alcanzando las máximas calificaciones en todas las publicaciones musicales especializadas.  Y ahora toca hacerse “la pregunta del millón”: ¿Es “SMiLE” Mejor que “Sgt. Pepper’s”?. ¿hubieran vencido los Beach Boys a los Beatles de haberse editado este  disco en 1967?, la respuesta a ambas preguntas es: NO… Pero eso no significa que no sea un disco maravilloso y que, probablemente, hubiera conmocionado la industria de haberse editado en su momento. Posiblemente la historia del grupo hubiera sido distinta y la crítica les hubiera juzgado de forma muy distinta. Siempre he pensado que hubiera obligado a los Beatles a dar un paso más. Los de Liverpool repitieron fórmula con “Magical Mistery Tour” y luego volvieron  a sus raíces con el “Álbum Blanco”… ¿hasta dónde habrían llegado?, nunca lo sabremos.

El caso es que el disco es maravilloso, sin duda su mejor obra junto a “Pet Sounds”

VALORACIÓN: 9,5 / 10

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THE BEACH BOYS. “STAR AND STRIPES Vol.1” (1996). ( 0 / 10 )

Abandonan el proyecto, vuelven a las giras, colaboran en una versión de “Fun fun fun” con Status Quo y, en agosto de 1996, editan “Stars And Stripes Volume 1”.

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Una nueva tonelada de mierda sobre la leyenda. Una nadería en la que el grupo hace coros a estrellas del country que destrozan las canciones de Brian que, para más inri, produce el disco. Infumable. Lo más duro es saber que fue el último disco en el que participó Carl Wilson que moriría dos años después, en 1998.

VALORACIÓN GUILLETEK: 0 / 10.

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THE BEACH BOYS. “Summer in paradise” (1992). ( 1 / 10 )

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En 1992 se edita una bazofia como “Summer in paradise”, el primer disco del grupo sin Brian que, por respeto a la memoria del grupo, eludiré comentar. Una porquería liderada por Mike Love de la que apenas se puede salvar (y con mucha condescendencia) la canción homónima.

 

VALORACIÓN GUILLETEK: 1 / 10.

 

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THE BEACH BOYS. Capítulo 22 (1999-2004). Quien ríe el último… “BRIAN WILSON PRESENTS SMILE”

Tras abandonar las giras en 1965, y con las excepciones de los distintos  y siempre forzados “Brian Backs”, 1999 es la fecha en que Brian Wilson anuncia su primera gira en solitario. Para ello recuperara a un viejo colaborador de la banda, Jeff Foskett, y a una banda de culto angelina, los Wondermints.

La gira tuvo un éxito relativo y el comportamiento de Brian ante la masa fue errático en más de una ocasión. No obstante, sirvió para que recuperara cierta popularidad  que se vio aún más aumentada en 2000 con la inclusión de Brian en el Hall of Fame. Paul McCartney sería el encargado de presentar al homenajeado…, ese inglés que  le venció en los 60, ese inglés que consiguió llegar a esa meta cuyo rumbo él había perdido hace tiempo, ese inglés que le derrotó…ese inglés que amaba la música de Brian como un fan, ese ingles que dijo: “Particularmente en los sesenta, él escribió música que, sólo con oírla, me hace llorar… y no sé por qué. No sé si es la letra o la música… Hay algo más profundo. Hay que ser un genio para conseguir esto…Creo que Brian es uno de esos genios”.


Paul reconocería dos años después, en 2002, tras interpretar “God Only knows” en directo con Brian en un concierto benéfico, “durante el ensayo, me perdí varias veces… estaba histérico…, tuve que sentarme y pensar, ‘Dios, estoy cantando con Brian’…al final fue bien, pero acabé llorando de la emoción

2000 también fue el año en el que se estrenó ‘The Beach Boys – An American Family’ (enlace), una miniserie de dos episodios sobre la historia del grupo desde 1961 hasta mediados de los 70. La serie utiliza grabaciones originales y está fantásticamente ambientada, pero la versión de la historia es muy parcial y favorable a Mike Love que aparece como un experto surfista y como una gran fuerza creativa… La serie esta dirigida y producida por el actor y músico John Stamos, gran amigo de Mike. Con todo, la serie merece un visionado y es muy entretenida, el único problema es que, como dijo Brian, “simplemente , no ocurrió así”.

El repunte de popularidad se aumenta con la reedición por parte de Capitol de los álbumes de la banda en formato de dos en uno que faltaban. es decir, “Sunflower/Surf’s Up”, “Carl & The Passions/Holland”, “15 Big Ones/The Beach Boys Love You”, “M.I.U. Album/L.A. (Light Album)” y “Keepin’ The Summer Alive/The Beach Boys”; y se completa con la edición de “Brian Wilson Live At The Roxy Theatre” en Julio.

El disco tuvo varias reediciones (hasta tres) desde julio de 2000 hasta junio de 2001 y se trata de un más que correcto álbum en vivo que refleja el buen hacer de la banda de Brian en el escenario y la gran respuesta del público ante el renacer del desdichado genio (enlace).

