GUILLETEK'S

Hay música que siempre merecerá ser recordada…

The Beatles. Capítulo 24 (2010- Actualidad). El final…por ahora…

La nueva década se inaugura en enero de 2010 con el álbum de Ringo “Y Not“. Por primera vez en su carrera Ringo ocupa el puesto de productor en este álbum que cuenta con la colaboración de Joe Walsh, Joss Stone, Van Dyke Parks, Ben Harper y Richard Marx. Paul aparece al bajo y los coros en  la estupenda “Walk With You“, escrita por el propio Ringo y el que fuera colaborador de Brian Wilson Van Dyke Parks, y en “Peace Dream“. El disco tuvo un paso discreto por las listas, aunque debutó en el puesto 58 de la lista estadounidense, lo que supone la posición más alta para un álbum de Ringo desde 1976.

El 2 de junio de 2010, Paul fue condecorado por el presidente estadounidense Barack Obama con el premio Gershwin por su contribución a la música popular.  McCartney confesó sentirse muy alagado por el galardón: “Para un niño británico que creció en Liverpool, la Casa Blanca es algo bastante especial… La verdad es que estoy un poco nervioso por tener que actuar a pocos metros de Obama. Soy un gran fan suyo. Es un gran tipo, así que déjenlo en paz. Está haciendo un gran trabajo”. Como parte del acto, McCartney ofreció un concierto en la Casa Blanca en el que interpretó “Got To Get You Into My Life“, luego el gran Stevie Wonder tocó una estupenda versión de “We Can Work It Out“, Jack White (White Stripes) “Mother Nature’s Son” fusionado con “That Would Be Something”, Faith Hill  destrozó “The Long And Winding Road“,  los Jonas Brothers defendieron con dignidad “Drive My Car“, Herbie Hancock y Corinne Bailey Rae revisaron de forma maravillosa “Blackbird” en formato jazz, Elvis Costello se sale con “Penny Lane“, Emmylou Harris interpretó “For No One” en clave country,  el pianista Lang Lang tocó la pieza clásica de Paul “Celebration“, Dave Grohl clavó “Band On The Run“. Finalmente Paul volvió al escenario con Stevie Wonder y juntos cantaron “Ebony And Ivory“. Una vez solo, Paul dedicó “Michelle” a Michelle Obama y luego se sacó de la manga “Eleanor Rigby“, “Let It Be” y un “Hey Jude” al que se unieron todos los participantes…, incluida la familia Obama que no dudó en subirse al escenario.

En Octubre 2010, se editan dos nuevos recopilatorios de John Lennon. El primero de ellos, “Gimme Some Truth“, es una caja recopilatoria de cuatro CD’s ordenados por temáticas. El primer disco -“Working Class Hero”- contiene canciones de temática socio-política, el segundo -“Woman”-, el tercero -“Borrowed Time”- sobre filosofía vital y experiencias, mientras el cuarto -“Roots”- es puro rock’n’roll. Mucho más comercial y sintético resulta el compilatorio “Power to the People: The Hits“, también editado en octubre de 2010. En realidad se trata de una recopilación de las mejores canciones incluidas en la caja “Gimme Some Truth” y no tuvo mucho predicamento en un mercado saturado de recopilatorios de John Lennon en los que apenas varía la selección de canciones.

A estas alturas Paul ya había formalizado a todos los efectos su relación con Nancy Shevell y comienzan a oírse los primeros rumores acerca de una posible boda. A diferencia de lo que ocurrió con Heather Mills, Nancy cuenta con el beneplácito de los hijos de Paul y de la prensa rosa del país. El 5 de diciembre de 2010, Nancy acompaña a Paul a un nuevo acto de homenaje a su legado musical. El Premio Kennedy (Kennedy Center Honors) es el más alto honor otorgado desde 1978 por el gobierno de Estados Unidos a artistas escénicos de diferentes disciplinas. Este galardón se otorga de forma anual y en 2010, Paul fue uno de los galardonados.

La ceremonia se celebró en  el Kennedy Center de Washington D. C. con la asistencia del presidente de Estados Unidos y contó con las actuaciones de No Doubt (“Hello, Goodbye”, “All My Loving” y “Penny Lane”), Dave Grohl y Norah Jones, (“Maybe I´m Amazed“) y Steven Tyler tocando la gloria con “She Came In Through the Bathroom Window” / “Golden Slumbers” / “Carry That Weight” / “The End”. La fiesta, con un McCartney visiblemente emocionado terminó con James Taylor, Mavis Staples todo el personal participante cantando “Let It Be” y “Hey Jude“. Genial homenaje.

Entretanto, Paul prepara su quinta incursión en el terreno de la música clásica. En esta ocasión se trata de música concebida para ballet, lo que supone la primera experiencia de McCartney en el mundo de la danza y para lo que contó con la colaboración del coreógrafo danés Peter Martins. “Ocean’s Kingdom, se estrenó en Nueva York el 22 de septiembre de 2011 con críticas mixtas y se editó en CD en octubre de 2011.

Finalmente, y tras mucha rumorología, Paul McCartney y Nacy Shevell se casaron el 9 octubre 2011 tras una íntima ceremonia civil  en el registro civil de de Marylebone en el barrio londinense de Westminster, a la que acudieron unos treinta invitados entre los que figuraban Ringo y su esposa así como los cinco hijos de Paul. Posteriormente, los novios celebraron junto a sus invitados una  discreta recepción en los jardines de la casa de Paul. Nada que ver con las estridencias de la anterior boda de McCartney con Heather Mills.

En octubre de 2011, poco después de la boda de Paul, se estrena “George Harrison: Living in the Material World“, un excelente documental dirigido por el gran Martin Scorsese sobre la vida y milagros de George. A lo largo de tres horas y media, se nos muestra el viaje musical y personal de George Harrison y su constante búsqueda de un equilibrio entre lo físico y lo espiritual. Además de las consabidas imágenes de archivo, incluye el testimonio de amigos y familiares sobre la vida del antiguo Beatle, incluidos Paul y Ringo, claro está.

Es una película extraordinaria, con multitud de fotos y música inédita, además de un importante componente emocional (el momento en que Ringo recuerda sus últimos momentos con George es impagable) que consigue arrojar algo de luz sobre una de las figuras más enigmáticas y cautivadoras de la historia del rock

A principios de 2012, concretamente en enero, Ringo vuelve a la carga con “Ringo 2012“. Tal y como hizo con “Y Not”, el batería vuelve a ejercer de productor de su propio álbum. El disco contiene seis canciones nuevas (entre las que destaca “Samba” firmada con Van Dyke Parks), un par de versiones y dos revisiones de canciones editadas en “Ringo” y “Ringo The 4Th”, “Step Lightly” y “Wings“. Una vez más, el trabajo de Ringo pasó absolutamente desapercibido en términos comerciales aunque recibió críticas bastante positivas si bien no exentas de cierta condescendencia.

Un mes después, en febrero de 2012, Paul sorprende a propios y extraños con el edición de “Kisses on the Bottom“. Tras varios álbumes en los que tocaba todos los intrumentos, McCartney se limita en este CD a ejercer de crooner e interpretar clásicos de jazz bajo la dirección musical de Diana Krall. Es un trabajo deliciosamente ligero que obtuvo un notable éxito (nº3 UK y 5 USA) y que permitió a Paul ganar un nuevo Grammy al “Mejor álbum de pop vocal tradicional”. Aunque la mayoría del disco son versiones del cancionero clásico americano (“I’m Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter“, “It’s Only a Paper Moon“, “We Three (My Echo, My Shadow and Me)“), contiene dos composiciones nuevas de McCartney: “My Valentine“, dedicada a Nancy y con Eric Clapton a la guitarra, y “Only Our Hearts“. “Quería hacer un álbum muy tierno, muy íntimo, para escuchar en casa tras el trabajo, con una copa de vino o de té”…, y lo hizo.

En mayo de 2012, se edita un curioso recopilatorio de George Harrison: “Early Takes: Volume 1“. En realidad es un álbum de tomas alternativas y demos de canciones de George Harrison, usadas en el documental de Martin Scorsese . A pesar de su apariencia de disco de rarezas, que lo es, es un disco sublime. La recopilación se centra en la primera etapa solista de George (el “Volume 1” del título hace pensar que la colección seguirá) y oír temas como “My Sweet Lord“, “The Light That Has Lighted the World” desprovistas de todo ornamento es sobrecogedor. Un disco maravilloso.

El 27 de julio 2012, Paul McCartney actuó ante una audiencia televisiva de más de un billón de personas, con motivo de la ceremonia de aperutra de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. La Organización quiso rendir un homenaje a la esencia británica. El pebetero se encenció, cientos de fuegos atificiales iluminaron la noche londinense, y allí estaba él: el Beatle Paul. La mayor leyenda viva de la música moderna interpretó, con 70 años y visiblemente nervioso, un “Hey Jude” que levantó el estadio y el bello de los brazos a cualquiera con un mínimo de sensibilidad musical. A pesar de lo emotivo de la actuación, todo el mundo pudo ver como algo raro pasaba al principio y McCartney sonaba fuera de tiempo sobre una pista pre-grabada, luego Paul retomó el control pero fue algo realmente extraño que explicó después de la ceremonia: “Antes de la actuación, grabamos una toma en vivo por si acaso había un fallo general de sonido. Se suponía que debía esperar una señal. Pero esa maldita campana gigante me despistó. Fue ensordecedor. Y se me olvidó que tenía que esperar la señala, así que me lancé a cantar…,  alguien de la organización presionó la reproducción. Así que estaba mi voz de fondo y mi voz en directo sobre ella; dos de nosotros cantando. El baterista no me miraba porque estaba histérico y yo pensaba, ‘¿Qué he hecho?”. Al final acabó bien.

El 8 de septiembre de 2012 François Hollande nombra a McCartney Oficial de la Legión de Honor en una ceremonia que tiene lugar en una ceremonia celebrada en el Palacio del Elíseo en París. Los motivos de la concesión de la condecoración fueron “su carrera musical y la inspiración que ha proporcionado a otros artistas franceses. Así como sus compromiso en la defensa del medio ambiente, de los animales, contra las minas antipersona y a favor de la solución del conflicto israelo-palestino”

Continuando con su apretada agenda de finales de este 2012. El 12 de diciembre Paul actúa como invitado -junto The Who, Bruce Springsteen, Alicia Keys, Bon Jovi, Eric Clapton, Billy Joel, The Rolling Stones, Roger Waters, Chris Martin, Michael Stipe, y Eddie Vedder- en el concierto “12-12-12: The Concert for Sandy Relief“, un show benéfico celebrado en el Madison Square Garden de Nueva York en favor de las víctimas del huracán Sandy.

Paul montó un set eminentemente rockero que arrancó con “Helter Skelter“, “Let Me Roll It“, y una electrizante “Nineteen Hundred and Eighty-Five“. A continuación Paul invitó a Diana Krall al escenario y juntos interpretaron la tierna y jazzy “My Valentine” para posteriormente atacar “Blackbird“… y entonces ocurrió…, Paul agarró una extraña guitarra y dijó: “Hace poco, unos chicos me ofrecieron improvisar con ellos. Yo dije que sí. Cuando estábamos ensayando me dijeron que no habían tocado en años y de pronto me di cuenta que estaba en medio de la reunión de Nirvana”, y entonces los presentó “¡Mr. Dave Grohl!, ¡Krist Novoselic! y Pat Smear…” A prueba de incrédulos, el septuagenario Paul McCartney estaba haciendo de Kurt Cobain en una reunión de Nirvana. El extraño combo interpretó “Cut Me Some Slack“, un potente rock que surgió durante una jam session a la que Grohl invitó a McCartney durante el rodaje  de su documental “Sound City” y que, en palabras de Dave Grohl, “la escribimos, la ensayamos y la grabamos en tres horas… salió de la nada, como las mejores canciones hacen”. Acto seguido, la banda de Paul volvió al escenario para rematar con “I’ve Got a Feeling” y “Live And Let Die“.

Ringo comenzó a mediados de 2013 que comenzaría una nueva gira con una nueva All Star Band formada con ex-miembros de  Toto y Santana entre otros. Mientras, McCartney arranco su “Out There! Tour“, una nueva gira de 11 fechas que comenzó el 4 de mayo de 2013, en la que Paul tocó canciones que no había hecho hasta ahora en directo, como “Eight Days A Week”, “Junior’s Farm”, “Your Mother Should Know”, la lennoniana “Being for the Benefit of Mr. Kite!”, “All Together Now” y “Lovely Rita” y algunas que hacía muchos años que no retomaba como “Listen to What the Man Said”, “Hope of Deliverance”, “Another Day”, “And I Love Her”, “Mrs Vandebilt” o “Hi, Hi, Hi”.

Tras trece álbumes de estudio con los Beatles, siete con Wings y quince en solitario, Paul McCartney afrontó su lanzamiento discográfico de 2013 con el simbólico título de “New” (enlace a review en Guilletek’s). Cincuenta años después de que el primer álbum de los Beatles saliera al mercado, el septuagenario bajista demostró estar en un fenomenal estado de forma. “Perdón por no haber vuelto antes, he estado ocupado”, escribía McCartney en las notas interiores del disco tras seis años de silencio en cuanto a material original (cinco si consideramos el “Electric Arguments” de The Fireman parte de su discografía).

Compuestas las canciones que compondrían el disco, llegó la hora de platearse con qué productor trabajar y finalmente se decidió a trabajar con cuatro jóvenes y exitosos productores en busca de modernizar su sonido. Los elegidos fueron Mark Ronson (Amy Winehouse , Rufus Wainwright o Bruno Mars), Ethan Johns (Kings Of Leon, Kaiser Chiefs, Ryan Adams), Paul Epworth (Adele, Primal Scream, Robbie Williams) y Giles Martin, hijo de George Martin y  productor de  Hayley Westenra, Kula Shaker, Jeff Beck, Elvis Costello o Kate Bush. El 14 de octubre de 2013, y de nuevo bajo el sello Hear Music, se editó el disco que fue elogiado por la crítica mundial y obtuvo un notable éxito comercial (número 3 tanto en las listas británicas como norteamericanas), merced a excelentes canciones como “Save Us“, “On My Way To Work“, “Quennie Eye“, la evocadora y sobresaliente “Early Days“, “New“,  “Everybody Out There“, “I Can Bet” o “Looking At Her“. En resumen, un gran disco…, un gran disco creado por una de las dos más afinadas fábricas de crear melodías que ha conocido el mundo: Sir James Paul McCartney.

Apenas un mes después del lanzamiento del disco en solitario de Paul, 2l 11 de noviembre de 2013 se editó On Air – Live at the BBC Vol. 2, segunda parte del álbum “Live At The BBC”, editado en 1994. Como aquel, se trata de un doble CD en directo recogiendo las actuaciones de los Beatles en los programas musicales de la radio televisión pública británica y, la verdad sea dicha, poco aporta sobre lo que ya hizo su predecesor. Los Beatles suenan frescos espontáneos, simpáticos y brillantes, pero ya lo hicieron en la edición de 1994. Esta segunda recopilación parece más compuesta de los restos que no se utilizaron en el lanzamiento de 1994 y apenas la excelente versión del “Beautiful Dreamer” de Stephen Foster, pone el disco en valor para los no fanáticos. No obstante, y a pesar de ser un lanzamiento que parece sólo para apto para completistas, todo lo que tocan estos chicos se convierte en oro y el álbum alcanzó el número 3 en las listas de ventas, convirtiéndose en el trigésimo disco del grupo en conseguir al menos un Top-10.

Desde 1962, John, Paul, George y Ringo han escrito y reescrito los renglones más influyentes en la historia de la música moderna. Hoy en día no es raro escuchar a cualquiera de los músicos actuales citando a los Beatles como su principal influencia. Fueron transgresores y comerciales, vanguardistas y tradicionales, polémicos y amables… Batieron todos los récords imaginables como grupo (han vendido más de 1.000 millones de discos, conseguido 27 números uno) y como solistas (es el único grupo cuyos miembros han logrado todos llegar al número 1, Paul McCartney es oficialmente acreditado el compositor más exitoso de la historia). Son, sin mucho lugar para el debate, la banda más trascendente en la historia del rock. Su aparición modificó por completo la significación de la música popular en todas sus vertientes.

Es difícil que se vuelva a juntar dos escritores de canciones del nivel de John Lennon y Paul McCartney, pero lo que ya es imposible es que el tercero en discordia tenga la calidad que atesoró George Harrison. “A los doce años de edad yo estaba convencido de ser un genio, era cuestión de tiempo que el resto del mundo se diera cuenta”, dijo John Lennon… Y el mundo se dio cuenta. La influencia de Paul, John, George y Ringo fue, desde grupos contemporáneos (Rolling Stones, The Who, The Byrds, The Kinks, The Beach Boys) a bandas que surgieron  años después ( Queen,  XTC, U2, Elvis Costello, Bruce Springsteen, Aerosmith, Nirvana, Guns’N’Roses, Elliott Smith, Oasis, Blur, Coldplay, Travis… ).

Pero el gran mérito de estos jovencitos melenudos fue trascender los límites de la industria del divertimiento y convertirse en líderes de una revolución cultural, social y hasta política, que influyó decisivamente en la conformación y personalidad de las generaciones posteriores a su creación. Es difícil, para mí imposible, concebir un mundo sin Beatles…y…¿por qué hacerlo si sería definitivamente menos maravilloso?

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán, publicado 18 de Mayo de 2013. Editado por primera vez el 24 de noviembre de 2013

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The Beatles. Capítulo 23 (2004-2009). Del Circo del Sol a la Gran Remasterización.

El 26 junio de 2004, Paul y su banda cerraron el prestigioso festival de Glastonbury, consiguiendo un absoluto éxito de crítica y público. Fue uno e esos momentos que, sin saber por qué, hacen que algo cambie. Las críticas (BBC, NME, Melody Maker etc. ) fueron absolutamente elogiosas: “McCartney da una lección”, “Parece que los Gallaguer tienen mucho que aprender de este abuelete de 62 años”. Una nueva generación de jóvenes impúberes alucina en colores con el desparrame de energía y calidad musical que llega desde el escenario, sólo hay que echarle un ojo a este “Helter Skelter” para comprobarlo. McCartney gozó de un gran prestigio en los 70, tras la separación de los Beatles, que perdió en los 80 y que empezó a recuperar desde mediados de los 90. En 2004 ya había recuperado definitivamente su sitio, y sabedor de ello, se disponía a grabar un álbum que lo confirmara.

Entretanto, en septiembre de 2004 y a instancias de Yoko, se edita “Acoustic. El álbum es una colección de grabaciones caseras, de estudio o en directo interpretadas por John sin más ayuda que su guitarra acústica. Como todo lo que ha salido de los archivos del inconmensurable talento de John, no está exento de calidad, pero este disco no mantiene el nivel y la crítica fue durísima tratándolo de “chaladura oportunista“. Como disco pirata hubiera sido válido, como lanzamiento comercial, no. El problema es que, salvo “Working Class Hero” (extraída del “Sometimes in NYC”) y las versiones acústicas en directo de “Luck of the irish”, “John Sinclair” e “Imagine”, lo demás son maquetas de John es su casa, con su grabador y su guitarra. Es música de estar por casa, con una interpretación instrumental y vocal muy floja.  En cualquier caso hay buenos momentos, como la bonita versión alternativa de “Dear Yoko“, pero se ven superados por momentos momentos anodinos o directamente mediocres (“Cold Turkey“).  Flaco favor se hace a la memoria de Lennon engordando su discografía con trabajos de este tipo. Alcanzó un puesto 31 en listas

Mientras seguía preparando su nuevo álbum de estudio, Paul colaboró con el DJ Hellraiser (que fue quien preparó la música que amenizaba el espectáculo previo a los conciertos de Macca durante la gira de 2004) en la edición de “Twin Freaks” en junio de 2005. Se trata de un disco de remezclas de canciones de Paul que no deja de ser una mera curiosidad, aunque fue bien acogido por la crítica y “Really Love You” se editó como single de 12″ con cierto predicamento dentro de la escena electrónica.

En el mismo mes de junio, Ringo edita “Choose Love“, un nuevo disco de estudio con el que el batería vuelve a recibir buenas reseñas en medios musicales y que, de nuevo, vuelve a fracasar comercialmente a pesar de tener temas muy valorables como la homónima “Choose Love” (con múltiples referencias a los Beatles), “Oh My Lord” o “Don’t Hung Up” (con la Pretender Chrissie Hynde).

No obstante, lo más reseñable de este 2005, llegaría en septiembre con la edición de “Chaos and Creation in the Backyard” (enlace a crítica en Guilletek’s), el mejor álbum del Paul McCartney post-Wings junto a los fabulosos “Tug Of War” y “Flaming Pie”. Para este disco, Paul prescinde de su banda y se propone grabar todos los instrumentos y hacer todas las voces, tal y como hieciera en 1970 con “McCartney I” y en 1980 con “McCartney II”. De hecho, en muchos sentidos, este disco podría haber sido un “McCartney III”.

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Paul reclutó para este disco al que fuera productor de Beck, Radiohead y Travis, Nigel Godrich y el resultado es excelso en cuanto a atmósfera y ambientes. Godrich tuvo los arrestos de criticar abiertamente el trabajo de Paul, no sin cierta dosis de miedo (“mi primera reacción fue de terror, no sólo porque era una persona muy importante a la que le estaba diciendo “oye, esto no me gusta”, sino también porque no estaba seguro de si él estaba dispuesto a trabajar con estas sucias manos”).