Un disco muy recomendable en el que, como curiosidad, Brian interpreta una versión del tema “Brian Wilson” (enlace) de Barenaked Ladies (enlace)….

“Lying in bed, like Brian Wilson did…”

Poco a poco los homenajes a Brian se van sucediendo. El genio loco, tanto tiempo olvidado, empieza a recibir su reconocimiento. En marzo de 2001 se celebra n el Radio City Music Hall de Nueva York un concierto tributo con la participación de luminarias del negocio como Billy Joel, un brutal Paul Simon, Elton John, David Crosby, Joni Mitchell o Jimmy Webb.

Todo esto debió dar fuerza y confianza a Brian. Hasta tal punto que, en mayo de 2003, suelta la bomba: “he terminado SMiLE y voy a tocarlo en directo”. ¡¡¡¿¿QUÉ??!!, ¿el disco maldito?, ¿¡en directo!?, ¿se ha vuelto más loco aún? … El caso es que la gira  para Febrero/Marzo de 2004 y comenzará en el Reino Unido, ¿su nombre?, ‘Brian Wilson presenta Smile’

Aprovechando el tirón de la noticia, Capitol publica “Sounds Of Summer – The Very Best Of The Beach Boys”. un recopilatorio de 30 canciones que alcanza un puesto 16 en listas. El primer álbum en llegar al Top-20 desde “15 Big Ones”

Posiblemente sea la compilación más completa de la banda con treinta canciones que estuvieron en su momento en el Top-40. Con todo, sobran algunos temas como “Getcha Back”, “Rock and Roll Music” y se echan de menos temas de Dennis y Carl

Y pasaron los días, y los meses, y el año…y llegó el 20 de febrero de 2004. El Royal Festival Hall de Londres iba a estrenar EN DIRECTO el disco maldito, el álbum que terminó de desquiciar a una de las mentes más brillantes de la música moderna… Una mente que, aún convalenciente, volvía para enfrentarse a sus demonios 37 años después…”SMiLE”…

(enlace a concierto completo)

A-B-S-O-L-U-T-A-M-E-N-T-E  B-R-I-L-L-A-N-T-E

Las críticas son uniformemente sobresalientes. La música es maravillosa, la interpretación insuperable y la osadía de aquel hombrecillo medio loco de 62 años… enternecedora. Si véis el video que os he enlazado -algo obligatorio- veréis a  Brian sonreir más veces en 52 que en todo el material videográfico entre 1970 y 2003. Al parecer fue la esposa de Brian, Melinda, la que le animó a acabar su obra magna y encargó a Darian Sahanaja (teclista de los Wondermints) que le ayudara.

Así, Sahanaja, buceó en los archivos y llevó todos los fragmentos (feels) encontrados a casa de Brian para que procediera a ordenarlos… Tras varios años, desde la grabación de Orange Crate Art,  Brian llamó a su amigo y letrista Van Dyke Parks… había que acabar las letras…, Van Dyke acudió en 24 horas y pemaneció en casa de Brian cinco días hasta que terminó los textos. Previamente, Brian, Darian Sahanaja y el ingeniero Mark Linett, había pasado horas y horas movimendo fragmentos de las grabaciones 1966/67 con el Pro Tools de aquí para allá…, intentando recomponer el puzzle que una vez estuvo en la cabeza de Brian… “De repente a Brian se le iluminaban los ojos y decía, ¡¡eso es!!, y así fuimos trabajando… luego cada uno aprendía su parte” recuerda Sahanaja. Pero fue con la llegada de Parks cuando el proyecto comenzó a brillar. “Empezaron a terminar fragmentos inacabados de texto y a darle conexión a todo”.

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La revista “Q” consideró el concierto de estreno de SMiLE como “uno de los mejores cinco conciertos de la historia del rock. La segunda noche, el publico se mantuvo durante minutos en  pie durante una cerrada ovación… la más larga que se recuerda”.

Mientras los conciertos de ‘Brian Wilson presenta Smile’ se fueron sucediendo, Brian hacía esporádicas visitas al estudio para dar forma al que sería su próximo disco de nuevo material y que debería editarse en el verano de este 2004.

“GETTIN’ IN OVER MY HEAD”

Junio de 2004


“How Could We Still Be Dancin’?” (B.Wilson, J.Thomas), con Elton John
“Soul Searchin'” (B.Wilson, A.Paley) con Carl Wilson.
“You’ve Touched Me” (B.Wilson, S.Kalinich)
“Gettin’ in Over My Head” (B.Wilson, A.Paley)
“City Blues” (B.Wilson, S.Bennett) con Eric Clapton
“Desert Drive” (B.Wilson, A.Paley)
“A Friend Like You” (B.Wilson, S.Kalinich) con Paul McCartney
“Make a Wish” (B.Wilson)
“Rainbow Eyes” (B.Wilson)
“Saturday Morning In The City” (B.Wilson, A.Paley)
“Fairy Tale” (B.Wilson, D.Foster)
“Don’t Let Her Know She’s an Angel” (B.Wilson)
“The Waltz” (B.Wilson, V.D. Parks)

En realidad estamos ante una especie de recopilatorio de rarezas no editadas. De hecho de las 13 canciones del disco, cuatro (“Gettin’ in Over My Head”, “Make a Wish”, “Saturday Morning In The City” y “Don’t Let Her Know She’s an Angel”) son regrabaciones y reescrituras de temas que pertenecen al frustrado “Sweet Insanity” que la discográfica rechazó en 1991 por su baja calidad y las denunciables letras del Dr.Landy contra la familia Wilson. Otras dos (“Soul Searchin'” y “Desert Drive” ) pertenecen a las sesiones con Andy Paley de 1995/96… y hasta encontramos “The Waltz” , una antigua colaboración con el inefable Van Dyke Parks y “City Blues” que Brian compuso en los 70. A esto Brian añade seis nuevas canciones y la colaboración de estrellas amigas como Paul McCartney, Elton John o Eric Clapton.

El resultado es muy irregular, sonidos dispares, muchos de ellos muy fuera de onda y composiciones de desigual nivel. El caso es que empieza bien, con la vibrante “How Could We Still Be Dancin’?” (enlace) y Elton John realizando un gran trabajo vocal junto a Brian, y continua mejor con la excelsa “Soul Searchin’ ” con el añorado Carl a  la voz principal en un grabación de 1996. Con “You’ve touched me” (enlace) nos regala una de esas cancioncillas inofensivas irrepochables en lo melódico pero fácilmente olvidables.

Mucho mejor es la estupenda “Gettin’ over my head” (enlace), atmosférica canción de hipnótica melodía que me hubiera encantado oir grabada por los Beach Boys al completo…, y hasta aquí… “City Blues“, con Eric Clapton, naufraga y desmerece de las maquetas caseras de Brian (enlace), casí me quedo con la versión del tema que hizo el guitarrista de Bon Jovi, Richie Sambora. “Desert Drive” (enlace) parece una reescritura de “409” y resulta embarazosa para un señor de 62 años.

A friend like you” (enlace) supone un nuevo destello. Es una carta abierta de amor fraterno de Brian hacia su amigo Paul McCartney, quien interviene en la canción. No es ninguna maravilla en lo musical pero resulta muy tierna y tiene buenos momentos, sobre todo hacia el final. “Make a wish” es otra canción proveniente de “Sweet insanity” (enlace), como “Rainbow eyes“, y  mantienen el tipo aunque son olvidables. “Saturday Morning In The City” hubiera encajado en “SMiLE” como “feel” y con una duración de 20 segundo, pero como canción resulta ridícula. “Fairy Tale” (enlace) tampoco mejora mucho (algo sí) las cosas, algo parecido a lo que ocurre con “Don’t Let Her Know She’s an Angel“, otro de los temas provenientes de “Sweet Insanity”. El disco termina con la extraña y destacable “The Waltz” (enlace) co-escrita con Van Dyke Parks

Las críticas fueron bastante favorables pero el público le dio la espalda: alcanza el número 100 en Norteamérica y el 53 en el Reino Unido. Desaparace de ambas listas después de una semana. En esta ocasión estoy más con el público que con la crítica. Olvidable.

…y mientras la gira de “SMiLE” sigue su curso…Pero “SMiLE” no podía haberse quedado solo para unos pocos, no otra vez, no podía quedarse para aquellos que lo pudieron disfrutar en directo. Sería una injusticia imperdonable… En septiembre de 2004, Brian y sus Wondermints editan el descomunal disco: “BRIAN WILSON PRESENTS SMILE”.

“BRIAN WILSON PRESENTS SMILE”

Editado el 28 de septiembre de 2004

“Our Prayer” (B.Wilson) / “Gee” (W.Davis, M.Levy)
“Heroes and Villains” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Roll Plymouth Rock” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Barnyard” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Old Master Painter” (H.Gillespie ) / “You Are My Sunshine” (B.Smith, J.Davis)
“Cabin Essence” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Wonderful” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Song for Children” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Child Is Father of the Man” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Surf’s Up” (B.Wilson-V.D. Parks)
“I’m in Great Shape” (B.Wilson-V.D. Parks) / “I Wanna Be Around” (J. Mercer, S.Vimmerstedt ) / Workshop (B.Wilson)
“Vega-Tables” (B.Wilson-V.D. Parks)
“On a Holiday” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Wind Chimes” (B.Wilson)
“Mrs. O’Leary’s Cow” (B.Wilson)
“In Blue Hawaii” (B.Wilson-V.D. Parks)
“Good Vibrations” (B.Wilson-T.Asher-M.Love)

El disco comenzó a grabarse en Junio de 2004 en los Studios Sunset Sound de Los Ángeles. Se utilizaron las antiguas consolas de grabación y los equipos originales de válvulas de la época para regrabar todas las pistas del 67. “Se grabó con todos los músicos tocando…, como antes”, recuerda el ingemiero Mark Linett.

El disco, como era su planteamiento original, está dividido en tres grandes movimientos.