Las críticas fueron muy elogiosas de forma unánime y hablaron de “el mejor disco de McCartney en solitario”, “un renacer creativo del ex-Beatle” y recibió varias nominaciones a los Grammy, entre ellas la de mejor álbum. Es, en definitiva, un fabuloso álbum al que sólo se le puede achacar la falta de algún tema más rockero que corte la tendencia piano-acústica que sigue durante todo el disco. Temas como el single  “Fine Line“, la oscura “At The Mercy“, la excelsa “Jenny Wrenn” (“hija de “Blackbird” en palabras del propio Paul), el fabuloso pop de “Friends To Go” (dedicada a George Harrison) y  “Too Much Rain“, las beateleras “English Tea” y “Promise To You Girl“, la delicadeza de “A Certain Softness” o la genialidad romántica de “This Never Happened Before“, dejan a las claras que el McCartney del siglo XXI tiene mucho que decir a pesar de su ya avanzada edad. Un disco imprescindible que devolvió a McCartney a la senda del éxito (número 6 en USA y UK)

El éxito del álbum fue, además, una excelente excusa para que, en  septiembre de 2005 , Paul y su banda comenzaran una nueva gira americana: The US TOUR. Treinta y siete conciertos en dos meses y 60.000.000 de dólares de recaudación. A su repertorio habitual, McCartney añadió temas de su nuevo disco (“Fine Line“, “Jenny Wrenn“, “Follow Me” y “English Tea“), temas de su carrera en solitario que jamás había tocado en directo como “Too Many People” y nuevas perlas del repertorio de los Beatles que no había interpretado nunca en directo en solitario (“I’ll Get You“, “I Will“, “Till There Was You“, “For No One“, “Fixing a Hole“, “Please Please Me“).

En octubre de este 2005, se edita un nuevo recopilatorio de la carrera en solitario de John Lennon: “Working Class Hero: The Definitive Lennon“, una estupenda compilación de 2 cd’s que fue editada el día en que John hubiera compuesto 65 años y que posiblemente sea la más completa que se haya editado. Muchas de las canciones fueron remezcladas y remasterizadas para la ocasión mejorando sensiblemente su sonido. El disco obtuvo éxito comercial en Inglaterra (número 11) y fue un rotundo fracaso en Estados Unidos (135).

El matrimonio de Paul y Heather, a pesar de tener sólo 4 años de antigüedad y de haber tenido como resultado el nacimiento de la cuarta hija biológica de Paul -Beatrice-, no funcionaba. Mills y McCartney se separaron oficialmente en mayo de 2006, con un comunicado en el que ambos señalaban que la separación transcurriría de forma “amistosa”. Al mismo tiempo, se lamentaron de que no haya sido respetada su intimidad. “Cada vez nos resultó más difícil llevar adelante una relación normal cuando constantemente se estaba interfiriendo en nuestra vida privada. Para toda pareja una separación ya es lo suficientemente difícil. Pero para aquella que debe pasar por esto en público, con una hija pequeña, supone un enorme estrés”. Sin embargo, al poco tiempo, Heather comenzó a conceder entrevistas a los medios del corazón afirmando ser una víctima de Stela,  “la celosa y malvada hija de Paul que quiso separarnos”, que “Paul a menudo se emborrachaba y fuma muchos porros”, e incluso acusó a McCartney de maltrato físico y psicológico.

Pero Mills no midió con quien se estaba metiendo. Macca era, es y será una institución casi sagrada en Gran Bretaña, “el beatle-Paul”… Mills comenzó a recibir duras críticas “prostituta”, “busca fortunas”, “bruja”, “ladrona”, entre otras lindezas. Se avecinaba un divorcio movido…

Pero volvamos al tema, los Beatles estaban de actualidad en julio de 2006. En esta ocasión se trataba del estreno de un espectáculo del Circo del Sol con la música de los Beatles como tema principal: “Love”. El proyecto nace de la amistad de George con el fundador del circo canadiense, Guy Laliberte. Harrison, antes de morir, acordó con el resto de Los Beatles y  Yoko Ono, la posibilidad de montar un show que tuviera como banda sonora la música del grupo y como protagonistas principales a los personajes de las canciones. Apple y El Circo del Sol

Para realizar la banda sonora -fundamental para el espectáculo-, Apple y el Circo del Sol  contrataron a George Martin y su hijo Giles para que hicieran las mezclas del álbum. Y es que la banda sonora debería componerse  de forma que cada tema sería mezclado incorporando partes de otros temas en busca de ambientes o atmósferas especiales. Los Martin trabajaron casi dos años en el proyecto…, pero el resultado mereció la pena.

Paul, Ringo y su esposa Bárbara, y las viudas de George y John -Olivia y Yoko- acudieron a la premiere del espectáculo en Las Vegas. Tampoco la primera esposa de Lennon, Cynthia,  su hijo Julian, y el hijo de George -Dhani-, quisieron perdérselo.

Fue todo un éxito. Al finalizar la obra, McCartney subió al escenario y gritó “¡Esto va por John y George!”. Ringo, por su parte, dijo: “fue emotivo porque dos de nosotros no estaban aquí”. El show, cargado de acrobacias extremas, complicados trajes y efectos especiales, recibió buenas críticas. El diario británico “Daily Telegraph” calificó “Love” como un espectáculo “casi indecorosamente espectacular y muy emocionante”, mientras que el “Toronto Star” afirmó que se trataba de “el hasta ahora mejor show del Cirque du Soleil. Es inolvidable“. Hoy en día sigue representándose

Intentando abstraerse de todo el follón mediático de su separación, Paul se pone a trabajar en su nuevo trabajo de música clásica, “Ecce Cor Meum” que habría de editarse en septiembre de 2006. McCartney vuelve al formato de oratorio en este ya su cuarto álbum clásico y obtiene críticas muy favorables y un segundo puesto en la lista de discos de música clásica, como muestra podéis escuchar su angelical segundo movimiento “Gratia“.

El mismo mes en el que se editó “Ecce Cor Meum”, se estrena el documental “The U.S. vs. John Lennon sobre los problemas de John con la Administración Nixon a causa de su activismo político-pacifista. La película cómo la Casa Blanca usó la amenaza de deportación para tener controlado al incómodo Lennon e ilustra cómo escuchaban sus conversaciones por teléfono y era vigilado noche y día. Muy interesante y extremadamente inquietante, a partes iguales.

El documental se acompaño con la edición de un CD a modo de banda sonora que contenía las canciones de mensaje más polémico de la carrera de John.  A pesar de ser, sin duda, el menos comercial de todos los recopilatorios que se han editado sobre la trayectoria de John, obtuvo un notable puesto 19 en listas.

En noviembre  se edita la banda sonora del espectáculo de los Beatles y el Circo del Sol, “Love“, que se había estrenado en el verano de este mismo 2006. George Martín y su hijo mezclaron las canciones utilizando las cintas máster originales en colaboración con el Cirque du Soleil. “Tomamos todas las cintas originales del catálogo de The Beatles. Las de cuatro pistas, de ocho pistas y de dos pistas y utilizamos esta gama de sonidos y de la música para crear una base sonora. Es una nueva experiencia, un nuevo modo de volver a vivir a Los Beatles”.

Realmente nunca se pensó que “Love” acabara siendo un disco. En realidad, los Martin se dedicaron a “jugar” con canciones y fragmentos de éstas intentando (y logrando) crear sugerentes ambientes sonoros-beatle.  El resultado satisfizo tanto a los productores como a McCartney, Ringo y las viudas de George y John. Estaba claro que de ahí tenía que salir un disco, “La música fue originalmente diseñada para el show ‘Love’ en Las Vegas. Pero al hacer esto hemos creado un nuevo álbum de The Beatles“, dijo Martin. “The Beatles siempre buscaron otros modos de expresión de ellos mismos y esto es otro paso adelante”, señaló.

El disco arranca con “Because“, versión “a capella” (con el sugerente acompañamiento de unos lejanos trinos de aves) de la que posiblemente sea la mejor interpretación vocal de los de Liverpool cantando a voces. Desnuda y encantadora. De repente el acorde inicial de “A Hard Day’s Night” da paso al solo de batería (y parte del solo de guitarra) de “Carry That Weight” e introduce una mejoradísima versión (a nivel de sonido) de “Get Back / Glass Onion“, fusión de ambas canciones (con toques de “Hello Goodbye”) a modo de puente para llegar a una excelsa versión de “Eleanor Rigby” que, básicamente, cambia el orden de estrofas y estribillos y se funde en una limpísima y breve versión de “Julia”.

Las versiones de “I Am The Walrus” y  “I Want To Hold Your Hand” son menos sorprendentes sino fuera por el inmejorable sonido, en especial, de la segunda. Las verdaderas sorpresas llegan con “Drive My Car” / “The Word” / “What You’re Doing” que se funde con una naturalidad absoluta -y con el solo de “Taxman” por en medio- con “What You’re Doing” para desembocar en “The Word”. Simplemente acojonante.

Gnik Nus“, es, como su propio nombre indica, “Sun King” al revés apoyada sobre los sitares de “Getting Better” y sirve de entrada a una sobrecogedora “Something” que descansa sobre un discreto fondo orquestal hasta fundirse con un fragmento de “Blue Jay Way” con elementos de “Nowhere Man”. Con “Being for the Benefit of Mr. Kite!” / “I Want You (She`s So Heavy)” / “Helter Skelter” llegamos a otro momentazo, el clásico de Sgt Pepper’s se funde con “I Want You” y los gritos de McCartney en “Helter Skelter”.

“Help!”, suena simplemente perfecta y abre el debate de si sería un crimen o no remezclar de nuevo las cintas originales en lugar de sólo remasterizarlas; yo abogo por lo primero tras escuchar este disco. “Blackbird” / “Yesterday“, fusiona la intro de la canción de 1968 con el clásico de los clásicos beatle a la que Martin retoca brevemente el arreglo de cuerda. Mucho más curiosa resulta “Strawberry Fields Forever” y como describe la evolución de uno de los grandes clásicos de la historia. Pasa del encanto acústico de la “Toma 1” original, se funde con la mítica (para fans) “Toma 7” (la de los coros) para acabar llegando a la versión definitiva que todos conocemos y que suena mejor que nunca. Luego se introducen nada más y nada menos que las trompetas de “Sgt pepper’s”, el solo de trompeta de “Penny Lane”, el de clavicordio de “Piggies”, el de “In my life” y el final de “Hello Goodbye”. Casi nada…

Within You Without You“, nos ofrece el tema hindú de George con la batería e introducción de “Tomorrow Never Knows”, mientras en la remezcla de “Lucy In The Sky With Diamonds” vemos como se introduce el misterioso instrumento hindú que aparecía en “Baby You’re a Richman” en el estribillo. Algunos platos al revés y diversos efectos dan fin a la canción. En “Octopus’ Garden” los primeros versos cuajan con el fondo musical de “Goodnight”, luego, el clásico de Ringo suena brillantísimo. Acaba con el elegante instrumental introductorio de Sun King.

Lady Madonna” arranca con la entrada de batería de “Why Don’t We Do It In The Road” da paso al solo de saxo de “Lady Madonna” y de ahí, arranca la canción como la conocemos (pero con qué sonido). Al llegar al solo aparece una siniestra “Hey Bulldog” mezclada con el órgano de Billy Preston en “I Want You (She’s So Heavy)” y el punteo de Clapton en “While My Guitar Gently Weeps”. Brillante, como “Here Comes the Sun” / “The Inner Light“, a George le hubiera encantado, “Here Comes The Sun” con la percusión “a la hindú” de “Within You Without You” para que al final  aparezca un fragmento la hipnótica “The Inner Light” con los coros de “Oh Darling” de fondo.

Come Together” / “Dear Prudence” / “Cry Baby Cry” es otra genialidad. El clásico de Lennon se funde con pasmosa facilidad con el instrumental final de “Dear Prudence” y desemboca en un fragmento de “Cry Baby Cry”, previo paso por la misteriosa e inacabada “Can You Take Me Back” de Macca. Menos sorprendentes son las estándares versiones de “Revolution” y “Back In The USSR” aunque su extraordinario sonido deja a las claras que estos muchachos merecen una “remezclaremasterización” de su catálogo.

Dos de los momentos cumbres llegna con “While My Guitar Gently Weeps“, en la que George Martin escribe un nuevo arreglo de cuerdas para la maqueta original que George grabó en su casa, y “A Day In The Life“, que empieza con la toma 1 de la canción, luego se funde con la original pero la voz de Lennon sigue siendo la de esta primera toma.

Llegamos a la traca final arrancando con “Hey Jude“. La mejor canción de todos los tiempos suena brillante. Reduce la duración original y adelanta los clásicos “Na na na na… Hey Jude”. Deja una parte con voz, bajo y batería, muy propia para un concierto que nunca tendrá lugar. El final comienza a introducir “Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)“, que suena simplemente brutal, y acabamos con el himno “All You Need Is Love“, el colofón a la fiesta. El final incorpora “Baby You’re A Richman”, “Rain”, “Sgt.Pepper’s”, “Goodnight”…

“Love”, el disco, recibió las máximas calificaciones en todos los medio críticos, ganó un Grammy y tuvo un enorme éxito (4 USA, 3 UK y número 1 en una decena de países alrededor del mundo). Lo habían vuelto a hacer.

También en noviembre de 2006, Paul edita su nuevo DVD en directo “The Space Within Us”, recogiendo los mejores momentos de su última gira americana. A nivel de factura cinematográfica y de sonido, es el mejor DVD de McCartney. Lástima que la voz del Sir, a sus entonces 64 años, ya no alcance el nivel de sus años mozos. Con todo es una compra muy recomendable, merced a interpretaciones como “Got To Get You Into My Life“, “Too Many People” / “She Came in Through the Bathroom Window” o “Helter Skelter“. No obstante, el momento cumbre del DVD -y la razón de su título-  es la conexión en directo que Paul realizó durante su concierto en Anaheim, California, con la Estación Espacial Internacional y durante la cual interpretó “Good Day Sunshine” y “English Tea” para los astronautas Valeri Tokarev y Bill McArthur.

En medio de el torbellino mediático que seguían suponiendo los pormenores de su separación, Paul rompe con su discográfica de toda la vida EMI “cansado de que pudieran tantas trabas a todo y fueran tan lentos” para fichar por el nuevo sellos discográfico Hear Music -propiedad de la cadena Starbucks- en donde, en junio de 2007, lanza su nuevo disco: “Memory Almost Full” (enlace a review en Guilletek’s).

El propio Paul recuerda sobre este álbum, “Comencé las canciones de este disco antes de “Chaos and Creation in the Backyard”. Cuando estaba finalizando todo lo relacionado con Chaos, me di cuenta de que tenía este álbum sobre el que volver. De modo que lo escuché de nuevo, preguntándome si lo disfrutaría, todo lo que hice fue escuchar un par de cosas y luego comencé a pensar: “Bien, me gusta ese tema, ¿qué hay de malo en él?”, así que decidí acabarlo”. La crítica le otorgó altísimas calificaciones situándolo a la par de “Flaming Pie” (1997) y el reciente “Chaos” (2005). El público también respondió, elevando el disco al número 3 en USA y al 5 en UK.

Es un muy buen álbum que, aunque para mí no llega al nivel de “Chaos” o “Flaming Pie”, demuestra que Paul tiene aún cosas que decir. McCartney vuelve a tocar y cantar todo y hay un puñado de canciones de gran nivel como los singles “Dance Tonight” y “Ever Present Past“, “See Your Sunshine“, “Only Mama Knows“, la preciosista “You Tell Me“, “Vintage Clothes“, el excelente rock de “That Was Me“, “House Of Wax“…, además tenemos dos muy buenas canciones con “mensaje” a Heather: la brillante “Mr. Bellamy” y la soulera “Gratitude“. Buen disco de Paul.

Un par de meses después, en  agosto de 2007, Ringo lanza su recopilatorio “Photograph: The Very Best of Ringo“, sin duda, el recopilatorio definitivo de la carrera en solitario de Ringo Starr y un disco muy recomendable que el baterista edita en su vuelta a la discográfica EMI/Capitol. Todas las mejores canciones de Ringo entre 1970 y 2007 están en este disco que alcanzó un meritorio puesto 26, su mejor resultado en años.

En septiembre de 2007 se estrena la película “Across the Universe“, un musical dirigido por Julie Taymor, Algunas estrellas como Bono (Dr. Robert), Eddie Izzard (Sr. Kite), Joe Cocker o  Salma Hayek, participan  en esta historia en la que Jude (Jim Sturgess), un joven trabajador, deja Liverpool para buscar a su padre en Estados Unidos. Allí, Jude conoce a múltiples personajes del movimiento anti-bélico que sirven de prefecto trasfondo a las más de 30 versiones de temas de los Beatles que componen la banda sonora.

En noviembre del mismo año, Paul edita “The McCartney Years” un triple DVD con vídeos musicales, interpretaciones en directo y material inédito de su carrera en solitario de Paul McCartney entre 1970 y 2005. Los primeros dos discos contienen videos promocionales, desde “Maybe I’m Amazed”, de 1970, hasta “Fine Line”, de 2005.  El tercer y último disco incluye siete canciones del largometraje de 1980 Rockshow, interpretadas durante su etapa con Wings, una nueva edición de la aparición de McCartney en MTV Unplugged y once temas del concierto ofrecido por McCartney en el Festival de Glastonbury en 2004, como parte de su gira ’04 Summer Tour.

La actividad de Ringo continuó con la edición, en enero de 2008, de su nuevo álbum de estudio, “Liverpool 8“. Producido por el habitual productor de Ringo  Mark Hudson y el Eurythmic Dave Stewart, el CD es más de lo mismo: nostalgia inofensiva, producción y ejecución musical impecables y, seamos claros, mucha mediocridad. La primera vez que escuchas el disco resulta agradable y canciones como “Liverpool 8” hacen asomar una sonrisa a tu cara, pero conforme el disco termina, es probable que no recuerdes una sola canción. Ringo lleva varios años repitiendo fórmula y comienza a estar agotada

En marzo de 2008, se resolvió finalmente el divorcio de Paul y Heather. Fue un proceso muy mediático, seguido tanto por la prensa “seria” como por la prensa rosa británcia. En un principio ella pidió 125.000.000 de libras ante los 16.000.000 que ofrecía el abogado de McCartney. En la sentencia el juez Hugh Bennett calificó los testimonios de Mills como “faltos de realidad, inconsistentes, inexactos y poco menos que cándidos”. La modelo, que decidió representarse a sí misma durante los seis días que duró el juicio, fue calificada en dicha sentencia como “la peor enemiga de sí misma, con un carácter voluble y explosivo”, en oposición, el juez calificó a McCartney como una persona “consistente, exacta y honesta”. Finalmente se resolvió con 24.300.000 de libras más una paga de 35.000 libras anuales para los cuidados y educación de la hija de ambos, Beatrice. Paul declaró:  “Se acabó, ya no más caos, ya no más Heather…, tendré paz al fin. Heather fue un error, pero siempre hay un lado positivo, me ha dado una hija maravillosa”.

A pesar de la turbulencia del divorcio con Heather, la vida sentimental de McCartney gozaba de buena salud, puesto que, desde hacía aproximadamente un año (principios de 2007) había comenzado una relación con la empresaria norteamericana Nancy Shevell, a la que ya conocía puesto que era una de las mejores amigas de Linda

Cerrado el capítulo Mills, McCartney, llamó a su otra “mitad electrónica” para editar, en noviembre de 2008, el tercer trabajo del proyecto The Fireman, “Electric Arguments” (enlace a review en Guilletek’s). Por primera vez los nombres de McCartney y Youth aparecen en la portada y su trabajo tiene una orientación más comercial que experimental. De hecho, es el primer disco del Bombero en el que encontramos voces (de Paul, claro) en unas canciones que McCartney escribió en su totalidad y Youth arregló de forma contemporánea. La crítica recogió el álbum con alborozo, BBC Radio, calificó el álbum de “brillante”, Uncut lo nombró disco del mes y habló de “una asombrosa colección de aventuras eternas que toca los mejores aspectos del sonido actual”, el Daily Telegraph definió el álbum como “un placer puramente escuchable con un gran sentido de la espontaneidad y de la imaginación musical”. Recibió un mínimo de 4 estrellas sobre cinco en la mayoría de las publicaciones musicales y es que “Electric Arguments” es tan bueno como sorprendente. “Nothing Too Much Just Out of Sight“, la brillante “Two Magpies“, “Travelling Light“, el single “Sing The Changes“, la tremenda “Highway“. Un disco soberbio.

El 4 de abril de 2009, Paul acudió como invitado al festival benéfico “Change Begins Within”, organizado por el cineasta David Lynch (enlace al show) en Nueva York. Paul arrancó su set  tocando “Drive My Car”, a la que sucedieron “Jet”, “Got To Get You Into My Life”, “Let It Be”, dedicó “Here Today” a John Lennon, atacó “Band On The Run” y entonces llegó el momento y Paul dijo “en este momento me gustaría presentaros a alguien que seguro conocéis: ¡¡Billy Shears!!”. Ringo subió al escenario y cantó “With a Little Help from My Friends” en un momento absolutamente histórico. El público respondió con una larga ovación, pero no había terminado, Ringo cogió las baquetas y tocó junto a Paul “Cosmically Conscious” y “I Saw Her Standing There” como fin de fiesta.

Pocos meses después, Ringo y Paul volvieron a coincidir  en un escenario en junio de 2009, durante la celebración del E3, el más importante festival de entretenimiento electrónico del mundo. Starr y McCartney acudieron invitados, junto a Yoko y Olivia Harrison, para promocionar el videojuego The Beatles: Rock Band. El juego en sí es un interesante producto beatle, no sólo por las excelentes cinemáticas con el grupo como protagonista (sobre todo la de apertura y la que aparece al final del juego), ni por las excelentes recreaciones de los músicos, ni siquiera por ser un juego extremadamente divertido…, sino por el excelente trabajo de remezcla y remasterización que realizó Giles Martin. Excelentes remezclas  y gran juego.

También en junio se edita “Let It Roll: Songs by George Harrison“, un estupendo recopilatorio de la carrera de Harrison como solista y aunque, como siempre cuando hablamos de los grandes, se echan de menos algunas canciones, es sin duda el mejor recopilatorio de George. Alcanzó un puesto número 4 en listas.

El inagotable Paul vuelve a la carretera en julio de 2009 con una gira de 10 fechas por Norteamérica.

Pero la gran noticia Beatle de la primera década del siglo XXI llegaría el 9 del 9 del 9, el nueve de septiembre del año 2009: la remasterización de toda la discografía de los Beatles. Desde la grabación de los discos, la única revisión de la discografía del grupo se produjo en ¡¡1987!!

Los Beatles suenan como nunca en esta nueva remasterización en la que cada disco se acompaña de un pequeño documental sobre la grabación del álbum en cuestión. Se reeditan los 13 discos del grupo (usando la versión americana de “Magical Mystery Tour”), más la recopilación de singles que no aparecían en ningún LP “Past Masters”.

Editados en una caja con todo lujo de detalles, los CD’s intentan replicar el formato de los vinilos originales y se publican en dos formatos: estéreo y mono. Especialmente interesante resulta la versión mono de la discografía que es, no lo olvidemos, tal y como los Beatles concebían su música hasta “Abbey Road”, al punto que John Lennon llegó a decir “no has escuchado Sgt. Pepper’s si no lo has hecho en mono”…, y algo -o mucho- hay de cierto en ello. Especialmente en la etapa 1963-1967, el grupo suena mucho más potente y compacto en las versiones mono que en las estéreo.

Pero hay muchas más diferencias que la mera distribución del sonido, la diferencia técnica, a grandes rasgos entre mono y estéreo es que mientras el sistema mono utiliza un solo canal de información el estéreo utiliza dos, el izquierdo y el derecho. Que algo suene por dos altavoces  hace que lo que suene sea estéreo, para serlo cada canal debe tener información-sonidos distintos.

En el caso de los Beatles, tenemos que, a diferencia de lo que pasa hoy en día, en que el estéreo es lo habitual (y se hace compatible con equipos mono -TV, Radio FM etc.), en su época el estándar era el mono y el estéreo era un artículo de lujo que sólo tenía predicamento en Estados Unidos. La mezcla estéreo es hacía por cumplir con Capitol USA sin poner demasiado empeño en el asunto, el mismo George Martin confesaba poco interés por ellas. A este respecto, el ingeniero de sonido Geoff Emerick dijo, “las mezclas mono eran la prioridad número uno, al estéreo le costó establecerse en Inglaterra. La mejor copia de Sgt. Pepper es la versión mono porque nos pasamos tres semanas mezclándola y la versión estéreo fue mezclada en dos días y medio. Nadie se da cuenta de que todo el esfuerzo se ponía en la mezcla mono porque nunca monitoreábamos en estéreo. Todo salía por un altavoz. Así era que lo escuchábamos”. A esto tenemos que sumarle que las sesiones de las versiones mono y estéreo se hacían con lapsos de varios meses entre ambas y la ausencia de informatización… Las diferencias entre mezclas eran lógicas a todos los efectos.

Hay algunas canciones con curiosas diferencias entre ambas versiones, por ejemplo en “Help!”, las voces de la versión mono y  estéreo son distintas y hasta hay una diferencia en la letra: en la versión mono John dice “AND now these days are gone” y en la estéreoBUT now these days are gone”. Tampoco hay pandereta en la versión mono. En “Lucy In The Sky With Diamonds”, vemos que la mezcla mono presenta diferencias de velocidad, pitch (es un poco más lenta) y, consecuentemente, de timbre (un tercio de semitono más bajo) y que las voces tiene efecto flanging (el antecesor del flanger). En la mezcla estéreo no se hizo ninguna de estas dos cosas, por lo que suena un poco más rápida, un tercio de semitono más arriba y sin el flanging.  En “She’s Leaving Home”, la máquina de reproducción corría con el sincro a 53 ciclos por segundo en la versión mono resultando, además de bastante más rápida, un semitono entero más alta que la edición estéreo.

Elegir entre una versión y otra acaba siendo una cuestión de gustos. Estos vídeos son una buena muestra de las diferencias entre ambas versiones: vídeo 1, vídeo 2.

En noviembre de 2009, McCartney edita “Good Evening New York City“, un nuevo álbum y DVD en directo recogiendo su gira veraniega de ese mismo año. Entre el repertorio Beatle, además de sus habituales, añade “I’m Down“, “Day Tripper” un bonito homenaje a John con “A Day in the Life/Give Peace a Chance” y una versión de “I Saw Her Standing There” con la colaboración de Billy Joel. De sus canciones en solitario cabe destacar la  inclusión de los clásicos de Wings “Mrs. Vanderbilt” y “My Love“, así como la interpretación en directo de dos temas de su grupo paralelo The Fireman, “Sing The Changes” y “Highway“.

La primera década del siglo XXI acaba con un Beatle de 67 años, llamado Paul McCartney, volviendo a la carretera con su nueva gira “The Good Evening Europe Tour”

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 11 de mayo de 2013.

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The Beatles. Capítulo 22 (2000-2004). La muerte de George, “Let It Be…Naked” y el último concierto de Paul en España.

El primer lanzamiento de los Beatles en el siglo XXI no pudo ser mejor, 13 de noviembre de 2000, Se edita “The Beatles 1“, un recopilatorio de las 27 canciones del grupo que alcanzaron el número 1 de las listas en Inglaterra y/o Estados Unidos. De esta forma, el CD, contenía “Love Me Do”, “From Me To You”, “She Loves You”, “I Want to Hold Your Hand”, “Can’t Buy Me Love”, “A Hard Day’s Night”, “I Feel Fine”, “Eight Days A Week”, “Ticket to ride”, “Help!”, “Yesterday”, “Day Tripper”, “We Can Work It Out”, “Paperback Writer”, “Yellow Submarine”, “Eleanor Rigby”, “Penny Lane”, “All You Need is Love”, “Hello, Goodbye”, “Lady Madonna”, “Hey Jude”, “Get Back”, “The Ballad of John and Yoko”, “Something”, “Come Together”, “Let It Be” y “The Long and Winding Road“. Las ventas del disco superan las mejores previsiones: debutó en el número uno en la lista de ventas de 35 países, batiendo todos los récords y conviertiéndose en el álbum con mejor debut de la historia, vendiendo 10 millones de ejemplares en un mes. En 2009 fue declarado el disco más exitoso de la década con más de 30 millones de copias vendidas.

Es un muy buen recopilatorio pero, al centrarse sólo en los singles megahits del grupo, quedan fuera grandes joyas. No hay temas de “Rubber Soul”, “Sgt. Pepper’s” ni del “Álbum Blanco” (no extrajeron singles) y quedan fuera joyas que aunque no fueron número 1, sí fueron muy populares: “All My Loving”, “And I Love Her”,  “Michelle”, “Drive My Car”, “Girl”, “Norwegian Wood”, “Here There And Everywhere”, “For No One”, “Taxman”, “Sgt Pepper´s”, “With A Little Help From My Friends”, “Lucy In The Sky With Diamonds”, “A Day In The Life”, “Magical Mystery Tour”, “I Am The Walrus”, “The Fool On The Hill”, “Strawberry Fields Forever”, “Penny Lane”, “Back In The USSR”, “Blackbird”,  “Here Comes The Sun”… En fin, que el “Rojo” y el “Azul” son recopilatorios mucho más completos, si bien este “One” es un excelente repaso por la faceta más comercial del grupo. Una delicia con un éxito grandioso.

A estas alturas Paul empezaba a dejarse ver con la modelo Heather Mills, conocida por su activismo tras perder una pierna tras ser atropellada por un motorista. Mills y Paul se conocieron durante un evento benéfico organizado por ella para conseguir fondos con la finalidad de ofrecer tratamientos de prótesis a personas necesitadas. McCartney quedó prendado de ella y a los pocos meses estaban saliendo juntos, para regocijo de la prensa del corazón británica. Los hijos de Paul no aceptaron bien a Heather y, especialmente, Stella -ya en esta época una famosa diseñadora de moda- veía en ella una cazafortunas que intentaba ocupar el puesto de su madre. No obstante, Paul persistió en su relación y empezó a dejarse ver acaramelado con Heather en varios “saraos” londinenses.

El 7 de mayo se edita el que probablemente sea el mejor recopilatorio de Paul: “Wingspan: Hits and History“. Si bien el doble CD sólo recoge el periodo 1970-1984, la selección es fabulosa y sirvió para que el disco, al que acompañó un documental para TV, alcanzará el segundo puesto en las listas de ventas. Allmusic escribe, “Ha estado minusvalurado. La discografía de McCartney en solitario es rica y meritoria, y si tienes que convertirte este álbum es la mejor forma de empezar”

El 11 de septiembre de 2001, el día de los atentados de las Torres Gemelas de Nueva York, Paul y Heather estaban en el aeropuerto de NY. McCartney pudo ver, desde los televisores de la terminal, el derrumbamiento de las Torres del WTC. De vuelta a su hotel “tenía que dejar salir todo los que estaba sintiendo, y lo más fácil para mí era componer una canción”. Paul reaccionó  y organizó junto al productor cinematográfico Harvey Weinstein The Concert for New York City, un macroconcierto que tuvo lugar en el Madison Square Garden el 20 de octubre y que contó con la colaboración de un gran número de artistas: Eric Clapton, Mick Jagger, Keith Richards, Elton John, James Taylor, Billy Joel, Bon Jovi, Sheryl Crow, The Who… y, por supuesto, Paul, quien , ataviado con una camiseta en tributo a los bomberos de Nueva York interpretó “I’m Down“, una conmovedora versión de  “Yesterday” sólo con cuerdas y “Let It Be” con todos los partcipantes del concierto sobre el escenario. No obstante, lo más destacado fue el estreno de esa canción que Paul había compuesto justo el día de los atentados: “Freedom“, una sencilla y emotiva canción que se convirtió en el himno oficioso post-atentados.

Un nuevo brío a causa de su nueva relación, Paul edita el 11 de noviembre de 2001 su nuevo álbum de estudio, el primero tras cuatro años de silencio desde la publicación del fabuloso “Flaming Pie” de 1997. Para “Driving Rain” (enlace a crítica en Guilletek’s), título del álbum, Paul reclutó una nueva banda, en un ejercicio muy similar al que hizo en 1989 con “Flowers In The Dirt”: quería editar un álbum para salir de gira.  Los elegidos fueron Rusty Anderson (guitarras y voces) y Abe Laboriel Jr. (batería y voces). McCartney también quiso dar a su música un aire más contemporáneo contando con los servicios del productor David Khane (The Strokes, Sugar Ray)… Pero el disco no tuvo éxito y no paso del puesto 26 en Estados Unidos y del 46 en Inglaterra.

Y es que, aunque el álbum tiene momentos brillantísimos como el inconmensurable “From A Lover To A Friend” en la que Paul parece pedir permiso a la fallecida Linda para empezar su nueva relación, la potente “About You“, el baladón “I Do” o el maravilloso pseudo instrumental “megabeatelero” “Heather“, dedicado como “Your Loving Flame” a su nuevo amor, el resto del disco es de agradable escucha pero considerablemente anodino

Entre tanto George recibió una pésima noticia, su cáncer se había reproducido. En ese momento George supo que iba a ser el fin y tomó una firme decisión: asegurarse de que su muerte causara el menor dolor posible a sus seres queridos, especialmente a Olivia y Dhani, su mujer y su hijo. Una persona cercana a Harrison afirmaba que planeó su muerte “como un faraón egipcio”.

Poco después del ataque que sufrió en su casa y que vimos en el anterior capítulo, se centró en finalizar un nuevo álbum de estudio en el que quería que Dhani, su hijo, participara. George recuperó algunas canciones que había grabado en la época de “Cloud Nine” y para el resto fue contando, además de con Dhani, con algunos músicos amigos como Jim Keltner y Jeff Lynne (que además se encargaría de la producción). No obstante, el estado de George fue empeorando y decidió trasladarse a Suiza donde se sometió a un un tratamiento a base de rayos de cobalto a cargo del famoso oncólogo Franco Cavalli. Durante su estancia en aquel país, él y Olivia se compraron una villa llamada Collina d’Oro, en la pintoresca Montagnola -al lado del lago Lugano- donde George pudo disfrutar de su enorme afición a la jardinería y desplazarse, a duras penas, a un estudio de grabación sin levantar el revuelo de la prensa. A estas alturas, George ya no podía andar y se desplazaba en silla de ruedas. Su hijo Dhani recuerda “Nunca sintió pena de si mismo ni se deprimió. Tomamos la actitud de “bueno, es lo que hay”. Él solía decir ‘oh, cuando me vaya vas a tener que terminar todas estas canciones’ y yo le decía ‘bueno, no si tú las terminas primero, así que levanta el culo… Discutíamos sobre las canciones tanto que me dejo con una buena idea de qué es lo que quería”

Pero, desgraciadamente, en torno a octubre el profesor Cavalli  reconoce que el tratamiento había fallado y que la situación de George no iba a mejorar. Harrison seguía teniendo esperanzas pero, de forma tranquila, quiso empezar a prepararse para lo peor y comenzó a comentarle a Olivia cómo quería que su vida terminara.

Los Harrison se trasladaron después a Nueva York para que George fuera tratado por otro especialista en cáncer, el  famoso Dr. Gil Lederman, que bombardeó el tumor de Harrison con radiación sin el menor resultado. La suerte estaba echada. Entre tratamientos, Harrison le dijo a Olivia que quería ver a todas las personas clave de su vida con las que le quedaban asuntos por resolver: Paul fue uno de los primeros. La relación con McCartney había mejorado sensiblemente tras los Anthology y la muerte de Linda (a cuyo funeral George asistió), pero durante casi 25 años había sido inexistente. Cuando se encontraron, ambos se fundieron en un abrazo y lloraron amargamente. El resentimiento ocasionado por las eternas batallas legales que tuvieron en los 70 tras la separación de los Beatles, fue enterrado definitivamente…, “Nada de eso importa ya”, dijo George a su viejo amigo.

Después Harrison se preocupó de los detalles finales. Tras lo sucedido con John Lennon, tenía claro que no quería el lugar de su muerte se convirtiera en un lugar de peregrinación para fans. La única manera segura de evitar que esto ocurriera era mantener el máximo secreto sobre su paradero. La relación de Paul y George se hizo muy fuerte en los últimos días de la vida de Harrison, así que Paul, sabedor de los deseos de George, le ofreció su recién comprada mansión de Beverly Hills (Heather Road 9536), como último destino. George, agradecido, aceptó y el jueves 22 de noviembre,  fue transportado en secreto en su jet privado a la casa de se amigo. Paul recuerda el momento y como le impresionó que George le cogiera la mano: “es gracioso, pero incluso cuando éramos muy amigos, siendo jóvenes, jamás nos dimos la mano. Estuve sentado junto a él durante horas mientras le aplicaban el tratamiento para el cáncer, le quedaban pocos días para morir. Hacíamos muchos chistes, cosas simplemente divertidas, locas. Estuvo bien. Era como si soñáramos”. Cuando Paul y Heather salieron de la casa, McCartney rompió a llorar, tenía claro que no volvería a ver a George.

Harrison pasó sus últimos días en cama. Pidió la presencia de dos devotos Krishna que se turnaban para cantar el “Hare Krishna” una y otra vez, un detalle muy importante para Harrison puesto que, según esta religión, cualquiera que oiga el nombre de Krishna en el momento preciso de su muerte irá directo hacia Dios. El día 29 de noviembre de 2001, George Harrison murió, tranquilo y en silencio.

Las reacciones de sus amigos no se hicieron esperar. Paul McCartney afirmó “Le echaremos en falta. Era un tipo grande, repleto de amor por el mundo y que tenía poca paciencia con las estupideces de la gente. Estoy hundido y muy triste… Era como mi hermano pequeño. Sabíamos que estaba enfermo desde hacía mucho tiempo. Era un tipo adorable y un hombre muy valiente, dotado de un fantástico sentido del humor”Yoko Ono, dijo que la vida de Harrison fue “mágica” y dio mucho con su música, su ingenio y su sabiduría. Gracias, George, fue grandioso conocerte”,. Ringo fue escueto, “era mi mejor amigo. Lo echaré en falta por su sentido del amor, de humor y  su sentido de la música”.

Como última broma y por insistencia de George, en el parte de defunción se puso que el lugar de su muerte había sido el 1971 de Coldwater Canyon, una dirección inexistente. Lo que George no midió es que cuando, inevitablemente, el engaño salió a la luz, un juez de Los Ángeles abrió un caso por falsificación de documentos haciendo que Olivia se enfrentara a una pena de hasta seis meses de prisión.  El tema no fue solucionado hasta el 16 de marzo de 2002, fecha en la que fue archivado.

A principios de Diciembre de 2001, la familia Harrison trasladó las cenizas desde Los Ángeles hacia un destino desconocido. Aparentemente iban a ser arrojadas en el jardín de su villa suiza, pero nadie ha podido confirmarlo, a día de hoy, no se sabe si el destino final de los restos de George fue el país alpino o la aguas del río Ganges en la India.

En abril de 2002, Paul completó su banda con el guitarrista/bajista Brian Ray y el teclista Wix Wickens, con el que ya había colaborado en sus giras de los 90. Brian y Wix se unieron a Paul, Rusty Anderson y Abe Laboriel Jr para comenzar “The Drivin USA Tour”, una gira de 27 fechas por Estados Unidos y Cánada que McCartney interrumpe en Junio de 2002 para casarse con Heather Mills.

Paul y Heather se casaron en un castillo emplazado en el condado de Monaghan -en la campiña Irlandesa- dándose el “sí quiero” al compás de “All You Need Is Love”. Entre los 300 invitados estaban Ringo y algunos amigos músicos como Eric Clapton o David Gilmour. Los tres hijos de Paul y Linda, Mary, Stella y James, que se opusieron frontalmente a su padre cuando les anunció su compromiso con Mills, finalmente decidieron asistir al evento, al igual que Heather -hijastra de Paul e hija de Linda.

Paul gastó 3 millones de dólares en la celebración de la boda, convirtiéndola en la segunda más cara de la historia tras la de Liza Minelli y el productor David Guest

Tras la resaca de la boda y cumplido el preceptivo viaje de novios, Paul vuelve a lo suyo y continúa la gira con 32 conciertos por Norte América y Asia, desde septiembre a noviembre de 2002. Fue una gira de gran nivel, con Paul en una excelente forma vocal y la banda sonando de forma muy convincente. McCartney versiona además algunas canciones de los Beatles que aún no había tocado nunca en directo (“Hello Goodbye” (enorme), “Getting Better“, “Mother Nature’s Son“, “You Never Give Me Your Money“. No obstante este “Back In The US Tour” será recordado por los sendos homenajes a sus fallecidos compañeros John y George: con “Here Today” Paul retoma la canción que, en 1982, dos años después de su asesinato, dedicó a John Lennon… y es demoledora oírla veinte años después. Tanto o más emotivo resulta el homenaje a George: Paul toma uno de los instrumentos preferidos de George, el ukelele, para realizar una soberbia versión de una de las mejores canciones que Harrison nunca compusiera, “Something“.

McCartney puso fin a esta exitosa gira, con casi 130.000.000 de dólares recaudados, editando -sólo en Japón y Estados Unidos- el brillante doble CD y DVD en directo “Back In The US“. A pesar de ser el sexto álbum en directo de Paul, consiguió un buen rédito comercial alcanzando el puesto número 8 en listas. Aunque, sobre todo, y a pesar de su indudable calidad musical, este álbum será recordado porque McCartney -como hiciera en 1976 con “Wings Over America”-  alternó el nombre de los apellidos de la dupla “Lennon-McCartney” en la firma de las canciones de los Beatles. Así, las canciones de los Beatles que Paul interpretó en esta gira aparecen firmadas como “McCartney-Lennon”… Pero, ¿por qué hizo esto Paul?. En primer lugar, recordemos que Paul y John llegaron al acuerdo de firmar juntos todas las canciones que cualquiera de los dos compusiera, así Paul aparece en los créditos de “Help!” o “Strawberry Fields Forever” cuando es una canción e John y de igual forma Lennon aparece en los de “Yesterday” o “Hey Jude” cuando no aportó nada a las mismas. Paul y John acordaron que el orden fuera Lennon-McCartney aunque acordaron que los créditos podían invertirse si alguno de ellos quería en cualquier versión futura (de hecho Paul, en vida de John, lo hizo en  en 1976 con “Wings Over America” y Lennon dijo públicamente “no hay problema con eso”). A principios de los 90, Paul llamó a Yoko para solicitarl el cambio de orden en “Yesterday”, pero Ono se negó.