PRIMER MOVIMIENTO

El disco y el primero de los citados movimientos se abre con “Our prayer” (enlace), cuya versión original ya fue recuperada por los Beach Boys en “20/20“. La versión de Brian y los Wondermints es prácticamente igual a la original. Maravillosa obertura coral…, maravillosa de verdad. La preciosa canción de apenas un minuto y 20 segundos se torna en la animada “Gee” (enlace), versión de un clásico americano, antes de llegar al tema principal de este primer movimiento: la descomunal “Heroes and Villains” (enlace) con sus indios, sus cowboys, sus cantinas y esa música extraordinaria elevada por armonías propias de extraterrestres… Sube, baja, las melodías se repiten con variaciones… Una joya… Cinco minutos de arte

Llegamos a “Roll Plymouth Rock” (enlace)  que en las ediciones piratas y en los trabajos de los historiadores de la banda siempre se había titulado “Do You Like Worms?“. El motivo principal de Heroes and Villains se entremezcla con su pausada y perezosa melodía antes de dar paso a “Banyard” (enlace) quizás el tema menos afortunado del álbum a pesar de su sentido del humor y sus brillantes armonías… Tras un hermoso interludio de chelo, Brian ataca brevemente otros dos clásicos americanos con Old Master Painter” y “You Are My Sunshine” (enlace), antes de llegar al tema final del primer movimento: la brillante “Cabin Essence” (enlace). Ya la conocíamos en versión Beach Boy puesto que fue rapiñada para “20/20“, pero cómo no disfrutar con esta maravilla.

SEGUNDO MOVIMIENTO

El segundo movimiento, para mí el más brillante, arranca con la espectacular “Wonderful” (enlace), mucho más luminosa que la utilizada por los Beach Boys en “Smiley smile“. Bellísima canción arreglada con un gusto al alcance de privilegiados. “Song for Children” (enlace) es una maravilla… No puedo esucharla sin que se me ponga la carne de gallina… Inocente y compleja a la vez, transmite más en poco más de dos minutos que muchos artistas en toda su carrera. Una de mis preferidas. “Child is the father of the man” (enlace), mantiene el motivo principal de la canción que la precede. Ya habíamos podido escuchar algo de este tema en la parte final de “Surf’s Up!” de 1971. La coda instrumental final es alucinante.

Y en estas, llegamos a “Surf’s Up” (enlace), una canción de otro mundo que da fin al segundo movimiento. No hay palabras para describir tanta belleza. Simplemente hay que disfrutarla y permitir que la música te rodee. Brian tuvo que ser ayudado en las notas más altas por Jeff Foskett, poseedor de un maravillso falsetto.

TERCER MOVIMIENTO

El comnocido como movimiento de los elementos arranca con  “I‘m In Great Shape” / “I Wanna Be Around” / “Workshop” (enlace). La primera parte de este trío de canciones es una brillante, brevísima y bizarra composición de Brian que da paso a otro clásico americano engrandecido por la preciosa voz de Taylor Mills en los coros y acaba con la ambiental “Workshop”. La cómica “Vega-tables” (enlace) brilla con sus hermosas armonías y su compleja rítmica aunque varía poco respecto a la versión editada en “Smiley Smile”. “On a holiday” (enlace) arranca juguetona y mezcla fragmentos de “Song for Children”, “Roll Plymouth Rock” con otros nuevos… La parte final puede hacerte levitar y sirve de preludio a la inconmensurable “Wind Chimes” (enlace) que conocíamos en versión beach boy aunque con un registro muy diferente. Esta versión es delicada y potente por momentos. Otra joya para el saco.

“Mrs. O’Leary’s Cow” (enlace), también conocida como “Fire” es aquella canción que, en 1967, provocó a Brian un ataque de pánico tras conocer que varios incendios tuvieron lugar en la ciudad de Los Ángeles la noche posterior a que estuviera trabajando sobre esta canción… Brian estaba convencido de que habían sido provocados por su música. Parte de esta canción fue utilizada en “Fall Breaks and Back to Winter” de “Smiley Smile”. Aquí luce a gran nivel y, de hecho, recibió un Grammy a la mejor interpretación instrumental. “In Blue Hawaii” (enlace) parte de la base de “Cool cool water” que fue editada en “Sunflower”, pero va mucho más allá antes de llegar al gran final: “Good Vibrations” (enlace). Brian recupera la letra de Tony Asher y la parte final de las primeras versiones, aunque mantiene el “I’m picking up good vibrations” de Mike que apareció en la version final de la canción.

Y así concluye el disco inédito más famoso de todos los tiempos, o mejor dicho, la versión del que fue su creador… y es muy bueno. ¿Mejor que “Sgt. Pepper”?. ¿hubieran vencido los Beach Boys a los Beatles?, la respuesta a ambas preguntas en no… Pero eso no significa que no sea un disco maravilloso y que, probablemente, hubiera conmocionado la industria de haberse editado en su momento. Posiblemente la historia del grupo hubiera sido distinta y la historia les hubiera juzgado de forma muy distinta… En fin, todo son hipótesis y sólo hay una realidad, “Brian Wilson presents SMiLE” es un disco maravilloso.

La crítica se deshizo en elogios y el disco recibió cinco estrellas en la mayoría de reviews. Fue nombrado disco del año y recibió varias nominaciones a los Grammy.