McCartney respetó el orden clásico en en 1976 en sus anteriores trabajos en directo: “Tripping the Live Fantastic” (1990), “Unplugged” (1991) y “Paul is Live” (1993), pero decidió cambiarlo tras comprobar que Yoko había quitado su nombre de “Give Peace a Chance” en la edición del recopilatorio “Lennon Legend: The Very Best of John Lennon” en 1997. Es cierto que Paul no escribió ni una letra ni aportó una nota a “Give Peace a Chance“, y eso es lo que Yoko justificó para quitar su nombre de los créditos, pero John en su momento firmó la canción como “Lennon-McCartney” puesto que la editó siendo un Beatle (1969). Paul, de forma un poco infantil, respondió a la “ofensa” alternando el orden de los nombre en los créditos y provocando declaraciones púbicas altisonantes de Yoko Ono acusándole de no respetar la memoria de su compañero. Paul no volvería a hacerlo.

El 18 de noviembre de 2002, un años después de su muerte, se edita “Brainwashed“, el disco en el que George Harrison estuvo trabajando durante los últimos meses de su vida. En realidad Harrison llevaba trabajando sobre este álbum desde mucho tiempo atrás y algunas canciones -como la fabulosa “Any Road“- datan de 1988, pero fue a partir de 1999 cuando se puso a trabajar en serio sobre el mismo. Lamentablemente, George falleció sin terminarlo y fueron su eterno amigo y productor Jeff Lynne y su hijo Dhani Harrison quienes lo terminaron. No obstante Lynne afirma que, “George había dejado todo bastante claro, sólo hicimos algunos retoques. Él quería un disco muy honesto y no quería grandes producciones, solía decirme “Jeff, no quiero que suene pijo”, así que Dhani y yo no tuvimos que hacer mucho”. El álbum fue extraordinariamente acogido por la crítica y no es para menos. Es un gran disco, de lo mejor de Harrison en solitario, merced a grandes canciones como “P2 Vatican Blues (Last Saturday Night)“, “Pisces Fish“, “Looking For My Life“,  “Stuck Inside a Cloud“, “Rising Sun” o la maravillosa versión del clásico del jazz “Between the Devil and the Deep Blue Sea” en la que George se luce al ukelele. A pesar de las buenas críticas, el disco no tuvo un excesivo éxito, si bien alcanzó un puesto 18 en las listas de éxitos estadounidenses y al el 29 en el Reino Unido.

Apenas 10 días de editarse el disco, tiene lugar, en el Royal Albert Hall de Londres  “The Concert for George“, un tributo musical organizado por  la viuda de Harrison, Olivia, su hijo Dhani y su inseparable amigo Eric Clapton. El tributo, delicioso de principio a fin, arrancó con una sección de música india encabezada por Anoushka Shankar, hija del maestro de sitar de George, Ravi Shankar. Tras la sección de música india, aparecieron los grandes amigos de George Monty Python  cantando “Sit On My Face” y “The Lumberjack Song” (que cuenta con la colaboración de Tom Hanks).

Posteriormente grandes astros musicales interpretaron canciones de George con y sin los Beatles. Así, Jeff Lynne interpreta “The Inner Light“, “I Want to Tell You” y “Give Me Love (Give Me Peace on Earth)Eric Clapton se arranca con “If I Needed Someone” y “Beware Of Darkness“,  el Procol Harum Gary Brooker canta “Old Brown Shoe“, Joe Brown versiona “Here Comes the Sun” y “That’s The Way It Goes“, mientras Tom Petty y sus Heartbreakers tocan “Taxman“, “I Need You” y “Handle With Care” y Billy Preston junto a Eric Clapton se encargan de “Isn’t It A Pity“… Y entonces llega el plato fuerte de la noche: Ringo sube al escenario en medio de una gran ovación para interpretar “Photograph” y “Honey Don’t“…, para posteriormente decir  “Gracias, gracias, gracias… es un gran placer para mí presentaros a otro amigo de George… ¡¡Paul McCartney!!“, el Royal Albert Hall se viene abajo y Ringo se dirige a la batería mientras Paul sube al estrado, dos Beatles en un escenario, no ocurría desde 1970… Paul canta “For You Blue” y coge el ukelele para tocar “Something” junto a Eric Clapton en una versión espectacular que pone la carne de gallina de principio a fin y levanta al público de sus asientos. McCartney sigue siendo el protagonista  en “All Things Must Pass“, tras la cual se retira al piano para hacer los coros en la versión de “While My Guitar Gently Weeps” que canta Eric Clapton. Para el gran final, todos tocan “My Sweet Lord” y “Wah-Wah” (con la curiosidad de tener a Paul tocando en una canción que George compuso criticándole).

La presencia sobre el escenario de Dhani, calcado físicamente a su padre cuando tenía su edad,  resulta absolutamente evocadora. Dhani al final agradece a todos los amigos de su padre dsu presencia en el acto: “Sois los mejores amigos de mi padre. Él os quería y esto que hemos hecho es lo más bonito que podríamos hacer por él…, muchas gracias por todo Eric…, gracias a todos. Qué Dios os bendiga. Pasad un buen día”. En ese momento, Paul se acerca improvisadamente al micrófono y dice “con Dhani en el escenario parece que George se hubiera mantenido joven y el resto fuéramos viejos”, el úblico rompe en risas mientras Joe Brown pone el final a la gala tocando una de las canciones preferidas de George “See you in my dreams“, cómo no, al ukelele.

En marzo de 2003, Paul vuelve a la carretera con 33 fechas en Europa destacando el concierto que el 24 de mayo ofreció en la plaza roja de Moscú  y del que se editó el DVD “Paul McCartney in Red Squareque tuvo un gran éxito de ventas. Concluida la gira, edita el doble cd “Back in the World“, que se diferencia del anteriormente editado (sólo en USA y Japón) “Back In The US” en el reemplazo de “Vanilla Sky” (banda sonora de la película de Tom Cruise), “C Moon” y “Freedom” por “Calico Skies“, “Michelle”, “Let ‘Em In” y “She’s Leaving Home“, y que obtuvo un notable éxito comercial alcanzando el número 5.

Ese mismo mes, Ringo edita “Ringo Rama” con su nueva compañía discográfica, Koch Records. El álbum es bueno y recibió críticas elogiosas -Allmusic dijo: «Ringo Rama es un disco bueno y agradable. No tanto como “Time Takes Time” o “Vertical Man”, pero es bueno”-, aunque sólo llegó al puesto 113 en listas. No obstante siempre será recordado por la inclusión del tema Never Without You“, que cuenta con Eric Clapton a la guitarra y  que Ringo compuso poco después de la muerte de George dedicándolo a su memoria: “Éramos jóvenes, fue divertido y no podíamos perder / Fuimos noticia de primera plana, días y noches de locura, limusinas y focos, fuimos hermanos a pesar de todo  /  Y tu canción seguirá sonando sin ti, y este mundo no te olvidará. Cada parte de ti está en tu canción, ahora vamos a seguir adelante, nunca sin ti…”.

En cuanto a los Beatles como grupo, lo más destacable de este principio de siglo sería, sin duda, la edición, en noviembre de 2003, de “Let it Be… Naked“. Paul -cuya quinta hija, Beatrice, fruto del matrimonio con Heather Mills, había nacido un mes antes, en septiembre de 2003-, nunca estuvo satisfecho con el trabajo de Phil Spector, a instancias de John, había hecho con el LP de 1970 “Let it Be”, el que fuera último álbum del grupo. McCartney siempre había mostrado su desagrado con la forma en la que el productor americano había producido “Let it Be”, y muy especialmente su canción “The Long and Winding Road” y quería mostrar cómo hubiera sido el álbum original sin la intervención de Spector.

De esta forma, el álbum es una revisión del último LP de los Beatles, eliminando toda las post-producción orquestal a cargo de Phil Spector, resultando un disco grabado en directo en el estudio. No hay trucos. McCartney encargó a los ingenieros de sonido de Abbey Road, Paul Hicks, Guy Massey y Allan Rouse que buscasen en los archivos y ensamblasen las distintas canciones con los 30 rollos de cinta grabados durante las sesiones del proyecto “Get Back” de enero de 1969. Los ingenieros realizaron un profundo trabajo, limpiando digitalmente cada pista de cada canción antes de remezclarla. El sonido se ha limpiado de tal forma que te parece que los cuatro Beatles están tocando a tres metros de ti. Es un resultado espectacular.

El álbum arranza con “Get Back“, tomando como base la versión que se utilizó para el single y con un sonido muy mejorado. Se ha editado la extensión final y resulta corta pero muy intensa. En este caso me quedo con la versión de 1969, no como en el caso de “Dig A Pony” o “For You Blue” que, aunque en poco o nada cambian respecto a la versión original, lucen fantásticas con la remasterización de sonido.

Con “The Long And Winding Road” llegamos al tema de la discordia. Suena muy distinta. No es ni siquiera la versión original sin orquesta, sino que es la toma 19, la que aparece en la película “Let It Be”. A mí me gusta más la versión de Anthology 3 (la del LP original sin orquesta) pero, desde luego, esta es mucho mejor que la de Spector. ¿El sonido? Espectacular. Ringo quedó impresionado con la versión cruda de la canción: “No hay nada malo con los arreglos de Phil Spector, es sólo que uno adopta una actitud diferente al oírla. Han pasado treinta años y he flipado”. Por su parte el propio Phil Spector declaró: “McCartney es un hipócrita. No tuvo ningún problema recibiendo el Óscar por el álbum Let It Be, y lleva tocando la jodida canción durante 25 años… Si Paul quiere entrar a un concurso de meadas sobre esto, se equivoca conmigo. A mme confunde con alguien quien no le importa una mierda”.

El álbum continua con “Two Of Us”  que suena maravillosa, y con una remezcla de “I’ve Got A Feeling” que fusiona las dos versiones en directo que los Beatles tocaron en el celebre concierto de la azotea con un resultado  brillante. Muy dinámica y muy potente, mejor que la original, lo mismo que le ocurre a “One After 909“, la limpieza de sonido se luce mucho en este rock clásico.

Don’t Let Me Down” es la otra gran novedad del álbum. En el LP original no estaba y sólo fue editada como single. Es la fabulosa y acelerada versión del concierto en la azotea …¡Qué buenos eran los Beatles del 69 en directo! Por su parte, “I Me Mine” y “Across the Universe“, aparecen sin la orquestación de Spector y con un sonido muy mejorado. Fabulosas.

Y para el final, “Let It be“, con un sonido enorme, muy mejorado. Escuchad esos coros…, parece que cantan a tu lado… El disco se acompaña de un segundo CD, “Fly On The Wall” con diálogos y fragmentos musicales de los ensayos del álbum. El álbum recibió críticas divididas de la prensa musical, la mayoría lo acogió con regocijo, pero no faltó quien acusó a Paul de no respetar el legado del grupo y actuar a espaldas de sus ex. No obstante, el proyecto contó con el visto bueno de Ringo, Yoko y Olivia.

“Si hubiésemos tenido la tecnología de hoy en ese momento sonaría así de esta forma, porque este es el ruido que nosotros hacíamos en el estudio”, comentó Paul McCartney. “Es exactamente lo que se vivió en el estudio, es como si estuvieras ahí”.

El día de su salida al mercado, el disco vendió cinco millones de copias, alcanzando un puesto número 5 en Estados Unidos y el 7 en Inglaterra.

Un mes después de la edición de “Let It Be… Naked”m en noviembre de 2003, EMI edita un doble CD y DVD recogiendo el maravilloso “Concert For George” en homenaje a la memoria de George Harrison que se había celebrado un año antes. Excelente documento de un evento inolvidable. Imprescindible.

Poco después, en febrero 2004, el fallecido George volvió a la actualidad con la edición de  “The Dark Horse Years 1976-1992“, un box set de George Harrison con todo su catálogo que Harrison publicó bajo su sello propio, Dark Horse Records. De esta forma la caja contiene Thirty Three & 1/3″, “George Harrison”, “Somewhere In England”, “Gone Troppo” , “Cloud Nine” y “Live In Japan”.

Y el que no había dejado de estar de actualidad era Paul McCartney quien, en mayo 2004, se embarca en una nueva gira: The ’04 Summer, una gira europea de dos meses y 14 conciertos que lo trajo por dos veces a España: Gijón y Madrid, y en ese segundo concierto, el de Madrid, estuvo un servidor.

Eran poco más de las dos de la tarde del 30 de mayo de 2004 cuando, aún con la comida en la boca, nos metimos en el coche camino a Madrid (desde Zaragoza). Lo único que sonó durante el viaje fue música de Paul y de los Beatles. En torno a las seis de la tarde nos plantamos en el Estadio de la Peineta y se nos cayó el alma a los piés: teníamos una cantidad ingente de gente delante de nosotros…, pero entonces comenzó la magia: casi pegado a la puerta de entrada vi una melena que me resultaba familiar y cuando se dio la vuelta… ¡¡era mi hermano!!! Yo sabía que iba a ir al concierto y pensaba llamarle una vez dentro del recinto pero no imaginaba que fuera a ir 5 o 6 horas antes a coger sitio. Automáticamente nos colocamos en las primeras filas.

19H, apertura de puertas. Si algún ojeador me hubiera visto driblar a seguratas a la entrada del estadio, hoy sería extremo titular del Barça o el Real Madrid. Pulvericé todas las marcas mundiales de velocidad y me coloqué en una honrosa quinta fila ( a unos 8/10 metros de Macca). Había conseguido lo más difícil, ahora todo sería disfrutar… tres horas de pié…

A las 22H comenzó el espectáculo previo al concierto: bailarinas, hombres zancudos, equilibristas. Todo aderezado con remezclas dance de algunos temas de Macca y , entonces, llegó el momento. Las luces se encendieron y la banda apareció en el escenario al son de los primeros acordes de “Jet”.

Paul comenzó espectante, contenido, pero cuando llegó el estribillo de la canción se dio cuenta (y su banda también) de que iba a ser una noche especial.30.000 gargantas cantaron el estribillo al unísono dando botes y palmas.  Sin mediar palabra, atacaron “Got To Get You Into My Life”, fuerte, potente, revitalizada. La gente seguía gritando (más que cantando) los estribillos, y comenzaron a verse las primeras lágrimas.

La banda asistía a lo que está ocurriendo con cierta incredulidad. La ovación final tras sólo dos canciones sonó atronadora y se comienzó a corear el nombre de Paul. Macca dice, “Creo que lo vamos a pasar bien esta noche” y hace gestos de complicidad con el resto de la banda. “Hola Madrid… Viva España..”, chapurreó Macca.

Acto seguido sonó “Flaming Pie”, la gente bailoteó pero la repuesta fue fría, quizás se estaban reservando para el “All My Loving”, enorme. Paul presentó la canción en castellano diciendo “Intentaré hablar en español, aunque sé pocas palabras“, luego volvió al inglés, “me parece que lo vamos a pasar bien esta noche”. Paul se mostraba incrédulo ante la respuesta del público y comenzó a entrar en calor. La audiencia estaba absolutamente entregada. Enlace a la comentado hasta ahora, primera parte del concierto: aquí.

Paul elevó su Hofner al cielo antes de dejarlo y coger por primera vez la guitarra. “Let Me Roll It”, perfecta, sin fisuras, la gente coreando… y la banda se improvisó un fragmento del “Foxy Lady” de Hendrix.  McCartney volvió a pedir la palabra y mitad inglés. mitad castellano dijo: “A veces compones una canción, la grabas, y te olvidas de ella. Esta canción sólo la toqué cuando la grabamos en los 60. No he vuelto a cantarla hasta esta gira así que, para vosotros, la primera vez que toco esta canción”.  La canción era “You Won’t See Me”. Suena fresca, como recién sacada del horno, nadie diría que llevaba en formol desde 1965.

Paul se quitó la chaqueta y volvió a coger su Hofner y dijo en castellano, “Muchas gracias señores, señoras, señoritas…, esta es otra canción que toco por primera vez“. Turno para “She’s A Woman”, ¿qué decir? Gloria bendita. La gente se volvía loca y, al final, de nuevo el bajo al cielo. El público volvió a corear el nombre de Paul. “Esta siendo una tarde preciosa, ¿verdad?”. Era el momento de empezar las presentaciones, y Paul lo hizo en castellano: “me gustaría presentaros a nuestro fantástico guitarrista: Rusty Anderson”. Rusty toma la palabra -“Hola qué tal, Madrid, solamente sé seis palabras en español y ya se me acabaron todas”- para luego elogiar al público. Enlace a la segunda parte del concierto aquí.

Paul se sentó al piano, con la primera nota de “Maybe I’m Amazed” el estadio se cae, surgen los primeros mecheros. Gran versión. Paul sabedor de que tiene al público en el bolsillo, ataca directo a la yugular: “The Long And Winding Road”. Sin palabras, las pantallas de fondo mostraban imágenes carreteras vacías, los pelos como escarpias mientras toda la banda excepto Paul abandonaba el escenario. Gritos de “Oe Oe Oe oeee” entre el público. “Siempre me hacen esto, me dejan solo con vosotros… y me encanta“. Las luces se apagan, un haz de luz ilumina a Macca y a su guitarra. Estaba a punto de producirse uno de los momentos mágicos de la noche. “Antes de que existieran los Beatles, George, John y yo juntamos cinco libras para grabar una maqueta. Esto es lo que hicimos, cantad conmigo” , Macca explicó al público el coro y comenzó a tocar “In Spite Of All The Danger” , una rareza pre-beatle, y el público hizo los coros perfectos, incluso los que Paul no había explicado. Paul estaba flipado, todo el mundo se sabía la canción gracias a “Anthology”…, le entró la risa varias veces durante el tema, era mágico. “Cantáis muy bien, ¿Por qué no grabamos un disco juntos?”. 

Paul explicó como compuso “Blackbird”  y el trasfondo ideológico de la canción (anti racista). Maravillosa interpretación. Luego se arrancó (seguía solo en el escenario) con “We Can Work It Out”, el publico cantó al unísono. Volvieron los gritos de “Pauuuul, Pauuuuul…”, pero nadie esperaba lo que llegaría después. “A veces en la vida no llegas a decir todo lo que te gustaría haberle dicho a una persona, no tienes la oportunidad , quizás porque te da vergüenza o por lo que fuera…, pero es muy triste que esa persona muera y te quedes con la sensación de no haberle dicho lo que te hubiera gustado decirle. Escribí esta canción después de la muerte de mi querido amigo John”, el público rompe a aplaudir, “¡aplaudid a John!”, ovación cerrada y coros “Joooohn, Joooohnnn…“, Paul repitió ahora en español, “escribí esto tras la muerte de mi amigo John” y comenzó a tocar “Here Today”. Cuando llegó a la parte central y repitió “I love you” hasta tres veces  visiblemente emocionado, el público rompió en aplausos a mitad de la canción. Cuando acabó se coreó el nombre de John y Paul señaló al cielo.

Paul estaba encantado, alguien gritó a voz en grito “I LOVE YOU PAUL” y resonó en el estadio…Él, crecido, contestó gritando desgarrado “I LOVE YOU TOO!!”, la gente acogió la broma con risas. Otro momentazo estaba al caer: “Esto lo quiero hacer en memoria de mi amigo George”, Paul comenzó a tocar la única canción que no fue compuesta por él entre todas las del repertorio, el fabuloso “All Things Must Pass” de George. Genial. Otra gran ovación y el nombre de George un nuestras gargantas. La gente, para compensar, comenzó a gritar “RINGO RINGO”, y Paul siguió la broma con unas estrofas de “Yellow Submarine”. Enlace a la cuarta parte del concierto aquí.

Los ánimos se tranquilizaron con “I’ll Follow The Sun”, en la que Macca repitió el final una y otra vez a modo de broma. Más aplausos. “Gracias Madrid, me gustaría presentaros a nuestro gran pianista: Paul “Wix” Wickens“, Wix tomó la palabra y elogió la actitud del público y nuestra buena voz (“estais locos pero cantáis muy bien”). Tras esto McCartney se volvió a sentar al piano y tocó una maravillosa versión de “For No One”. ¿Cómo puede alguien haber compuesto tantas canciones perfectas?. Siguiendo con la broma, volvió a acabar con el final de”I’ll Follow The Sun”. Todos reímos la gracia. Nos tiene en el bolsillo y se recrea haciéndonos corear de nuevo “In Spite Of All The Danger”. El set acústico concluye con unas geniales interpretaciones de  “Caliko Skies”, “I’ve Just Seen A Face” y “Eleanor Rigby”. Enlace a la quinta parte del concierto aquí.

A partir de ahora no hay tregua. Vuelve a  coger el Hofner. Con “Drive My Car” se desató la locura con la gente cantando la canción de cabo a rabo. “Penny Lane” supuso un pequeño descanso después de tanto meneo. Preciosa. Pero nada comparado con lo que pasó con “Get Back”. La gente se volvió loca. Hubo un momento en que la banda también se contagió de esa locura, se miraban entre ellos como diciendo “esto no es normal” y animaban a la gente dando saltos en el escenario. Brutal catarsis colectiva.  “Ahora os presento a un músico extraordinario…¿comprendéis mi español?…, ok, ¡¡Brian Ray!!“, Brian dijo unas palabras y, recuperadas las fuerzas, comenzó “Band On The Run” que se recibió con algarabía. Y, ahora sí, Paul se propone derrumbar el estadio… un ruido de un avión despegando y …”Back In The USSR” … Increible, las agujetas me duraron una semana.