Brian había vencido a sus demonios, pero entonces llegó Mike y, en noviembre de 2005, demandó a Brian, acusándolo de promocionar el álbum “apropiándose indebidamente, y de forma descarada, de sus canciones, la imagen, y la marca comercial de The Beach Boys, así como del propio álbum SMiLE” y solicitaba “millones de dólares por los beneficios ilícitos obtenidos”. El juicio duró dos años y, en 2007, la demanda fue desestimada obligando a Mike a pagar las costas del proceso. Al fin, Brian gana la partida

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn. 17 de septiembre de 2012

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THE BEACH BOYS. Capítulo 21 (1991-1998). “Summer in Paradise”, “I Just Wasn’t Made For These Times”, “Stars And Stripes Volume 1”, “Imagination”

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1991 y 1992 fueron años tranquilos. En 1992 se edita una bazofia como “Summer in paradise”, el primer disco del grupo sin Brian que, por respeto a la memoria del grupo, eludiré comentar. Una porquería liderada por Mike Love de la que apenas se puede salvar (y con mucha condescendencia) la canción homónima.

Fue en 1993 cuando las cosas empezaron a mejorar para Brian (que empezó una relación con Melinda Ledbetter que apenas dos años después le volvería a llevar al altar) y para el grupo en general que, con la edición de la lujosa caja recopilatoria de cinco CD’s “Good Vibrations” vuelve de nuevo al candelero y por la puerta grande. La caja es una joya, con más de media hora de las sesiones de SMiLE, montones de inéditos, y todos los éxitos del grupo. Imprescindible.

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Pero cuando todo parecía ir arreglándose, 1994 contempla como Mike Love demanda a Brian solicitando ser reconocido como letrista de 35 canciones del grupo entre 1962 y 1966, a saber, “409”, “All Summer Long”, “Amusement Park USA”, “Be true to your school”, “California girls”, “Cath a wave”, “Chug a lug”, “Custom machine”, “Dance dance dance”, “Do you remember”, “Don’t back down”, “Don’t hurt my Little sister”, “Drive in”, “Farmer’s daughter”, “Finders Keepers”, “Good to my baby”, “Hawaii”, “Help Me Rhonda”, “I get a round”, “I know there’s an answer”, “In the back of my mind”, “Kiss me baby”, “Let him run wild”, “Little Saint Nicky”, “Merry Christmas baby”, “Salt lake city”, “Santa’s beard”, “She knows me too well”, “The girl from New York City”, “The man with all the toys”, “The Noble surfer”, “Wendy”, “When I grow up to be a man”, “Wouldn’t it be nice” y “You’re so good to me”. Fue un juicio surrealista en el que Brian solía quedarse dormido en el estrado cuando no entraba en colapso nervioso al oir el nombre de Murry Wilson… En un momento, los abogados de Mike trataron de llegar a un acuerdo extrajudicial de 750.000 dólares, pero los letrados de Brian prefirieron someterse al jurado. Los argumentos de los demandantes eran endebles. Especialmente ilustrativo fue el caso de “Wouldn’t it be nice” para cuya defensa los abogados de Brian llamaron a Tony Asher, letrista de Pet Sounds:

-Yo escribí esa canción con Brian…, Mike no aportó nada…, de hecho, estaba en Japón de gira.
-¿Estuvo con el señor Wilson todo el tiempo?
-Sí.
-¿Quiere decir que ni siquiera se separaron para ir al baño?
-No…, claro, supongo que Brian fue al baño una o dos veces…– contestó asombrado Asher.
-Entonces, ¿cómo puede asegurar que en lugar de ir al baño el señor Wilson no estuviera hablando por teléfono con el señor Love desde Japón y que éste le sugiriera alguna parte de la letra?

Sin palabras… El juicio iba bien para los intereses de Brian, hasta que lo llamaron a declarar… Como dirían los abogados de Mike, ”Brian ha ganado el juicio para nosotros”. Wilson estaba claramente nervioso…

-¿Ayudó su primo en la composición de las canciones objeto de la demanda?
-Esto…, fue hace tanto tiempo…
-¿Ayudó?
-Bueno…, es posible…, no me acuerdo

El jurado falló a favor de Mike. Brian tuvo que indeminzar a su primo con cinco millones de dólares y las canciones empezaron a editarse bajo el famoso Wilson-Love que conocemos hoy en día…

Apenas unos meses después, ya en 1995, Brian y Melinda se casaron al compás de “God Only Knows” cantado por Carnie, hija de Brian. Mike estaba entre los invitados…

1995 iba a contemplar un renacer de la imagen de los Beach Boys y de Brian en particular. Liberado por fin de Landy, Brian quiere volver a la música y, en un intento de tomar fuerza, decide revisitar sus grandes clásicos antes de volver a mirar hacia el futuro. Así surge su segundo disco en solitario, “I Just Wasn’t Made For These Times”. El proyecto se completaría por un elegante documental dirigido por el músico y productor Don Was.