“Y aquí está nuestro fabuloso batería: Abe Laboriel Junior”.  Abe (el batería) tomó la palabra y en castellano dijo: “¡¡Hola Madrid!!, ¿Cómo estáis?, ¿Estáis listos para el rock?, ¿sí?… Pero más importante, ¿Estáis listos para el fuego?… Aquí tenéis a Pablo McCartney”.”Live And Let Die” comenzó a sonar y cuando llegó el estribillo surgieron grandes columnas de llamas del escenario, decenas de fuegos artificiales invadieron el cielo… luces a mil por hora… más saltos,  más gritos,  más palmas… No podíamos con nuestra alma. Más “Oeeee Oeeee Oeeee” y entonces, una brutal “I’ve Got A Feeling” con Rusty y Abe haciendo las veces de John con el “Everybody’s has a wet dream…” Aún no me he recuperado del sock de escuchar esta canción en vivo.

“Muchas gracias… Yo estudié español en la escuela cuando tenía ocho años en Liverpool y sólo me enseñaros esto: “tres conejos en un árbol tocando el tambor, que sí, que no, que sí los he visto yo”… así está la educación en Inglaterra”. Risas. El final se acercaba y nadie quería que esto se acabara y Paul volvió a animar las gargantas con “Lady Madonna”. Enlace a la séptima parte del concierto aquí.

“Ahora amigos, amigas, muchachos, muchachas, señores, señoras…, cantad conmigo”. Era el final… y, ¡cómo no!, fue con “HEY JUDE”. Paul (y el resto de las 30.000 almas presentes) cantaron la mejor canción de la historia y cuando llegó el celebre “Na na na na Hey Jude”, Macca rindió un homenaje a su publico, las cámaras se giraron hacia la audiencia. Las pantallas gigantes (las más grandes de la historia), comenzaron a reflejar primeros planos de los presentes… Chicas jóvenes llorando, cincuentones dando palmas, un loco gritando detrás de una pancarta (yo). Emocionante.

La banda se abraza y saluda agradecida, se van del escenario, pero el público seguía cantando…“Na na na na Hey Jude”. Paul vuelve al escenario, pero no le dejan cantar…“Na na na na Hey Jude”… Paul se ve obligado a acompañar con la guitarra y ruega que paremos, al primer silencio se arranca con “Yesterday”. Aquí contribuí con unas lágrimas al ambiente de emoción general… Enlace a la octava parte del concierto aquí.

La banda vuelve…”Let It Be”…Los mecheros vuelven a escena… Paul coge de nuevo el Hofner, “¿Queréis más?”, “¡¡¡¡¡ Sííííííííí !!!!!”, respondemos , “Vale en ese caso… One, Two, Three, Fourrrrrr….”, “I saw her Standing There”. Acojonante. La banda abrazada, agradece la entrega y se va…

“Na na na na na HEY JUDE”
“Na na na na na HEY JUDE”
“Na na na na na HEY JUDE”

Paul sale corriendo con una enorme bandera española. Enlace a la novena parte del concierto aquí.

“Así que aún queréis más… Ok… vamos a darle al rock”. La banda vuelve, estamos agotados, pero nadie se quiere ir… Saben que nos tienen que dar la estocada final… Y sólo hay una canción que puede ser definitiva. “HELTER SKELTER”. Demoledor, brutal, salvaje…me quedo mudo… “Oh Madrid, sois un gran público, ¡gracias! pero os tenemos que dejar, nos tenemos que ir a casa, mañana tenéis que trabajar… Gracias a todos, sois geniales. Quiero dar las gracias a mi fantástica banda, pero sobre todo a vosotros”. Enlace a la décima parte del concierto aquí.

No podemos más y es la hora de rematarnos… “Sgt. Pepper’s” fusionado con el medley final de “Abbey Road” servirá de puntilla. Paul eleva su guitarra, la banda une sus manos y hace reverencias de agradecimiento. “Muchas gracias Madrid, muchas gracias España, ¡¡hasta pronto!!”. Enlace a la parte final del concierto aquí.  Llegué a casa (Zaragoza) a las cinco de la mañana. A las 7 estaba en pié para ir al curro. No dormí, pero pasé toda la noche soñando. Gracias Paul.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 4 de mayo de 2013

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The Beatles. Capítulo 21 (1996-1999). The Threetless Parte III. Cara (Anthology II y III) y Cruz (Linda y George).

Tras el shock del encuentro inicial, la relación entre los “Threetless” había mejorado mucho e incluso, con motivo de la serie de televisión “Anthology” llegaron a ser filmados tocando juntos en directo tanto en el estudio, como en una encantadora sesión campera al ukelele, en los jardines de Friar Park, la mansión de George. Fue entorno a febrero de 1995 que Paul, George y Ringo comezaron a trabajar sobre otra canción de John, también incluida en la cinta con demos de Lennon que Yoko les dio. El tema en cuestión era “Real Love”, una canción de la que John hizo varias demos entre 1977 y 1980 y que, en versión con guitarra acústica, ya había sido editada en la banda sonora del documental “Imagine: John Lennon” de 1988.

No obstante, para trabajar sobre ella, Yoko entregó una versión al piano datada en 1977. A diferencia de “Free As A Bird”, la canción estaba mucho más terminada por lo que la tarea fue mucho menos edificante para Paul, George y Ringo ya que se limitaron a ornamentar la demo de John. No obstante Paul recuerda que “lo mejor de todo era trabajar “con” John otra vez. Oyéndolo en los auriculares, era como si él estuviese al lado – “Rayos, estoy cantando en armonía con John”. Parece a un sueño imposible”.  De esta forma, Paul toca la guitarra acústica, bajo eléctrico. George toca la guitarra acústica y una guitarra Fender Stratocaster al final de la canción. Ringo contribuye con la batería. En cuanto a las voces, Paul graba una voz principal en semi-falsete casi inaudible para dar cuerpo a la de John (grabada, no olvidemos, de forma casera) y luego Paul y George añaden voces de apoyo y armonías. Los tres contribuyen con percusiones.

El resultado, de nuevo, es maravilloso: “Real Love“. La canción es mucho más pop y con una producción probablemente más compensada que la anterior (la batería menos alta y las voces mucho más prominentes) pero, en general, suena menos “beatle” que “Free As A Bird”. “Real Love” se editó como single el 5 de marzo de 1996 y alcanzó el n.º 4 y n.º 11 respectivamente en las listas de sencillos del Reino Unido y EE.UU. Sorprendentemente la BBC Radio decidió no emitirla creando una innecesaria polémica que se debatió en varios medios. Se rumoreaba en el entorno de la prensa, de que la BBC consideraba a Los Beatles, “demasiados viejos” para su estación. La corporación negó tales acusaciones pero eso no impidió que Paul realizara unas declaraciones al Daily Mirror:  “Los Beatles no necesitan que su nuevo single, “Real Love”, sea número uno. Nuestras carreras no dependen de eso. Si Radio One cree que debemos ser vetados ahora, esto no nos va a llevar a la ruina. No puedes poner un límite de edad a la buena música. Es muy alentador saber que, mientras los reyes del kindergarten de Radio One piensan que los Beatles somos demasiados viejos para salir a jugar, una gran cantidad de jóvenes británicos no parecen compartir esa opinión. Siempre estoy leyendo de cómo algunas bandas, como Oasis dan crédito a los Beatles como su inspiración y estoy feliz que pueda oír a los Beatles en la música actual. Cuando Ringo me contó todo esto, pensé, ¿Quién necesita a Radio One cuando se tiene a todas las otras estaciones independientes?”

Al margen de polémicas, “Real Love” fue un éxito que sirvió de empuje al lanzamiento de “Anthology 2“, un nuevo doble CD  editado el 18 de marzo de 1996, cuatro meses después de “Anhology I. El álbum arranca donde lo dejo el anterior y cubre el periodo entre febrero de 1965 y febrero de 1968, quizás la época más vanguardista e innovadora del grupo.  Al igual que su predecesor,  alcanzó un gran éxito comercial: debutó en el puesto nº 1 y en USA y en el Reino Unido.

El disco arranca con la segunda de las “nuevas” canciones del grupo tras “Free As A Bird”, “Real Love“. Una joyita que no hace más que recordarnos lo que hubieran podido hacer juntos estos tipos si el hijo de puta de Mark Chapman se hubiera quedado en casita. Como ocurriera con “Anthology I”, pasada la novedad de la primera canción, entramos de pleno en la parte de arqueología musical.

Arrancamos en febrero de 1965 escuchando una mezcla entre la primeriza toma 2 de “Yes It Is“, con John apenas murmurando la canción , y el arreglo final de la canción (toma 14); un gran ejemplo de cómo los Beatles trabajaban los. También de febrero son las tomas alternativas de “You’ve got to Hide Your Love Away” y las canciones inéditas “If You’ve Got Trouble” (un original “Lennon-McCartney” escrita para Ringo y descartada por no considerarse suficientemente buena) y “That Means a Lot“, un tema de Paul que acabaron dejando de lado y regalando a P.J.Proby.  Avanzando un poco más en el tiempo, llegamos a junio de 1965, con las primeras tomas de la potente “I’m Down“, la indispensable “Yesterday” (sin cuarteto de cuerda) e “It’s Only Love“.

Tiempo para la música en directo con, por un lado,”I Feel Fine“, “Ticket To Ride“, “Yesterday” y “Help!“, interpretadas en directo desde el ABC Theatre de Blackpool, Inglaterra, el 1 de agosto de 1965 para el programa de televisión Blackpool Night Out, y por otro, “Everybody’s Trying To Be My Baby” del famoso concierto en el Shea Stadium.

Ya en otoño de 1965 encontramos tomas preliminares de algunas de las canciones que acabarán en el gran LP “Rubber Soul”. Esos son los casos de la toma 1 de “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)“, con mucho más sitar, y “I’m Looking Through You” en una versión sensiblemente diferente, sin estribillo, con una distinta percusión y más guitarra solista. También para “Rubber Soul” estaba pensado el descarte instrumental “12-Bar Original“.

Damos un salto hasta abril del 66 para adentrarnos en las sesiones del expléndido “Revolver”. La toma 1 de “Tomorrow Never Knows“, nos presenta una canción ya muy experimental pero aún muy distante de lo que acabaría siendo. Por otro lado, con la toma 5 de “Got To Get You Into My Life“, vemos lo diferente que era la canción en un principio; con órgano, guitarra, batería, la voz de Paul y unas buenas armonías de John y George, tenemos una canción mucho más pop y sin rastro de los sobresalientes metales y el estilo soul de la versión final.

Con “And Your Bird Can Sing” y su toma 2 vemos a los Beatles más cercanos. Paul y John partiéndose de risa en medio de la grabación de una pista de voces. No es difícil pensar que la marihuana tuvo algo que ver. Uno de los mejores momentos de estos Anthology, quizás el mejor. La versión de la canción es, por cierto, buenísima y bastante diferente a la que acabó figurando en “Revolver”. Mucho más similar a la que todos conocemos es la toma descartada de “Taxman“, con la única diferencia de los brillante coros de Paul y John (“anybody got a bit of money?”) de 1’28” a 1’49”.

En el caso de “Eleanor Rigby (strings only)” tenemos una mezcla del arreglo para cuarteto de cuerda compuesto por George Martin para la canción, mientras la toma alternativa de “I’m Only Sleeping” nos presenta la canción en una fase embrionaria y con la curiosidad de estar cantada a dos voces ocupándose, al contrario de lo que era habitual, Paul de la voz baja y John de la alta.

Turno una vez más para la música en directo. En esta ocasión con “Rock and Roll Music” y “She’s a Woman“, extraídas del concierto que el grupo ofreció en el el Nippon Budokan de Tokio (Japón) el 30 de junio de 1966. Mucho (muchísimo) más interesante resultan la siguiente triada de cortes, dedicados en exclusiva a la sublime “Strawberry Fields Forever”. Comenzamos con la estremecedora demo de la canción con John y una guitarra, sin más… una maravilla. A continuación, tenemos la también excelente Toma 1 de la canción, mucho menos experimental de lo que  acabaría siendo, y, por último, la Toma 7, de la que se tomó el primer minuto para la versión definitiva de la canción (el resto se tomó de otras tomas obligando a George Martin a realizar un complicadísimo trabajo de estudio para ensamblar las partes).  Ya en diciembre e 1966 podemos disfrutar de una toma alternativa de la enorme “Penny Lane” , en la que el solo de trompeta piccolo del puente es sustituido por trompas inglesas y trompetas. Estuvo a punto de ser la versión final.

Y llega el turno de abordar el excelso “Sgt. Pepper’s”. Con “A Day In The Life“, George Martin hace un trabajo muy especial. El diálogo inicial, el sonido del reloj, y el conteo “sugar plum fairy, sugar plum faiy” de John pertenecen a la toma 1 de la canción (enero de 1967), el resto básicamente pertenece a las tomas 2 (también de enero de 1967) y la toma 6 (febrero de 1967). Como curioidad, podemos escuchar a Mal Evans -el eterno roaddie del grupo- contar los 24 compases que separan las dos partes de la canción. Otro tema de “Pepper’s”, “Good Morning Good Morning“, toma aquí un nuevo brío. Esta Toma 8 es, en mi opinión, muy superior a la que acabó editándose (toma 11).

El resto de las canciones de “Sgt. Pepper’s” que se incluyen en Anthology 2 son “Being For The Benefit Of Mr. Kite!” (de la que encontrarnos, por un lado, la originaria toma 1, y la mucho más avanzada toma 7 ), “Lucy In The Sky With Diamonds, (una curiosa mezcla en la que Martin toma el acompañamiento básico de la toma 6, la tamboura de la toma 7 y las voces del estribillo de la toma 8), “Within Without You” (en versión instrumental), y la potente toma 5 de “Sgt. Peppers Lonely Hearts Lonely Hearts Club Band (Reprise)“. También de esta época -abril del 67-  es la toma 11 de  “Only a Northern Song” (en una versión mucho más limpia de efectos), aunque esta canción apareciera en “Sgt. Pepper’s” sino en el posterior “Yellow Submarine”

A junio de 1967 pertenecen las primeras tomas de “You Know My Name (Look Up The Number)“, una canción que los Beatles terminarían en 1969 y editarían como cara B de “Let It Be”. El tema es sí es un jugueteo estilístico y en esta versión se incluyen  varios fragmentos que no se incluirían en la que fue finalmente publicada.

Tiempo para las sesiones de grabación del doble EP “Magical Mystery Tour” en septiembre de 1967 empezando por la primordial “I Am The Walrus“, pudiendo disfruta aquí de la toma 16, que fue la que se tomó como base para después añadir todos los efectos que compusieron la versión final. En el caso de “The Fool On The Hill”, podemos escuchar la primorosa primera demo a cargo de Paul y su piano, así como la Toma 4 de la misma, con arreglos sensiblemente distintos. La toma presentada de “Hello Goodbye” ofrece pocas sorpresas puesto que es sobre la que se basa la versión definitiva, la única diferencia es la guitarra distorsionada que aparece durante toda la canción.

Estamos acabando este Anthology 2, y llegamos a febrero de 1968 con “Lady Madonna“, de nuevo estamos ante una mezcla de diferentes tomas, en este caso es la base de la toma 3 con el añadido de los saxos de la toma 4. El Cd concluye con una íntima versión de “Across The Universe” (toma 2), con apenas John y una guitarra con efecto flanger, que en mi opinión es -de largo- la mejor de las versiones editadas de esta extraordinaria canción.

“Anthology 2” fue un rotundo éxito comercial. Entre tanto, Linda McCartney fue sometida a una masectomía parcial con éxito…, pero el cáncer se había comenzado a expandir por el hígado y convertiría este 1996 en un año de quimioterapia que comenzó a minar el sempiterno espíritu jovial de Paul.

Octubre de 1996 era la fecha señalada para la edición del tercero y último de los “Anthology”. Tras la edición de “Free As a Bird” como inéditos de “Anthology 1” y “Real Love” de “Anthology 2”, era lógico pensar que con “Anthology 3” ocurriría algo similar, es decir, que Paul, George y Ringo trabajarían sobre algún tema inédito de John. Y, de hecho, así fue. El propio McCartney dijo: “Trabajamos dos canciones de John, “Free As A Bird” y “Real Love”, era muy emocionante. Y surgió la idea tener una tercera canción, otra canción que la teníamos delante de nuestros ojos, “Now And Then”, no obstante no la terminaron.  La maqueta de John es una preciosidad. “Now And Then” pudo haber sido una gran canción, pero estaba muy inacabada, con falta de estribillo y algunos defectos que terminaron por aburrir a George que se acabó cansando de la “operación nostalgia” en la que se había convertido el proyecto “Anthology”. Paul afirma: “Había una que no terminamos, era más conmovedora. Necesitaba un poco más de trabajo, pero tenía un verso hermoso y tenía a John cantándola. Pero George no quiso hacerla”. Desde entonces es un rumor recurrrente la posibilidad de que Paul y Ringo pudieran acabar el trabajo comenzado en 1996 y editar un nuevo single de The Beatles. Parece a un sueño imposible, por lo que tendremos que conformarnos con las versiones de fans, que, emulando el estilo de los Beatles de los 90, circulan por internet.

Finalmente se decidió que “Anthology 3” se editaría sin “nuevo” single, y así se hizo el 28 de octubre de 1996. En esta ocasión el doble CD cubre la etapa comprendida entre  Mayo de 1968 y la última sesión de los Beatles, el 3 de enero de 1970. Para la mayoría de fans, resulta el más interesante por la enorme cantidad de inéditos y tomas realmente alternativas que se presentan. A falta de nuevo single, se editó el inédito “A Beginning” un tema del productor George Martin que, en origen, debía servir de introducción al tema de Ringo “Don’t Pass Me By”. Bella composición orquestal que da muestra del enorme talento musical de su autor.

El material Beatle comienza con las sesiones acústicas de mayo de 1968 en la casa de George Harrison en Esher. Regresados de la India, Paul, John y George se apresuraron a grabar tomas caseras de la gran cantidad de canciones que habían compuesto en aquel país . La primera canción correspondiente a esas sesiones es una versión primigenia de “Happiness is a Warm Gun“, con un fragmento sobre Yoko que no fue incluido en la versión final, y a falta de los cambios que caracterizan la monumental canción incluida en el “Álbum Blanco”. John y su guitarra nos deleitan con versiones demo acústicas de  “Mean Mr. Mustard“, “Polythene Pam” y “Glass Onion” . Las tres canciones fueron grabadas con John doblando su voz y su guitarra acústica (una voz-guitarra por canal). Por su parte Paul grabó en esta sesión su canción “Junk” -no editada como canción Beatle pero que McCartney recuperó para su primer disco en solitario- y una estupenda primera versión de “Honey Pie“. Por último, George incluye “Piggies“, a la que el sonido acústico le sienta como un guante.

Adentrándonos ya en las sesiones del “Álbum Blanco”, entramos en julio de 1968, con la toma 2 de “Helter Skelter“, acortada a menos de cinco minutos de sus más de doce minutos originales. Muchos fans llevaron a cabo una campaña para que se publicara la mítica versión de 27 minutos de esta canción que los Beatles grabaron, pero sus plegarias no fueron escuchadas. Una versión mucho más bluesy y menos heavy que la definitiva, pero igualmente fabulosa.

La versión editada de “Don’t Pass Me By“, dista poco de la original siendo la principal diferencia la ausencia de violín. Mucho más intersante es la toma alternativa de  “Ob-La-Di, Ob-La-Da, no es una toma falsa, sino una versión distinta de la canción que acabó siendo descartada en favor de la que hoy todos conocemos en una una decisión, por lo menos, discutible.

Un ensayo de Ringo se funde con la versión final (toma 34) en la versión de “Good Night” que George Martin preparó para este “Anthology 3”. Siguiendo con el “White Album”, encontramos la fantástica toma 1 de “Cry Baby Cry, la toma 4 de “Blackbird“, y la perezosa pero fantástica toma 6  de “Sexy Sadie“.

While My Guitar Gently Weeps” es simplemente acojonante. Demo de estudio de George, acompañado por Paul al órgano, que alcanza un nivel absolutamente estratosférico, una joya grabada el 25 de julio de 1968 en los EMI Studios de Londres, así como la despojada toma 2 de “Hey Jude“, mucho más sencilla pero sin dejar de ser el monumento melódico que siempre fue.

Not Guilty” es una gran canción de Harrison con cuya grabación el grupo nunca llegó a estar satisfecho, razón por la que fue desechada (aunque recuperada por George en solitario en 1979). No obstante, lo intentaron, de hecho, esta es la toma ¡¡102!! de la canción. Y siguiendo con las provechosas sesiones del “White Album” llegamos a la toma 2 de “Mother Nature’s Son” (sólo Paul y una guitarra), una versión sin cuerdas de “Glass Onion” (toma 33), y la encantadora la toma 8 de “Rocky Raccoon“.

What’s the New Mary Jane?” es sin duda la canción más veces pirateada del grupo. Inicialmente considerada para el Álbum Blanco (incluso candidata a ser editada en single), finalmente quedaría inédita hasta este “Anthology 3”. Desde luego no es una gran canción, pero no deja de ser curiosa. Otra de las curiosidades es “Step Inside Love / Los Paranoias“, la primera es un muy buen tema que Paul compuso para Cilla Black (con la que ella consiguió un número 8 en listas), el aire latino del tema hace que John comience a bromear y nombre a un ficticio grupo de acompañamiento llamado “Los Paranoias”, Paul se arranca a improvisar y rápidamente es seguido por el resto.

Y volvemos a las tomas “falsas” del “Album Blanco” con un mix de tomas de “I’m So Tired” (concretamente de la la 3, la 6 y la 9), la evocadora toma 1 de  “I Will” y una soberbia versión acústica de “Why Don’t We Do It In The Road?“. A continuación oímos a John grabar la sobresaliente pista de guitarra acústica de “Julia” pero llega un momento en el que se equivoca, es curioso oír a Paul desde la sala de mezclas animando a John a a volver a intentarlo ya que “la canción es realmente preciosa”.