”I JUST WASN’T MADE FOR THESE TIMES”
Editado en USA en agosto de 1995

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1. Meant for you (B.Wilson-M.Love)
2. This Whole World (B.Wilson)
3. Caroline No (B.Wilson-T.Asher)
4.Let the wind blow (B.Wilson-M.Love)
5. Love and Mercy (B.Wilson)
6. Do it again (B.Wilson-M.Love)
7. The Warmth of the sun (B.Wilson-M.Love)
8. Wonderful (B.Wilson-V.D.Parks)
9. Still I dream of it (B.Wilson)
10. Melt Away (B.Wilson)
11.Till I die (B.Wilson)

El disco es una joyita, y eso que no hay nada nuevo. Sólo la recuperación de la hasta entonces inédita, “Still I Dream of it” satisfaría la sed de los que buscaran novedades del tío Brian. Todo respira elegancia, desde la selección de los temas (huyendo de hits) a la cuidadísima interpretación y producción de las canciones. El álbum, como ya hiciera el fantástico “Friends” casi tres décadas antes, abre con la intimista “Meant for You” (enlace) en una versión casi idéntica a la original. El reto que asume Brian al interpretar todas las voces de “This Whole World” es titánico y, aunque sale airoso del mismo, el resultado final es lejano al original de 1970…, en cualquier caso…¡qué canción!

Con “Caroline No” evocamos “Pet Sounds”, más que correcta versión, como ocurre con la descarnada “Let the wind blow” de 1967.

Sorprende que Brian reinterprete una canción de su anterior disco en solitario, pero cuando escuchas este nuevo ”Love and Mercy” (enlace) entiendes la razón. A años luz del original y despojado de todos los artificios ochenteros de la versión de 1988. Una maravilla.

Uno de los momentos álgidos del documental es el fragmento en el que Brian interpreta con sus hijas una vibrante versión del ”Do it again” (enlace) de 1969. Fantástica. La tierna balada adolescente “The warmth of the sun” (enlace), no conecta bien con la nueva y madura tesitura de Brian y se echa mucho de menos su juvenil timbre de voz. Con “Wonderful”, Brian ataca sus monstruos interpretando de forma, eso sí, algo temorosa uno de los temas capitales de SMiLE.

El mejor momento del disco llega, en mi opinión, con la recuperación de la versión casera de 1976 de la hasta entonces inédita “Still I dream of it” (enlace). Una maravilla oculta. Una descarnada balada a lo “easy listening” que aún hoy no entiendo cómo no llegó a figurar oficialmente en ningún álbum del grupo entre 1976 y 1985…, especialmente cuando en ninguno de estos trabajos hay ninguna canción que la supere.

El disco se cierra con una estupenda versión de su tema en solitario “Melt away” (enlace), menos recargada y más auténtica que la original de 1988. Absolutamente maravillosa. Para acabar, ataca una ligeramente descafeinada reinterpretación de la fantástica “Till I die” de 1971.

“I Just Wasn’t Made For These Times” fue estrenado como documental en enero de 1995 y la banda sonora se editó en agosto, alcanzando el número 50 en listas británicas, pero sin ninguna repercusión en Estados Unidos.

La vuelta de Brian al candelero de la industria se completó con la edición, en octubre de este mismo 1995, del trabajo de Van Dyke Parks “Orange Crate Art” en el que Wilson pone las voces a las bucólicas (y muy interesantes) composiciones de su viejo amigo.

ImagenEl que fuera letrista de “SMiLE” compone y produce todas las canciones del álbum y Brian pone la voz. Es sin duda el trabajo de mayor calidad vocal de Brian en solitario. A medio camino entre la vanguardia y el clasicismo, el disco obtuvo elogiosas críticas aunque tampoco tuvo éxito comercial. La aportación de Brian a nivel vocal es tremenda, grabando hasta cinco líneas de voz para cada canción exhibiendo registros desde un do grave a un mi alto (más de tres octavas).”Es el cantante más atlético que conozco…, apenas usó dos horas para cada canción y aún le daba tiempo a comerse una ensalada de pollo”, declaró Parks. Es un disco en el que desctacan canciones como “Orange Crate Art” (enlace), de meritoria composición y bellísima factura vocal (armonías de otro mundo), pero que se pierde en la indefinición mezclando demasiados estilos y quedándose en medio de todos. Interesante en cualquier caso aunque sólo sea por incluir las mejores interpretaciones vocales de Brian desde “Sunflower“.

Pero Brian no era “sólo” un cantante, no podía evitar crear, lo suyo era componer. Tan pronto como comenzó a encontrarse ligeramente mejor, llamó a su viejo compañero de fatigas, Andy Paley, y comenzaron a producir…

El material que surgió de estas sesiones de trabajo era bueno, muy bueno. Tanto que, Don Was, propuso que el grupo volviera a reunirse y grabara estas canciones. Tan pronto como escucharon el material, el resto de miembros de la banda estuvo de acuerdo: era lo mejor que Brian había escrito en los últimos años. No era para menos, había canciones realmente buenas como la excelsa “Soul Searchin. Las sesiones comenzaron bien y el buen ambiente reinó en las mismas, sin embargo, todo fue torciéndose y, una vez más, los intereses comerciales superaron a los artísticos…

Abandonan el proyecto, vuelven a las giras, colaboran en una versión de “Fun fun fun” con Status Quo y, en agosto de 1996, editan “Stars And Stripes Volume 1”.

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El disco es una nueva tonelada de mierda sobre su leyenda. Una nadería en la que el grupo hace coros a estrellas del country que destrozan las canciones de Brian que, para más inri, produce el disco. Infumable…, y una lástima por las canciones que quedaron en el tintero al abandonarse el proyecto anterior…, algunas fueron recuperadas en futuros discos de Brian y otras, como la excelsa “Soul Searchin”, fueron cedidas a artistas como Salomon Burke.

El grupo tocaba suelo, pero todo podía empeorar, a principio de abril de 1997, con un escueto comunicado, se anuncia que Carl Wilson comienza tratamiento de quimioterapia tras haber sido diagnosticado de un cáncer de pulmón con varios tumores secundarios en el cerebro.

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Carl estaba mal, muy mal. El tratamiento de quimioterapia al que empezó a someterse le provocó una rápida pérdida de cabello que le obligaba a actuar con peluca. Mike llegó a declarar que, cuando compartían escenario, evitaba mirar hacia la posición de Carl, ”era muy duro”. El estado de Carl fue empeorando hasta Agosto de 1997, fecha en la que participa por última vez en un concierto con los Beach Boys. No podía más.

Pero, como ha sido habitual en su historia, la maquinaria Beach Boy no podía parar. El grupo de los Wilson, seguiría sin ningún Wilson. Loco Brian, muerto Dennis y enfermo Carl, Mike decide llamar a uno de los Beach Boy originales: David Marks.

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Sin ningún tipo de escrúpulo, la banda sigue girando por el mundo con hasta siete músicos de apoyo para Mike, Al, Bruce y David… Love, Jardine, Johnston y Marks…, ningún Wilson sobre el escenario. Los Beach Boys habían muerto artísticamente hace años, pero detalles como éste apuntalaron la sepultura… Pero, como es habitual, cuando la leyenda agonizaba, la edición de “The Pet Sounds Sessions“, una lujosa caja de 4 cd’s llena de rarezas e inéditos y la reclamada mezcla en auténtico estéreo del disco original, lleva a los Beach Boys a un nuevo repunte de popularidad. La historiografía musical hace, al fin, justicia a “Pet Sounds” calificándolo como obra cumbre y dándole la portada de múltiples publicaciones especializadas.

Pero si los Beach Boys solían remontar después de un bache, también era habitual que volvieran a hundirse después de un éxito. En Diciembre, la matriaca Wilson, Audree, fallece a los 79 años por un fallo cardiaco. Brian apenas tenía contacto con ella, Dennis murió pero nunca había sido el “niño de mamá”…, ese puesto estaba reservado para Carl… Para el enfermo Carl que apenas sobrevivió a su madre tres meses.

Carl Dean Wilson fallece el día 6 de Febrero de 1998, un mes después de cumplir 51 años. El discreto Carl fue quien siempre mantuvo al grupo unido, fue quien medió entre las dos facciones la comercial y mercantilista integrada por Mike, Alan y Bruce y la vanguardista y artística de Brian y Dennis. ”Brian era como el Peñón de Gibraltar, por la seguridad que nos daba”, había declarado Brian. Poseedor de una de las mejores voces de la historia de la música popular, el epitafio de su tumba no puede ser más descriptivo:

”El corazón y la voz de un ángel”.
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Superado el golpe de la muerte de Carl, Mike vuelve a proponer “unir a la banda”. Brian pasa, Bruce y David Marks aceptan sin rechistar…, pero ¿y Al?. Hasta el momento, había sido el escudero fiel de Mike, pero la desaparición de Carl fue un punto de inflexión.”Sin Carl se pierde un elemento vital en la conjunción de las armonías”… Así que Al Jardine se baja del tren.

Sin su habitual compañero de fatigas, Mike, Bruce y Marks continúan haciendo giras bajo el nombre de America’s Band en un gesto de respeto hacia la historia del grupo, que había perdido ya a cuatro de sus integrantes originales. No obstante, las salas de conciertos se quedan medio vacías y con el dinero de Mike no se juega…, así que el grupo recupera el nombre de The Beach Boys. Pero Alan, a pesar de su gesto de respeto a la memoria de Carl, tampoco tenía mucho que envidiar a Mike en cuanto a ánimo de lucro y funda The Beach Boys Family con sus hijos, las hijas de Brian y algunos miembros más. Habemus follón. Ambos se enzarzan en una serie de litigios por el uso del nombre “Beach Boys” que, como suele pasar, acaba ganando Mike.