El CD2, deja atrás el álbum blanco (al que “Anthology 3 dedica todo su primer CD) y se adentra en las sesiones para el malogrado proyecto “Get Back” (recordad que los Beatles desecharon las sesiones para grabar “Abbey Road” y posteriormente las cintas fueron entregadas a Phil Spector para que produjera lo que acabó siendo el álbum “Let It Be”, para enfado de Paul). La primera de las canciones pertenecientes a estas sesiones es “I’ve got a feeling“, una toma fallida grabada el 23 de enero de 1969 en los Apple Studios de Londres y ya con Billy Preston al piano eléctrico.

Especialmente curioso resulta escuchar la relentizada versión de “She Came In Through the Bathroom Window” sacada fuera del Medley de “Abbey Road” donde acabó incluyéndose meses después de esta toma primeriza de enero de 1969. “Dig A Pony” en cambio es muy similar a la canción que acabó apareciendo en “Let It Be”, eso sí, mucho mejor producida. No me cansaré de decirlo, Phil Spector -al que admiro-, no hizo un buen trabajo con “Let It Be” y esta versión es una prueba de que el que dominaba el sonido Beatle no era otro que George Martin. Algo parecido a lo que ocurre con “Two of Us“, si bien esta toma se acaba estropeando por algunos fallos de ejecución.

Siguiendo con las sesiones del proyecto “Get Back” encontramos tomas de “For You Blue“, “Teddy Boy” (inedita por los Beatles pero editada en el primer álbum en solitario de McCartney), el medley de clásicos del rock “Rip It Up” / “Shake, Rattle and Roll” / “Blue Suede Shoes” y una emocionante versión de “The Long And Winding Road“. Paul siempre repudió la versión que Spector remezcló para “Let It Be” y aquí, al fin, tenemos la canción tal y como la concibió McCartney, de hecho, es la misma toma que se usó para el disco pero sin el pomposo arreglo del productor americano. Las notas de “Anthology 3” referidas a esta canción lo dejan claro:  “La versión de la Antología es tal y como se concibió mientras que la versión de Let It Be fue adornada […] en ausencia del compositor Paul McCartney”

Aún en las sesiones de “Get Back”  encontramos una improvisada y festiva versión a dos voces de “Oh! Darling” que, como ocurría  con “She Came In Through the Bathroom Window”, acabó siendo incluida en “Abbey Road” en una versión muy distinta de la que aquí aparece, así como una toma primeriza de “All things Must Pass“, una gran canción de George que fue descartada por el resto y Harrison convirtió en tema central de su triple álbum en solitario. Siguiendo con las sorpresas llegamos a “Mailman, Bring Me no More Blues“, otra de las habituales en los piratas de la banda, buena versión del clásico de Buddy Holly.

La última canción del proyecto “Get Back” que aparece el “Anthology 3” no podía ser otra que la homónima. En esta ocasión se nos presenta la versión en directo de “Get Back” que los Beatles interpretaron en el tejado del edificio de Saville Row. Se convertiría en su última canción de su último concierto. La policía irrumpió en la azotea con la intención de parar el concierto y hay un determinado momento (primer estribillo) en el que alguien les dice que paren…, las guitarras dejan de oírse…, pero Paul y Ringo siguen…, George enseguida se suma al desafío… y luego John… La canción vuelve con mucha más intensidad…, Paul grita “Loretta has vuelto a jugar en las azoteas, la policía va a arrestarte”

Avanzamos a febrero de 1969 para escuchar la demo de “Old Brown Shoe“, en la que George toca todo, y la toma 2 de “Octopus’s Garden” con la que entramos en las sesiones de “Abbey Road” de las que se extraen la toma 5 de “Maxwell’s Silver Hammer“, la estupenda demo de “Something” y la toma 1 de “Come Together“.

Otro de los “inéditos” es “Come and Get It“, una fabulosa canción de Paul en la que tocó todos los instrumentos y voces y que acabó cediendo a la banda de Apple Badfinger. La ligera versión de “Ain’t She Sweet” que aparece a continuación tampoco había salido a la luz hasta ahora, la voz de John aparece aquí un poco castigada y contrasta con la exuberancia vocal que el propio Lennon, junto a McCartney y Harrison, exhiben en el siguiente corte: la alucinante versión a capella de “Because“. Brutal, 9 voces (3 tomas de 3 voces) .

Con la versión de “Let It Be” que aparece en este “Anthology 3” volvemos a retomar la polémica Spector Vs Martin. En mi opinión no hay comparación posible. Menos mal que, como veremos en el siguiente capítulo “Let It Be… Naked” acabaría haciendo justicia. Algo parecido ocurre con “I Me Mine“, mucho más auténtica y rockera sin todas esas impostadas orquestaciones, muy superior a la oficial.

Y llegamos al final: “The End“, remezclada de nuevo por George Martin y resaltando mucho más las guitarras (tocadas por turnos entre Paul, George y John). Y con esto termina el proyecto Anthology, un sueño hecho realidad para los fans del grupo: dos canciones nuevas, seis cd’s de rarezas, tomas falsas y canciones inéditas, un extensísimo documental que se editó en forma de 5 dvd’s y la edición de un libro espectacular. No obstante siendo todo esto fantástico, nada es comparable a ver a los que entonces eran los tres beatles vivos en una sala charlando sobre los viejos tiempos.

No obstante, una vez terminada la grabación de las nuevas canciones y concluida la selección de tomas para los Anthology, la relación entre Paul y George se enfría. Paul se vuelca en la enfermedad de Linda, pero intenta mantener el contacto con Harrison. No obstante, llega un punto en el que George deja de devolver las llamadas de McCartney.

Entretanto, Paul recibe una sorprendente noticia: su nombramiento como Caballero del Imperio Británico por la Reina Isabel II por “su contribución a la música”. Como Beatle, Paul, al igual que el resto del grupo, ya había sido nombrado “Miembro del Imperio Británico” (MBE), pero la distinción de Caballero es muy superior a aquella y le dotaba del título de “Sir”.

George, por su lado, había recibido una dura noticia. Fumador empedernido, George fue diagnosticado de cáncer de garganta en 1997. Ese mismo año se sometió a un intervención quirúrgica en la laringe en el hospital Princess Margaret, de Windsor  y el tumor fue extirpado. Desgraciadamente,  dos meses después, el cáncer se expandió al pulmón y George fue nuevamente intervenido en la  Clínica Mayo de Rochester (Estados Unidos). La operación fue exitosa y Harrison comenzó a recibir tratamiento de quimioterapia. El pronóstico era positivo.

No ocurría lo mismo con el pronóstico de Linda, cada vez más debilitada. A pesar de la dura situación que Paul estaba viviendo con la enfermedad de su mujer, no conocía mejor terapia para ambos que volver a la música. Impulsado por el revisionismo de “Anthology”, Paul se decide a retomar su pasado o, al menos, a no esconderlo. Paul reclutó a Jeff Lynne, productor de “Free As A bird” y “Real Love” y se dispuso a grabar su nuevo álbum, uno de los mejores de su carrera, “Flaming Pie” (enlace a review en Guilletek’s), editado en mayo de 1997.

“Anthology me recordó como hacíamos las cosas en The Beatles y los valores que alcanzamos con las canciones. Así que de algún modo me sirvió de guía para este álbum”. Paul quería hacer algo sencillo, pero de gran calidad. McCartney, además de Jeff Lynne, contó con la colaboración de  Steve Miller, George Martin y Ringo Starr. El resultado cumple con las expectativas y las críticas musicales fueron muy favorables, las mejores desde “Tug of War”, de 1982. Además fue también un gran éxito comercial, debutando en el puesto #2 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Y no es para menos, es un disco fabuloso con canciones como “Flaming Pie“, “Great Day“, “Young Boy“, “Somedays” (producida por George Martin), “Heaven On A Sunday” (con su hijo James a la guitarra eléctrica), la inconmensurable “Caliko Skies“, “The World Tonight“, “Souvenir” o “Little Willow“, dedicada a los hijos de Ringo y Maureen tras la muerte de la que fuera primera esposa del batería. Pero posiblemente la canción más recordada sea la fantástica “Beautiful Night” con Ringo a los tambores y George Martin tras los controles y un final glorioso con Paul y Ringo cantando juntos. Extraordinario final para un álbum 10.

Ringo vuelve a la carga meses después, en agosto de este mismo 1997 con “Ringo Starr and His third All-Starr Band: Volume 1“. En esta ocasión es una edición limitada muy modesta que se vendía a precio reducido en los videoclubs de la compañía Blockbuster y que recogía el concierto de la tercera formación de la All-Starr Band ofrecido en el Nippon Budōkan de Tokio, Japón. La banda estaba compuesta por Ringo Starr (batería, percusión y voz), su hijo Zak Starkey (batería y percusión), Billy Preston (teclados, armonio y voz), el Who John Entwistle (bajo y voz), Felix Cavaliere (teclados y voz), Randy Bachman (guitarra y voz), Mark Farner (guitarra y voz) y Mark Rivera (saxofón y coros). Nada que reseñar.

Paul sigue con su actividad frenética, y en septiembre -apenas cuatro meses después de “Flaming Pie”, edita un nuevo álbum. En esta ocasión se trata de su segunda incursión en la música clásica: “Standing Stone“. La obra, una pieza instrumental, fue estrenada en el Royal Albert Hall de Londres el 14 de octubre de 1997. A diferencia de lo que ocurrió con “Liverpool Oratorio” que dividió a la crítica, “Standing Stone” recibió críticas muy favorables y alcanzó el primer puesto en los álbumes de música clásica. Me quedo con la pieza final: “Celebration“.

Paul vivía un momento dulce a nivel profesional, pero a nivel personal todo se torcía cada vez más…, hasta que no hubo remedio… En febrero de 1998 Paul, Linda y todos sus hijos excepto Heather viajan a Arizona, a un rancho que compraron años atrás. Era un lugar que Linda adoraba, caballos, colinas, espectaculares atardeceres. La mañana del 17 de abril de 1998 los ojos de Linda amanecieron sin luz, Paul lo tenía claro, llamó a sus hijos y rodearon la cama de su esposa, McCartney se acercó a su oído y dijo: “Estás montada sobre un hermoso caballo, es un precioso día de primavera y estamos cabalgando por el bosque…, los jacintos crecen y el cielo está completamente azul…”, Linda cerró los ojos y murió. El funeral se celebró en St. Martin-in-the-Fields, en Londres, con la asietencia de George Harrison, George Martin y Ringo Starr.

Paul y Linda McCartney se casaron en 1969, y en estos casi 30 años, sólo pasaron 10 noches separados, las que Paul pasó en una celda en Tokio en 1980 tras ser detenido por posesión de drogas, ni una más. No es de extrañar que McCartney quedará completamente destrozado tras la muerte de su inseparable compañera. Estaba absolutamente perdido, al punto que sus hijos decidieron hacer turnos para acompañarle en su día a día temerosos de que entrara en una depresión.

Paul abandonó la música y se encerró en su casa, levantándose de la cama sólo para dar unas pinceladas a sus cuadros. No podía pensar en música, muchas de sus obras estaban dedicadas a Linda y el sólo recuerdo de las mismas le hacían hundirse más aún en un pozo del que veía difícil salir. Se limitó a pintar y a escribir tristes versos como “La tristeza no es tristeza sino felicidad vestida de negro. La muerte no es muerte sino la vida lanzándose al precipicio. Las lágrimas no son lágrimas sino carcajadas saladas”.

Con John fallecido, George convaleciente y Paul sumido en la tristeza, Ringo queda como único Beatle activo. En junio de 1998 edita “Vertical Man“, su mayor éxito de desde 1975. Es un buen disco en el que Ringo con celebridades como  Tom Petty, Brian Wilson, Ozzy Osbourne, Alanis Morissette, Joe Walsh, Steven Tyler y Timothy B. Schmit, entre otros. Grabado en la época de “Anthology”, George toca la guitarra y hace coros en “King Of Broken Hearts” y  “I’ll Be Fine Anywhere“, mientras Paul toca el bajo y hace coros en “What in the… World“, armoniza junto a Alanis Morissette y  Steven Tyler  en “I Was Walking“. Paul también participa en la jovial y muy valorable “La De Da“, el single del disco.

En septiembre de 1998, The Fireman, el grupo electrónico anónimo compuesto por Paul y el DJ Youth edita su segundo trabajo. Paul seguía retirado y sus contribuciones al disco fueron recogidas antes de la muerte de Linda. Fuera como fuere el CD recibe críticas elogiosas por su sonido ambiental cercano al trance. No es mi terreno, así que no me mojo. Me gusta mucho más que el anterior trabajo de The Fireman, eso seguro. Si tuviera que destacar una “canción”, sería  probablemente”Watercolour Guitars“.

Ringo, muy activo, participa en el programa de televisión Storytellers de la cadena VH1. El programa consistía en un concierto en un entorno íntimo, con intermedios en los que el arista explicaba el origen de las canciones que va a interpretar. En el caso de Ringo el concierto se llevó a cabo en el Bottom Line Club de Nueva York el 13 de mayo de 1998, un mes después de la publicación del álbum Vertical Man. Un muy buen álbum en directo con fantásticas interpretaciones de sus clásicos como “Photograph.

Mientras Paul sigue hundido…, hasta que un buen día, a principios de 1999,  decidió volver a coger la guitarra. Lo primero que vino a su cabeza fue el rock de sus raíces y entonces lo vio claro. Tras contactar con el productor Chris Tomas, que trabajó en el álbum de Wings “Back to the Egg”, McCartney reservó tiempo en los estudios Abbey Road a comienzos de marzo para grabar su nuevo álbum del que poco o nada se sabía salvo que sería un disco de covers de rock de los 50 y que era probable que McCartney incluyera alguna  nueva composición propia.

Mientras Paul prepara su nuevo disco en abril de 1999, primer aniversario de la muerte de Linda, organiza The Concert For Linda, un concierto en el Royal Albert Hall en el que participaron The Pretenders, Elvis Costello, Tom Jones, George Michael , Sinead O’Connor, Johnny Marr (Smiths), Neil Finn (Crowded House), Marianne Faithfull y como gran final, Paul, en lo que significaba su vuelta a los escenarios. Un emocionado Paul interpretó la que era una de las canciones preferidas de Linda, el “Lonesome Town” de Ricky Nelson, así como una emotiva versión de “All My Loving

En septiembre de 1999, United Artist y Apple Films lanzan en DVD la película de animación de los Beatles “Yellow Submarine” y acompañando al mismo se edita Yellow Submarine Songtrack“, un CD que recoge todas las canciones de los Beatles que aparecen en la película. De esta forma desaparece el score de George Martin y se incluyen los temas que, aunque no aparecieron en la banda sonora original de 1969, sí que lo hicieron en la película, es decir, añade “Eleanor Rigby”, “Love You To”, “Lucy in the Sky with Diamonds”, “Think for Yourself”, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, “With a Little Help from My Friends”, “Baby You’re a Rich Man”, “When I’m Sixty-Four” y “Nowhere Man”  a los “Yellow Submarine”,”Hey Bulldog”, “All Together Now”, “Only a Northern Song”, “All You Need Is Love” y “It’s All Too Much”. El disco en sí, no aporta nuevo salvo que es la primera ocasión en el que las canciones de los Beatles se remezclan, con buen resultado, por cierto. Los resultados comerciales fueron decentes, pero no extraordinarios (número 8).

En octubre se edita el nuevo disco de Paul McCartney. Como hemos dicho antes, Paul tenía la necesidad de regresar a sus raíces musicales e interpretar temas que solía escuchar cuando era joven y quería grabarlo en tomas, sin trucos, a la antigua usanza…, así que llamó al guitarrista de Pink Floyd  -David Gilmour-,  al batería de Deep Purple -Ian Paice- y al Housemartin Pete Wingfield para los teclados. Paul se encargaría del bajo y la voz… Y eso es “Run Devil Run“, un fantástico disco de versiones de rock’n’roll editado en octubre de 1999 con un sonido sencillamente arrollador. McCartney y su banda realizan trepidantes versiones de “All Shock Up“, “She Said Yeah“, “Shake A Hand” o “Party” e incluyó tres nuevas composiciones propias ciertamente buenas como “Run Devil Run“, “Try Not To Cry” o la fantástica “What It Is“, una de las composiciones que Paul tocaba a Linda en su enfermedad para animarla. Un gran disco que además, el 14 de diciembre de 1999, sirvió de excusa a McCartney para retornar al Cavern Club -donde los Beatles empezaron- para presentar el disco en directo y permitirse una versión inolvidable de “I Saw Her Standing There“. Un concierto imprescindible. Run Devil Run” recibió críticas entusiastas por parte de la prensa especializada. Paul había vuelto.

El mismo mes, octubre de 1999, Ringo edita un disco de villancicos de cara la campaña de navidad: “I Wanna Be Santa Claus“. Fue un fiasco comercial que hizo que su compañía discográfica rescindiera su contrato.

Un mes después, en noviembre, Paul edita un nuevo CD, el tercero de su línea “clásica”: “Working Classical“. Publicado apenas un mes después del álbum “Run Devil Run” se trata realmente de uan recopliación de canciones de McCartney arregladas al estilo sinfónico por Richard Rodney Bennett y Jonathan Tunick. Así, encontramos bonitos arreglos para canciones como “My Love“, “Junk“, “Golden Earth Girl” o “Maybe I’m Amazed“, aunque McCartney también compuso algunas piezas instrumentales para el disco: “A Leaf“, “Haymakers“, “Midwife“, “Spiral” y “Tuesday“. La crítica lo recibió bien, pero tuvo mucho menos repercusión que sus anteriores obras clásicas. Para mí, su mejor obra clásica, de largo.

1999 ya llegaba a su fin, pero junto antes de acabar el año, apenas un día antes, el 30 de diciembre de 1999, el universo Beatle sufriría una gran conmoción. Alrededor de las 3:30 de la madrugada del 30 de diciembre de 1999, Michael Abram, un enfermo mental nacido en 1966 en Liverpool que estaba convencido de que los Beatles eran una influencia satánica, entró en la mansión de George a través de una de las ventanas. Los ruidos despertaron a Olivia y George bajó al piso de abajo para ver qué ocurría. George se encontró con el intruso, armado con un cuchillo, al que intentó tranquilizar sin éxito. Abram se abalanzó sobre George asestándole varias puñaladas en el pecho. Afortunadamente, Olivia logro reducir al atacante golpeándolo en la cabeza con el pie de una lámpara. La policía llegó alertada por la alarma de la mansión y terminó de reducir al intruso de quien posteriormente se supo que estaba obsesionado con Los Beatles y solía deambular por locales nocturnos afirmando que eran brujos. La policía confirmó a su vez que el agresor había sido detenido el año pasado tras haber destruido un póster del grupo en un local comercial.

Harrison  fue internado en el Royal Berkshire Hospital de Reading. Según los médicos, Harrison sufrió un colapso del lóbulo derecho del pulmón. De haber sido más profundo, el pinchazo podría haber sido mortal. El entorno Beatle reaccionó con miedo, Ringo declaró: “Tanto Barbara como yo estamos profundamente shockeados de que haya ocurrido esto. Le enviamos a George y a Olivia todo nuestro amor y el deseo de que George se recupere rápidamente“, mientras Paul afirmó: ““Gracias a Dios tanto George como Olivia están bien. Les envío todo mi amor“. Tras el suceso, Harrison quedó traumatizado y limitó aún más sus ya de por sí escasas apariciones públicas.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 28 de abril de 2013

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The Beatles. Capítulo 20 (1990-1995). The Threetless. Parte II: el “Retorno” de los Beatles. “Free As A Bird”. Anthology I.

En 1990, Ringo emprende una serie de conciertos acompañado de alguno de sus músicos amigos: Billy Preston, Dr. John, Joe Walsh, Jim Keltner, los miembros de la E Street Band Clarence Clemons y Nils Lofgren, y los miembros de The Band Levon Helm y Rick Danko. La gira, exitosa, se acabó materializando en un disco -“Ringo Starr and His All Starr Band”– que pasó sin pena ni gloria por las listas de éxitos tras editarse en octubre de 1990.

Entre tanto Paul concluye en Julio de 1990 su muy exitosa gira mundial. McCartney queda entusiasmado con el éxito de “Flowers In The Dirt” y su posterior gira mundial, por lo que decide hacer “fijos” a los miembros de su banda. Sólo el batería Chris Whitten se baja del barco para enrolarse en la nueva formación de Dire Straits. El ex-Pretender Blair Cunningham será su sustituto.

Paul y su banda fueron requeridos por la MTV para aparecer en un nuevo programa basado en la idea de sugerir a grandes estrellas de la música la posibilidad de dar pequeños conciertos acústicos que formaran parte de un programa especial de TV.  Paul McCartney fue uno de los primeros en ser consultado y aceptó. Paul se sentía fuerte con su nueva banda, quizás tenía la formación más consistente desde los Wings de 1976 y el “desenchufado” salió bien (enlace). El “Unplugged” de Paul fue uno de los primeros  en aparecer, pero, a diferencia de los que ocurriría luego, el fenómeno “unplugged” aún no había explotado, de hecho, se editó en edición limitada y se añadió el epígrafe de “Official bootleg” (pirata oficial). Al poco tiempo se editó de forma masiva. En cuanto a las canciones, contiene clásicos del rock’n’roll como “Be-bop-a-lu-la” o “Good Rockin’ Tonight” y, por supuesto, de los Beatles (“Here, There And Everywhere“, “We Can Work It Out“, “I’ve Just Seen A Face“, “She’s A Woman“, “And I Love Her” y “Blackbird“. En resumen, una álbum estupendo, en el que destaca por sorprendente la selección de canciones de la carrera de Paul en solitario, compuesta de  tres canciones de su primer álbum de 1970 -“Every night“, “That Would Be Something” y “Junk“- y la primerísima composición de McCartney, una canción pre-beatle, que compuso a los 14 años muy influenciado por su ídolo Buddy Holly: “I Lost My Little Girl“. El LP se editó en mayo de 1991 y, a pesar de ser una edición limitada, fue nº7 en Inglaterra y nº14 en USA.

Pero el giro más sorprendente en la carrera de Paul estaba por llegar. A estas alturas, McCartney ya es la máxima autoridad en ventas y éxitos en la historia del rock (acreditado por el Guiness y otras entidades estadísticas) y parece que estaba dispuesto a afrontar nuevos retos. De esta forma, acepta un encargo de la Real Orquesta Filarmónica de Liverpool  para conmemorar sus 150 años historia: Paul McCartney, junto a Carl Davis deberían componer un Oratorio (ópera sin escenografía) que se debería representar en la Catedral de Liverpool. Sin conocimientos de solfeo, Paul cantaba melodías que Davis traducía a lenguaje clásico consiguiendo así el resultado final que se estrenó el 28 de junio de 1991 ante 2.500 personas en la Catedral de Liverpool. A su conclusión el público se levantó en una sonora ovación de cinco minutos. Yo no entiendo demasiado de música clásica y la ópera en particular me empalaga, pero disfruto mucho algunos momentos (el pasaje instrumental de “Crypt“, me parece brutal) aunque, sinceramente, prefiero cuando la música clásica va a Paul “(Yesterday” o “Eleanor Rigby”) que cuando Paul va a la música clásica. . La crítica se dividió entre la  que afirmaba que la obra tiene “pasajes memorables” y la que la consideraba “tediosa”. En cualquier caso, nº1 en listas de música clásica.

En diciembre de 1991, Eric Clapton persuadió a George Harrison para que fuera de gira con él a Japón. Clapton, el eterno amigo, quería que George volviera a los escenarios (no lo había hecho desde la desastrosa gira “Dark Horse” del 74) y le sugirió, aprovechando a gira que él mismo estaba haciendo por Asia, George podía unirse a ellos en Japón y hacer una par de conciertos…Y así fue…, George, acompañado de la banda de Clapton (incluyendo al propio Eric) tocó dos veces en Japón en diciembre de 1991 (Osaka y Tokio). Dos buenos y exitosos conciertos en los que Harrison no eludió su pasado con los Beatles e hizo versiones de “I want to tell you“, “Old brown shoe“, “Taxman“, “If I needed someone“, “Something”, “Piggies“, “Here comes the sun” y una soberbia “While my guitar gently weeps“. George también rindió cuentas de éxitos en solitario como  “Give Me Love” o las más recientes “Cloud Nine” y “Devil’s Radio“. Siete mese después, en julio del 92, se editó un doble LP de los conciertos -“Live in Japan“- que pasó sin pena ni gloria . Fue nº126.

También en 1991, Ringo comienza a trabajar en lo que sería su primer álbum de estudio en 10 años. Superados definitivamente sus problemas con el alcohol, Ringo decidió pedir canciones a compositores externos, colaborando sólo en la composición de tres temas. “Time Takes Time” supone un esfuerzo de Ringo de volver a la industria pero, a pesar de recibir buenas reseñas por parte de la prensa especializada (Rollingstone habló  de “el disco más consistente y despierto del batería desde “Ringo” de 1973“), obtuvo un escaso éxito comercial. Sea como fuere, es uno de los mejores trabajos de Ringo y contiene algunas excelentes canciones como “Weight Of The World“, “Don’t Go Where The Road Don’t Go“, “I Don’t Believe You“, “In a Heartbeat” (con Brian Wilson en los coros) o el cover de The PosiesGolden Blunders“. Un álbum injustamente olvidado, editado en mayo de 1992, y que supone un nuevo fracaso para Ringo.

El que no fracasaba era Paul. En febrero de 1993  publica “Off The Ground“(review en Guilletek’s), un disco grabado “en directo” en el estudio. En lugar de registrar cada instrumento por separado, el grupo ensayó las canciones conjuntamente y las repitió hasta conseguir la toma correcta. Esto permite un sonido más fresco, aunque también menos elaborado que en “Flowers In The Dirt”. El álbum obtuvo un importante éxito (nº5 UK, 17 USA), aunque lejano al del LP anterior. Es un buen disco -aunque no memorable-, merced a canciones como “Mistress And Maid“, “The Lovers That Never Were” (ambas co-escritas con Elvis Costello), “Hope Of Deliverance“, “I Owe It All To You“, “Biker Like An Icon“, “Off The Ground“, la exquisita “Golden Earth Girl“, o el baladón “C’Mon People“. McCartney sigue en la línea correcta y lo celebra anunciando una nueva gira -“The New World Tour“- que se celebrará a lo largo de los cinco continentes. Una gira de 79 escenarios desde el 18 de febrero de 1993 en (Italia), hasta el 16 de diciembre de 1993 (Chile) que, en Octubre pasó por España…

…Y ahí estaba yo, con 19 años, en la puerta del Sant Jordi de Barcelona a las 12 de la mañana (abrían puertas a las 19horas). Cuando abrieron puertas, a correr y, tras conseguir una honrosa tercera, me dispuse a disfrutar…y vaya si lo hice. De nuevo Paul preparó un setlist que fusionaba temas de su carrera en solitario (13) con algunas de sus canciones con los Beatles (17) (ver concierto). Respecto a la anterior gira, y del repertorio de los Beatles, añadió canciones como “Drive My Car“, “All My Loving“, “We Can Work It Out“, “Michelle“, “Here, There and Everywhere“, “Lady Madonna“, “Penny Lane” “Magical Mystery Tour” y “Paperback Writer“, que completan a los conocidos “Back In The USSR“, “Sgt. Pepper’s“, “Can’t Buy Me Love”, “Yesterday“, “Let It Be” y, sobre todo ese “Hey Jude” con el que casi se cae el pabellón…  A la salida me gasté todo mi dinero en camisetas y demás zarandajas y de vuelta a casa… Nunca lo olvidaré.

Era obvio, visto los precedentes, que la gira se acompañaría de la correspondiente película y disco. En este caso Paul edita “Paul Is Live“, un doble LP (no triple como sus anteriores publicaciones en directo) y, siendo muy bueno, es quizás el más flojo que sus álbumes en directo.  De nuevo encontramos temas de Paul en solitario (“Looking for changes”, “Peace in the neighbourhood”, “Hope of deliverance”, “Biker like an icon”, “C’mon peolple”, “Hotel in Benidorm”, “Fine day”), de los Wings (“Let me roll it”, “My love”, “Live and let die”) y de los Beatles (“Drive my car”, “All my loving”, “We can work it out”, “Here there and everywhere”, “Lady Madonna”, “Paperback writer”, “Magical Mistery tour”, “Penny Lane” y “I wanna be your man”). Pero lo más curioso es la portada del álbum, ya que se puede considerar el fin del mito de “Paul is Dead”: ya el título del disco es una clara antétesis, pero la portada -parodia de “Abbey Road”- está llena de símbolos.  Si recordáis, “Abbey Road” fue considerado por los defensores de la demencial teoría, como la confirmación definitiva de la muerte del bajista basándose en los supuestos simbolismos de la portada:

– En la portada de 1969, Paul sale descalzo y eso parece ser símbolo de muerte en algunas culturas… En “Paul Is Live”, McCartney calza unas enormes botas.
– En “Abbey Road”, lleva el cigarro en la derecha y Paul es zurdo, señal “inequívoca” de que el que aparece en la portada es un actor y no el verdadero Paul. En “Paul Is Live” agarra a un perro con la zurda (el perro es igual que “Martha” el perro que tenía Paul en la época Beatle).
– En el Wolksvagen Beetle del fondo de la portada de “Abbey Road”, la matrícula es 28 IF (los años que Paul tendría “if” estuviera vivo en 1969). En “Paul is live” la matrícula es “51 IS” …sin palabras…

El LP se editó en noviembre de 1993 fue nº37 en Inglaterra y 78 en USA. Pero, por si fuera poco, McCartney edita otro disco en noviembre de 1993 (el segundo del mes y el tercero del año), si bien esta vez lo hizo bajo seudónimo. “Strawberries Oceans Ships Forest” es el primer álbum del grupo The Fireman, un dúo formado por Paul McCartney y el productor dance Youth, publicado por Parlophone en 1993. El álbum consiste en samples de “Off the Ground”, y de las canciones “Reception” y “The Broadcast” del álbum de Wings “Back to the Egg”, remezcladas por Youth y fue muy bien recibido por la crítica (Melody Maker, publicó: “Paul McCartney ha descubierto el dance, y los resultados son asombrosamente brillantes”) aunque no tuvo repercusión comercial. Mi desconocimiento de la música dance me hace obviar el comentario de este álbum. Lo he oído con amigos que “entienden” de esta música y hay opiniones diversas, si bien la mayoría son bastante positivas.

Un mes antes, en octubre de 1993, Ringo editó su segundo álbum con su “All Starr Band”. Ringo salió de gira con una segunda edición de su banda de estrellas, integrada por músicos diferentes a los de la gira de 1989: Burton Cummings, Timothy B. Schmit (Eagles), Dave Edmunds (Rockpile), Todd Rundgren, Tim Cappello y el hijo de Ringo, Zak Starkey, además de Nils Lofgren y Joe Walsh, presentes en la gira anterior. Ringo toca en esta gira la canción que John le regaló para su álbum de 1973: “I’m The Greatest“, aparte de canciones que el batería cantó en su época Beatle como “Yellow Submarine“. El álbum, de título “Ringo Starr and His All Starr Band Volume 2: Live From Montreux” presenta a un Ringo frecuentemente desafinado y es bastante mediocre.

Pero el universo Beatle tendría grandes noticias un año después. En Noviembre de 1994 se edita el primer álbum de los Beatles con material inédito desde su separación en 1970, 24 años después. “Live At The BBC” es un álbum doble que recoge las actuaciones en riguroso directo de los Beatles en programas de radio de la cadena de radio británica a lo largo de 1963 y 1964, en plena beatlemanía británica. El disco es una delicia de principio a fin e incluye conversaciones y entrevistas de la banda , versiones de sus artistas preferidos (“I Got A Woman” de Ray Charles, “Too Much Monkey Business“, “Carol” , “Johnny B Goode“, “Roll Over Beethoven“, “Sweet Little Sixteen“, “Rock And Roll Music“, “I Got To Find My Baby” y “Memphis Tennessee“de Chuck Berry, “Keep Your Hands Off My Baby” de Little Eva, “Young Blood” de Doc Pomus, “A Shot Of Rhythm And Blues“, “Soldier Of Love” de Arthur Alexander, “Sure To Fall“, “Matchbox“, “Honey Don’t” y “Everybody’s Trying To Be My Baby” de Carl Perkins, “Some Other Guy” de Richard Barrett, “Baby It’s You” de The Shirelles, “That’s All Right (Mamma)” y “I’m Gonna Sit Right Down And Cry (Over You)“, “I Forgot To Remember To Forget” de Elvis, “Clarabella” de The Jodimars, “Crying, Waiting, Hoping” de Buddy Holly, “You Really Got A Hold On Me” de Smokey Robinson, “To Know Her Is To Love Her” de The Teddy Bears, “A Taste Of Honey” de Lenny Welch, “Long Tall Sally“, “Ooh! My Soul” y “Lucille” de Little Richard, “The Honeymoon Song” de Marino Marini and his Quartet, “Till There Was You” del musical The Music Man, “Lonesome Tears In My Eyes” de Johnny Burnette, “Nothin’ Shakin’” de Eddie Fontaine, “The Hippy Hippy Shake” de Chan Romero, “Glad All Over” de The Dave Clark Five, “I Just Don’t Understand” de Ann Margret, “So How Come (No One Loves Me)” de los Everly Brothers, “Dizzy Miss Lizzy” y “Slow Down” de Larry Williams, “Kansas City” de Wilbert Harrison y la deliciosa “Don’t Ever Change” del dúo compositor Goffin-King y popularizada por The Crickets) y varios de sus hits (“Thank You Girl“, “I Saw Her Standing There“, “Can’t Buy Me Love“, “A Hard Day’s Night“, “I Wanna Be Your Man“, “All My Loving“, “Things We Said Today“, “She’s A Woman“, “I Feel Fine“, “I’m A Loser“,”Ticket To Ride” y “Love Me Do“). Especialmente curiosas las cortinillas preparadas por el grupo en absoluto directo para amenizar los programas (“From Us To You“) y la canción de Paul “I’ll Be On My Way“, inédita  hasta el momento. Lo dicho, un disco delicioso que alcanzó el número 3 en ventas.

Meses antes de la edición de “Live At The BBC”, Paul, George y Ringo se reúnen con Neil Aspinall -otrora road manager, asistente personal de los Beatles y director de Apple Corps-, para trabajar sobre un proyecto sobre los Beatles. En 1971, Aspinall pensó que sería una buena idea recopilar toda la información posible de los archivos del grupo (tanto en EMI como en Apple)  para realizar un documental sobre la historia del mismo. El documental se llamaría “The Long And Winding Road” y debería contar con los testimonios de los miembros de la banda para convertirse en el testimonio definitivo de los Beatles. Las malas relaciones entre Paul y el resto del grupo a principios de  los 70 y la muerte de John en 1980 truncaron el proyecto, pero desde principios de los 90 Neil lo había recuperado. La idea no era otra que los miembros vivos del grupo, apoyados por horas de entrevistas a John (autorizadas por Yoko), contaran su historia a través de una serie de documentales. Dichas entrevistas se completarían con el vasto material videográfico y sonoro que Aspinall había recopilado a lo largo de todos estos años.

El ambiente -sobre todo entre George y Paul- fue un poco tenso al principio. George se negó a que el proyecto se llamara como una canción de McCartney (“The Long And Winding Road“), empeñado en que la figura de ningún Beatle destacara sobre el resto. No obstante, la situación se relajó enseguida, el proyecto cambio de nombre (“Anthology” sería el nombre definitivo) y Paul, George y Ringo comenzaron a sentirse cómodos trabajando juntos. Como no podía ser de otra forma, enseguida surgió la idea de hacer algo de música para el proyecto. Desgraciadamente, muerto John, sólo quedaban tres. Es decir, los Threetles  (los tres restantes), se encontraban en la necesidad de afrontar en reto sin John por lo que, en un principio, pensaron en hacer simplemente algo de música incidental que sirviera de fondo a las imágenes. Pero querían hacer algo nuevo y lo que tenían más que claro es que los Beatles no podían existir sin John, la su única posibilidad de grabar algo como The Beatles era que Lennon pudiera estar en la grabación.

Con esta idea, Paul solicitó a Yoko grabaciones inéditas de John. Paul recuerda cómo le dijo a Yoko “Nos gustaría que nos dieses alguna grabación de John, pero, por favor, no trates de ponernos muchas condiciones, es realmente difícil hacer esto, espiritualmente hablando. No sabemos, tal vez nos peleemos en el estudio y a las dos horas salgamos de allí, así que no nos pongas condiciones. Si no funciona, puede ser descartado”. Ono aceptó y entregó a McCartney una cinta de casette con cuatro canciones (“le entregúe  la grabación a Paul. Yo nunca quise separar a The Beatles, simplemente ocurrió, pero ahora estoy en una posición digna de unirlos otra vez y voy a aprovecharla. Es como si el destino hubiera actuado“). La cinta incluía cuatro grabaciones caseras de John: “Free As a Bird“, “Grow Old With Me“, “Real Love” y “Now and Then“. Ringo no pudo evitar llorar al oirlas.

El trío decidió que “Free As A Bird” (original de 1977) era la mejor canción de las cuatro y se dispuso a trabajar sobre ella, como dijo Ringo : “sólo teníamos que imaginar que John se había ido de vacaciones dejando a medio terminar algo, como de hecho hacia, y nosotros teníamos que acabarlo”. En un principio, como parecía obvio, pensaron en George Martin -que estaba trabajando en el proyecto de documentación sonora para el documental de “Anthology-” para producir la nueva canción. Pero Martin, ya de avanzada edad, tenía problemas de audición y, según recuerda McCartney, “George Martin no tomó parte en “Free as a bird”. No quiere producir debido a que su oído no es tan bueno como solía ser. Es un tipo muy sensato, me ha dicho: ‘Mira, Paul, quisiera hacer un trabajo decente’. Si él no se siente apto para realizarlo no lo hará. Es muy honesto de su parte, en realidad otra gente hubiera tomado el dinero y huido”.   A sugerencia de George, y con muchas reservas por parte de Paul, decidieron que Jeff Lynne, que había trabajado previamente con Harrison, sería el productor.

En la cinta original, John cantaba y tocaba el piano y era imposible técnicamente separarlos, por lo que Lynne los unió en una sola pista, “pasé una semana en mi estudio mejorando la pista en mi ordenador. Llevó mucho trabajo tenerlo a tiempo para que los muchachos pudieran empezar”. La canción tenía trozos sin letra y algunos huecos musicales para los que Paul y George escribieron nuevos acordes y añadieron nuevos versos que, obviamente ellos se tendrían que encargar de cantar. Finalmente, entre febrero y marzo de 1994, los “Threetles” se reunieron en el estudio de Paul McCartney para completar “Free As A Bird”. John Lennon, se encargaría de la voz principal y el piano; Paul McCartney doblaría el deficiente y descompasado piano de la grabación original, tocaría la guitarra acústica y el bajo, además de los coros y la voz principal en uno de los puentes; Ringo Starr se ocuparía de la batería. George Harrison haría coros, la voz principal en otro de los puentes, y tocaría la guitarra acústica, el ukulele y la guitarra solista slide. La decisión de Harrison de utilizar la técnica slide, así como la producción de Lynne, hicieron temer a Paul que el resultado fuera a sonar como los discos de George o como los Travelling Wilburys, pero Jeff Lynne lo dejó claro: “Quiero que suene como los Beatles”.

Las dudas se disiparon cuando empezaron a grabar. Cuando Ringo escuchó a McCartney y Harrison armonizando sus voces para grabar el acompañamiento de coros, exclamo: “¡Suena como los jodidos Beatles!”. Como George dijo “¿qué si suena “Beatle”?¿cómo queréis que suene?…si la compone uno de nosotros, cantamos nosotros, tocamos nosotros…¡tiene que sonar “Beatle”!”. Algo mágico ocurrió al final: el tema finaliza con segmento de ukelele, tocado por Harrison con una frase de Lennon, “Turned out nice again” (“Salió bien otra vez”), grabada al revés. Para sorpresa de todos , cuando escucharon la mezcla final parece sonar “Made by John Lennon” (“Hecho por John Lennon”).

La canción se emite por la radio por primera vez entre los días 19 y 20 de noviembre de 1995 (dependiendo del huso horario). Así, en Estados Unidos se estrena a las 22:55 del día 19 y en Inglaterra a las 3:59h del día 20: “Free As A Bird“, la primera canción de los Beatles en 25 años. El single vendió 120.000 copias en su primera semana, entrando al segundo puesto de las listas.

“Free as a Bird” recibió críticas mixtas. The Guardian, habló de “un asunto meramente publicitario sobre The Beatles que sonaba más a Lynne que a Beatles”. The Independent dijo que la canción era “decepcionantemente apagada y de efecto fúnebre”. Por otras parte Chris Carter, locutor de la BBC, comentó: “Valoro cualquier canción, especialmente si es genial,  interpretada por John, Paul, George y Ringo”. En mi opinión, es una buena canción -muy lejos de lo mejor del grupo- que sube muchos enteros por la emotividad que supone la reunión del grupo. Las armonías vocales y la guitarra de George suenan geniales pero creo que la producción no es adecuada (la batería está muy alta). Con todo, un éxito más y un premio Grammy a la mejor interpretación vocal.

Ese mismo día se estrenó el primer episodio de la serie de televisión “Anthology”, que narraba los hechos acaecidos en el Universo Beatle entre Julio de 1940 y marzo de 1963, así como el extraordinario videoclip de “Free As A Bird”, lleno de referencias a anécdotas y mitos de la historia Beatle y ganador del Grammy al mejor video musical. El resto de episodios de la serie, hasta 8 (Episodio 2. Marzo de 1963 – febrero de 1964, Episodio 3. Febrero de 1964 – julio de 1964, Episodio 4. Agosto de 1964 – agosto de 1965, Episodio 5. Agosto de 1965 – julio de 1966, Episodio 6. Julio de 1966 – junio de 1967, Episodio 7. Junio de 1967 – julio de 1968 y Episodio 8. Julio de 1968 – marzo de 1970) , se estrenarían agrupados en tres espacios de dos horas, los días 19, 22 y 23 de noviembre de 1995 . llegando a una audeniencia superior a los 400 millones de personas.

El día 21 de noviembre sale al mercado “Anthology I”, el primero de los CD dobles que sirven de banda sonora a la serie. “Anthology” no es un recopilatorio de éxitos, sino un conjunto de tomas alternativas, canciones inéditas, demos, canciones que regalaron a otros artistas etc., y, como tal, es una colección imprescindible para quienes tienen toda la discografía oficial del grupo, pero que de ninguna forma debe abordarse como primera aproximación al grupo.