Mientras, Brian, como le sucedió tras la muerte de su padre, pareció rehacerse ante el golpe de la muerte de madre y hermano y, espoleado por el respaldo de la crítica a “Pet Sounds” después de tantos años, volvió a la vida pública. ”Me siento en forma, dadme tres semanas y grabaré otro Pet Sounds…”

Brian no tenía intención alguna de volver con los Beach Boys, así que , ni corto ni perezoso se pone en manos del productor Joe Thomas que, por entonces gozaba de cierto prestigio, para grabar su nuevo disco. La elección de Thomas fue un soberano error, representante del “Adult contemporany”, límpido e inocuo sonido de música fácil que teñía los álbumes de Michael Bolton o Air Suply… Rock anodino y de absoluta pulcritud

”IMAGINATION”
Editado en USA en junio de 1998

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1. Your imagination (B.Wilson-J.Thomas-S.Dahl)
2.She Says That She Needs Me (B.Wilson-R.Titelman-C.Bayer)
3.South American (B.Wilson-J.Thomas)
4.Where Has Love Been (B.Wilson-A.Paley-J.D. Souther)
5.Keep an Eye on Summer (B.Wilson-B.Norman)
6.Dream Angel (B.Wilson- J.Thomas-J.Peterik)
7.Cry (B.Wilson)
8.Lay Down Burden (B.Wilson-J.Thomas)
9.Let Him Run Wild (B.Wilson-M.Love)
10.Sunshine (B.Wilson- J.Thomas)
11.Happy Days (B.Wilson)

Desde luego “Imagination” no es un nuevo “Pet Sounds”, ni siquiera está a la altura de los anteriores trabajos de Brian. Es cierto que la pésima producción de Thomas, con arreglos horripilantes, colabora  en poco al disco. Las composiciones de Brian tampoco brillan a gran altura. Incluso las dos revisiones que hace de dos temas antiguos de los Beach Boys (“Let Him Run Wild” y “Keep an Eye on Summer”) resultan anodinas.

No obstante, y como no podía ser de otra forma, el disco contiene algunas buenas canciones, algunas muy buenas. La melodía de “Your imagination” (enlace) es fabulosa y mucho más hubiera podido serlo de no estar tan mal arreglada. Basat con escuchar las voces aisladas (enlace) para intuir la maravilla que podría haber llegado a ser.  Destacables también son la dulce y petsoundianaShe Says That She Needs Me” (enlace), compuesta por Brian en 1965 y recuperada para este disco, la emocionante “Cry” (enlace), “Where has love been?” (enlace) y la brillante y estraña “Happy Days” (enlace) . No obstante, la canción más célebre del disco es “Lay down Burden” (enlace) no por la calidad de la canción en sí (que es bastante alta) sino porque supone un homenaje de Brian a su recientemente desaparecido hermano pequeño Carl.

Pero, a pesar de estos buenos momentos, el disco se pierde entre medianías. Comercialmente alcanza el número 88 en listas y la crítica fue bastante benevolente con él dándole el beneficio de la duda.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn. 16 de septiembre de 2012

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THE BEACH BOYS. “Still Cruisin’ ” (1988). ( 3 / 10 )

Imagen
1. Still Cruisin’ (M.Love-T.Melcher)
2. Somewhere near Japan (B.Johnston-M.Love-T.Melcher-J.Phillips)
3. Island Girl (A.Jardine)
4.In my car (B.Wilson-E.Landy)
5. Kokomo (M.Love-S.McKenzie-T.Melcher –J.Phillips)
6. Wipeout (B.Berryhill-P.Connolly-J.Fuller- R.Wilson)
7. Make It Big (M.Love-B.House –T.Melcher)
8. I get around (B.Wilson-M.Love)
9. Wouldn’t it be nice (B.Wilson-T.Asher)
10. California Girls (B.Wilson –M.Love)
Editado en USA en agosto de 1989

En ausencia de Brian Wilson el gruop recibe la proposición de componer una canción para la banda sonora de Cocktail (película protagonizada por un joven Tom Cruise). El trabajo de Mike con su amigo y productor Terry Melcher tuvo como fruto un nuevo single que el grupo grabó y editó poco después alcanzando ¡¡¡el número 1!!!, veintidós años después de “Good Vibrations”. Se trataba de “Kokomo” (enlace), un azucarado medio tiempo compuesto por Terry Melcher, John Phillps, Scott McKenzie y Mike Love, y en cuya grabación Brian no participó.

El disco es una bizarra mezcla de temas antiguos con nuevos. De esta forma, además de la exitosa ”Kokomo” (enlace), el grupo graba, sin Brian, la comercial aunque valorable ”Still Cruisin” (enlace) , la blandengue ”Somewhere near Japan” (enlace) y la horrible ”Island girl” (enlace) de Al Jardine. Otra “novedad” era ”Make it big” (enlace), otra basurilla que el grupo había grabado para la banda sonora de “La Tropa de Beverly Hills”.

No obstante, la aportación de Brian no es mucho mejor. ”In my car” (enlace) es un tema que Brian compuso y grabó para la banda sonora de “Loca Academia de Policía 4” y que cede para este disco del grupo. La otra aparición de Brian en el álbum es la terrorífica colaboración con los Fat Boys en la versión de ”Wipeout” (enlace) en la que realiza coros. El resto del disco son maravillosos clásicos como “I get around”, “Califonia Girls” o “Wouldn’t it be nice” que sólo sirven para poner aún más en su sitio a la patéticos Beach Boys presentes al compararlos con la fantástica formación de antaño. Un trabajo para olvidar. Hace poco vi este disco a 1’5€ en un centro comercial…, no lo compré. Aún con todo, alcanzó un número 46 en listas.

VALORACIÓN GUILLETEK: 3 / 10

 

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