El disco, cubre un periodo de seis años que va desde primavera de 1958 (primeras maquetas caseras del grupo) hasta octubre de 1964 (grabación de su cuarto LP, “Beatles For Sale”). La única canción que sale de este periodo es precisamnete el tema con el que arranca, “Free As A Bird“. “Pusimos Free As A Bird en el primer disco porque entendimos que era la canción que más esperaba la genta, así que lo mejor es que la oigan al principio y ya se reljaen para escuchar el resto”, recordaba Paul McCartney. La canción de John, original de 1977 y sobre la que los Beatles vivos trabajaron en 1994, no está entre lo mejor del grupo pero es un emotivo regreso no exento de un alto nivel de calidad.

Entrando ya en la fase arqueológica del disco, encontramos una versión del  “That’ll be the day” de Buddy Holly, grabada en un magnetofóno en 1958, rodeado por John y Paul (a las guitarras y las voces), George a la guitarra, John Lowe al piano y Colin Hanton la batería. La misma tecnología es la utilizada para la primera sorpresa del álbum: “In spite of all danger“, una balada lenta de estilo country escrita por Paul y George, cantada por los tres en armonía.

La sección de maquetas caseras  grabadas en magnetofóno continua con una grabación de verano de 1960 en casa de Paul con Paul (guitarra y voz), John (guitarra y voces), George (guitarra) y Stuart Sutcliffe (bajo). El grupo interpreta el  “Hallelujah I love her so de  Ray Charles con Paul a la voz principal. A continuación podemos escuchar dos canciones originales de Paul McCartney: la paródicaYou’ll Be Mine” y el instrumental “Cayenne.

Damos un salto de un año hasta verano de 1961 para encontrar la priemera grabación profesional de los Beatles, en Hamburgo y como grupo de acompañamiento de Toni Sheridan. Paul tocó el bajo, John y George las guitarras y Pete Best la batería. Las canciones incluidas de estas sesiones son el tema tradicional “My Bonnie” (cantado por Sheridan y con los Beatles de banda de apoyo), una versión de “Ain’t She sweetcantada por John y “Cry for a Shadow“: , una composición Harrison-Lennon instrumental muy en la línea de The Shadows.

A continuación nos encontramos una selección de canciones extraídas de lo que fue la primera audición de los Beatles (aún con Pete Best a la batería) para DECCA Records en enero de 1962 y tras la que la compañía de discos decidió rechazarlos: “Searchin’“, “Three Cool Cats” y “The Sheik of Araby” son versiones, mientras que “Like Dreamers Do” es una canción de Paul que tiempo después -siendo ya populares- los Beatles cedieron a e The Applejacks y “Hello Little Girl” es una canción de John que también acabo siendo cedida, en esta ocasión a The Fourmost. También corresponden a una audición, en esta ocasión para Parlophone y en junio de 1962, las dos siguientes canciones: una versión de “Besame Mucho” y la primera versión de “Love Me Do“, tras esta sesión los Beatles serían contratados y Pete Best -que está muy flojo en la grabación-, despedido y sustituío por el baterista de sesión Andy White.

Saltamos a septiembre de 1962 para escuchar la canción que el productor George Martin había encargado a un compositor profesional para que sirviera como primer single del grupo y que finalmente fue desestimada, “How Do you Do it?También con Andy White a la batería podemos escuchar una versión primeriza de “Please Please Me“. A una sesión de estudio de marzo de 1963, corresponden las tomas de “One After 909“, una canción que acabaron grabando años después, 1970, en el último disco del grupo, “Let It Be”.

Turno para la música en directo: “Lend Me your Comb” está extraído de una actuación en directo para la BBC, “I’ll Get You” fue  grabada en el London Palladium en octubre 1963 y “I Saw Her Standing There“, “From Me To You“, “Money“, “You’ve Really Got a Hold On Me“, y “Roll Over Beethoven” fueron grabadas en directo para para el programa de radio sueco The Beatles, popgrupp från Liverpool på besök i Stockholm“.

Ya en el CD 2, seguimos con la música en directo. “She loves You“,”Till There Was You” y “Twist and Shout” pertenecen a la famosa actuación del grupo ante la Reina de Inglaterra durante el “Royal Variety Show” en la que John hace su famosa petición a la gente que se sienta en los asientos caros (incluida la reina) para que “hagan sonar las joyas”, noviembre de 1963. Por su parte “This Boy“, “I want to Hold Your Hand” y “Moonlight Bay” fueron grabadas -también en directo- durante el programa de TV “The Morecambe and Wise Show” el  2 de diciembre de 1963.

Avanzamos unos meses para escuchar una toma alternativa de “Can’t Buy Me Love“, con unas extraordinarias armonías de John y George y grabada en febrero de 1964 en los estudios de EMI en París, pocas semanas antes de que los Beatles aterrizaran por primera vez en los Estados Unidos. Precisamente al celebérrimo Show de Ed Sullivan del 9 de febrero de 1964, que catapultó a los Beatles en EEUU, pertenece la excelente versión en directo de “All My Loving“. También del mes de febrero son las tomas alternativas de “You Can’t Do That” (muy similar a la definitiva) y un “And I Love Her” con un arreglo mucho menos latino y más pop que el que acabó apareciendo en  la versión definitiva.

De abril de 1964 son la primera toma de “A Hard Day’s Night y las versiones en directo en los IBC Studios, Londres, para el especial de televisión Around The Beatles, de “I Wanna Be Your Man“, “Long Tall Sally“, “Boys” y “Shout!” Un par de meses después, junio de 1964, grabaron las primeras tomas de “I’ll be back“, que, como podremos escuchar en origen era un vals en 3/4 y que John cambió de compás cuando comprobó lo difícil de cantar que resultaba con ese ritmo.

You Know What To Do” es otro de los temas absolutamente inéditos que aparecen en “Anthology”. Se trata de la segunda composición de Harrison tras “Don’t Bother Me” y, al parecer, no pasó el filtro de calidad. Una grabación muy sencilla (voz,guitarra, bajo y pandereta) para una canción simple y muy disfrutable  que se llevó a cabo en junio de 1964. Del mismo mes son las tomas alternativas de “No Reply“, en una versión más agresiva que la que quedó como definitiva y con un importante componente cómico provocado por las equivocaciones de John con la letra.  En agosto trabajaron, entre otras canciones, sobre “Mr. Moonlight“, que aparece con un solo diferente, y la inédita y tremenda versión del  “Leave My Kitten Alone”  de Little Willie John.

Este primer volumen de “Anthology” concluye con una versión diferente de “Eight Days a Week“, en la que, sobre todo, varía la introducción (con unas voces a capella) y con una versión ligeramente distinta de “Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey!“, toma 2 del famoso medley de Beatles For Sale.

Una joya de disco para los fans del grupo, al punto de ser imprescindible para un aficionado al grupo…, pero absolutamente innecesario si no se conoce la discografía “estándar” del grupo. En cualquier caso, el álbum obtuvo un gran éxito comercial a nivel global. Entró directamente al nº 1 en Estados Unidos en el que se mantuvo tres semanas. En el Reino Unido, la reacción comercial tras la publicación de Anthology 1 fue similar, si bien el álbum sólo alcanzaría el nº 2.

Los Beatles había vuelto a hacerlo. El éxito les sonreía…, pero Paul iba a recibir una pésima noticia: Linda, su compañera durante los últimos 26 años, tenía cáncer.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 21 de abril de 2013

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THE BEATLES. Capítulo 19 (1981-1989). The Threetless. Parte I

1981 amanece con John Lennon en el número 1 de las listas internacionales. Desgraciadamente lo que nunca se le concedió en vida, un número 1 en solitario en las listas de LP’s, le llegó al poco de su muerte. Una paradoja demasiado habitual, me temo.

George, Paul y Ringo cambiaron su forma de relacionarse con el mundo desde ese momento y los tres suspendieron sus actuaciones en directo hasta nueva orden. 1980 no vio lanzamiento discográfico de ningún ex-miembro de la banda. Hubo que esperar hasta mayo de 1981 para escuchar  algo nuevo de algún ex-beatle. Precisamente fue un h0menaje a John Lennon escrito por George, y que contó con la ayuda de Paul -a los coros- y Ringo a la batería (The Threetless, juego de palabras entre Beatles y “los tres que quedan”, con el que se empezó a conocer a Paul, George y Ringo). La canción fue la fabulosa “All Those Years Ago” que alcanzó un número 2 en listas y en la que Harrison realiza un sentido homenaje a su admirado y querido amigo fallecido: (“Estoy hablando a todo el mundo sobre el amor y sin embargo a ti te trataron como un perro, cuando tú fuiste el único que habló claro de todo esto, hace todos estos años. / Hablo de cómo compartir, aunque ellos no actúan con honestidad, pero tú fuiste quien puso los puntos sobre las íes cuando dijiste “Todo lo que necesitas es amor”. / En los buenos y en los malos momentos, siempre te admiré, ahora nos quedamos fríos y tristes pero sé que ahora el demonio tiene un mejor amigo, alguien que fue capaz de tocar las narices a todos. / Estamos viviendo un mal sueño, la gente ha dejado de lado la humanidad y tú fuiste al que pusieron en el paredón  hace todos estos años, tú fuiste el que imaginaste todo hace todos estos años. / Tú dijiste todo pero pocos te escucharon, hace todos estos años. Tú tenías control sobre nuestra risa y nuestro llanto  hace todos estos años”).

El LP que contenía “All those years ago”, “Somewhere In England” era bastante bueno. El homenaje a John destacaba especialmente, pero había temas como “Life Itself“, “Blood From A Clone“, “Teardrops“, y “Save The World“, que resultan notables.  Se editó en junio de 1981 y tuvo un discreto paso por las listas de éxitos a nivel de singles aunque consiguió un nº11 como LP en Estados Unidos (13 en UK). No obstante, George, tuvo que rehacer el disco antes de editarlo después de que su discográfica lo rechazara por resultar “deprimente”, punto éste que desencantó a George que cada vez estaba más alejado de la industria discográfica y sus manejos.

Dos meses después, en agosto del  81, se resuelve el juicio contra Mark David Chapman por el asesinato de John Lennon. El maldito cabrón fue encerrado en la prisión de  Attica con una sentencia fue de veinte años a cadena perpetua sobres sus hombros. Los veinte años se cumplieron en el año 2.000; pero allí permanece puesto que le ha sido denegada la libertad condicional en seis ocasiones.

Ringo fue el segundo en editar un nuevo disco. Fue en noviembre de 1981 con “Stop and Smell the Roses”. Pare este disco, Ringo había vuelto a pedir ayuda a sus compañeros beatle. Paul cede a Ringo dos canciones (“Private property” y “Attention“) y  George también colabora con “Wrack my brain“. El batería había pedido, en noviembre de 1980, a John alguna canción, y éste le había preparado tres (“I’m steeping out“, “Life begins at forty” y “Nobody told me“), que Ringo iba a grabar puesto que la fecha de edición del disco estaba prevista para enero del 81. Sin embargo el asesinato de John hizo que Ringo, destrozado, anulara la salida del LP y decidiera no grabar las canciones de John (que luego salieron en discos póstumos de Lennon). Aunque el LP era bastante decente, sólo alcanzó un nº91 en listas… Ringo no levantaba cabeza en lo musical, aunque su vida personal había mejorado tras comenzar su relación con la actriz Barbara Bach, a la que había conocido en el rodaje de “Cavernícola” y con la que se había casado en abril de 1981. Paul y George, junto a sus familias, acudieron a la boda y se tomó la primera foto con los miembros del grupo juntos…, tristemente ya nunca podrían estar todos

Hasta marzo de 1982, el panorama beatle estuvo paralizado. Es esta fecha se editó un nuevo recopilarorio del grupo: “Reel Music“. La excusa que justificaba este nuevo lanzamiento era compilar las canciones que aparecieron en alguna de las cinco películas del grupo (“A hard day’s night”, “Help!”, “Magical Mystery Tour”, “Yellow Submarine” y “Let It Be”). El LP -con las canciones A Hard Day’s Night,  I Should Have Known Better, Can’t Buy Me Love, And I Love Her, Help!, You’ve Got To Hide Your Love Away, Ticket To Ride, Magical Mystery Tour, I Am The Walrus, Yellow Submarine, All You Need Is Love, Let It Be, Get Back y The Long And Winding Road– se vendió razonablemente bien y alcanzó un  número 19. El lanzamiento del disco se vio apoyado por la edición de un single con un medley con algunas de las canciones del disco. “The Beatles Movie Medley” se editóel 15 de marzo de 1982 en USA y alcanzó un número 12. En Inglaterra, Parlophone se negó en primera instancia por considerarlo “de mal gusto”, pero tuvo que acabar cediendo ante su hermana americana y alcanzó el número 10 en listas.

No obstante, tras la muerte de John, el disco más esperado en el mundillo musical era el nuevo trabajo de McCartney. Desde su separación de los Beatles (1970) a la muerte de Lennon (1980), Paul había editado 10 LP’s con un notable éxito (6 números 1). Muerto Lennon, Paul quedaba como único referente del famoso tándem de compositores y, además, existía un punto morboso entre los fans por saber si habría referencias a John entre las letras del disco. “Tug Of War” (review del disco en Guilletek’s) se editó en abril de 1982 y fue un rotundo éxito de crítica y público (número 1 a ambos lados del Atlántico). Recuperándose del golpe que supuso la muerte de Lennon, Paul entra en el estudio, para retomar un trabajo que había empezado a finales de 1980. Tras la austeridad de “McCartney II”, Paul pretende recuperar su sofisticación de antaño y, para ello, recurre al sempiterno productor de los Beatles, George Martin. No será el único invitado: Denny Laine (el de Wings), Carl Perkins, Stevie Wonder, Eric Stewart y un tal… Ringo Starr.

Es un LP maravilloso, redondo, uno de los mejores de su carrera en solitario. Por buscarle un defecto, quizás se le puede achacar que es un disco muy tranquilo, carente de temas rockeros. No tener que estar limitado a una pequeña banda, permite a Macca contar con músicos de sesión de gran nivel y, musicalmente, el LP roza la exquisitez. La crítica puso el álbum por las nubes (Rollingstone habló de “obra maestra con remembranzas de Abbey Road. El disco que sabíamos que algún día Paul McCartney sería capaz de hacer”) y el caso es que canciones como la homónima “Tug Of War“, “Somebody Who Cares” o las enormes “The Pound Is Sinking” o “Wanderlust” no merecen menos. Además el disco tenía singles potentísimos como “Take It Away” o el megahit “Ebony And Ivory” (número 1 mundial). Pero es que todo el disco es fabuloso (“Get It“, “Ballroom Dancing“) y, además, incluye el más hermoso homenaje que Paul pudo componer en memoria de John: “Here Today” (“Y si dijera que yo realmente te conocía bien, ¿cual sería tu respuesta si estuvieras aquí hoy? / Pues, conociéndote, probablemente te reirías y dirías  que nosotros somos polos opuestos …si estuvieras aquí hoy… /  Pero, en lo que a mí respecta, aún recuerdo como era antes  y ya no puedo contener las lágrimas más… te quiero… / ¿Recuerdas cuando nos conocimos?, supongo que se podría decir que nos hacíamos los duros, no entendíamos nada, pero siempre podíamos cantar / ¿Recuerdas aquella noche en que lloramos porque ya no había ninguna razón para guardarnoslo todo dentro?  Nunca entendimos ni una palabra, pero siempre estabas allí con una sonrisa /  Y si dijera que realmente te quería y que me alegraría de que aparecieras, así, estarías hoy aquí , como estás en mi canción“).

Paul edita también en estas fechas un single de éxito (número 2) con Michael Jackson que, bajo el título de “The Girl Is Mine” estaba incluido en el afamado y exitoso álbum “Thriller” del artista estadounidense.

En octubre de 1982, el incontenible ánimo de lucro de EMI/Capitol pone en el mercado el noveno álbum recopilatorio desde la separación de la banda (casi uno por año). En esta ocasión “20 Greatest Hits” compila los 20 números uno del grupo tanto en Estados Unidos como el Reino Unido y, dada la diferencia de resultados en ambos países, se editaron dos ediciones. La británica contenía “Love Me Do”,”From Me to You”,”She Loves You”, “I Want to Hold Your Hand”,”Can’t Buy Me Love”,”A Hard Day’s Night”,”I Feel Fine”,”Ticket to Ride”,”Help!”,”Day Tripper”,”We Can Work It Out”,”Paperback Writer”,”Yellow Submarine”,”Eleanor Rigby”,”All You Need Is Love”,”Hello, Goodbye”,”Lady Madonna”,”Hey Jude”,”Get Back” y “The Ballad of John and Yoko”. Por su lado, la estadounidense no contenía “From Me To You”, “Yellow Submarine”  ni “Day Tripper” y las sustituía por “Eight Days a Week”, “Penny Lane”, “Come Together”, “Let It Be” y “The Long and Winding Road”. El recopilatorio obtuvo un honroso puesto número 20 en Inglaterra y un discreto top 50 en USA.

A diferencia de lo que ocurre hoy en día, que se edita el recopilatorio del artista fallecido mientras se está depositando el cuerpo en la tumba, hasta pasados dos años de su muerte no se publicó ningún disco de John Lennon.  “The John Lennon Collection”, salió al mercado en noviembre de 1982 con las siguientes canciones: “Give Peace a Chance”,”Instant Karma”,”Power to the People”,”Whatever Gets You Thru the Night”, “#9 Dream”, “Mind Games”,”Love”,”Happy Xmas (War Is Over)”, Imagine”, “Jealous Guy”,”Stand by Me”, “(Just Like) Starting Over”, “Woman”, “I’m Losing You”,”Beautiful Boy (Darling Boy)” ,”Watching the Wheels”, “Dear Yoko” y “Cold Turkey”, y alcanzó el numero 1 en Inglaterra. En Estados Unidos se quedó en un número 33  y contenía dos canciones menos (“Happy Xmas” y “Stand By Me”).

Antes de acabar 1982, en noviembre, George Harrison edita “Gone Troppo” (algo así como “volverse loco” en jerga australiana), el peor disco de toda su carrera. Desde principios de los 80, George se mostraba hastiado con la industria musical y poco interesado en pertenecer a un mundillo del que no se sentía parte y al que no quería pertenecer. De esta forma, Harrison entra al estudio más motivado por temas contractuales que por inquietudes estéticas. Con todo el disco tiene momentos salvables como la notable “Wake Up My Love“, la fabulosa “That’s The Way It Goes” o “Dream Away“, banda sonora de la película “Time Bandits”, producida por el propio George. El resto del disco es absolutamente olvidable…, comercialmente fue un fracaso sin precedentes. George decidió, por el momento, dedicarse a otra cosa y dar la espalda a la industria.

Con John fallecido y George semi-retirado, 1983 contempla sólo a dos Beatles en activo: Ringo y Paul. El primero en alzar la voz cantante fue, en junio, el batería. “Old Wave“, como se llamaba el disco, fue producido por el ex-Eagle Joe Walsh y paso completamente desapercibido en listas. Ringo volvió a rodearse de célebres amigos como Gary Brooker, John Entwistle, Ray Cooper y Eric Clapton, pero no consiguió que el disco no siquiera se distribuyera en Estados Unidos ni Inglaterra. No es un mal disco, pero no aporta nada importante…, con todo, canciones como “In My Car” o “Hopeless” bien merecen una escucha. Parece que los tiempos de éxito de Ringo como solista estaban definitivamente muy lejanos.

Sin embargo, tras el enorme éxito de “Tug Of War”, crítica y público esperaban ansiosos el nuevo disco de Paul McCartney. De hecho, el nuevo disco de Paul -“Pipes Of Peace” (enlace a review en Guilletek’s)-, era en realidad una continuación de “Tug Of War” y gran parte de las canciones de este nuevo LP fueron grabadas -también bajo la producción de George Martin- durante las sesiones de 1981 que dieron lugar al anterior. No obstante, parece que Paul dejó lo mejor para el fabuloso LP de 1982 y aquí se quedaron los restos. No es mal disco, ni de lejos, pero queda a mucha distancia de su predecesor. La preciosa canción titular, “Pipes Of Peace,” es un tema fabuloso, fantástico (acompañado de un videoclip aún mejor) y supuso un gran éxito, como la melosa “So Bad” (con Ringo a los tambores). “Through Of Our Love” también es una muy buena canción …, pero ya hay poco más. Lo más recordado del disco es la llena pistas “Say Say Say“, en la que Paul cuenta con la colaboración de Michael Jackson, y que supuso un pelotazo mundial. El disco tuvo un éxito moderado, más bien bajo para lo que había sido la carrera de McCartney hasta el momento. Número 2 en Inglaterra y 15 en Estados Unidos. ¿Empezaba Paul a perder fuelle? Desde luego él no lo pensaba así y sorprende a propios y extraños anunciando que iba a escribir y protagonizar un largometraje que dirigiría Peter Webb y se estrenaría en la segunda mitad de 1984

Enero de 1984 contemplaría la primera edición de material inédito de John Lennon tras su muerte, cuatro años antes.”Milk And Honey” (enlace a review en Guilletek’s) recoge las canciones que John grabó durante las sesiones de “Double Fantasy” y que no fueron incluídas en dicho LP. Por su parte, Yoko, añadió nuevas composiciones propias para completar el disco (algunas como “Don’t Be Scared” o “Let Me Count The Ways“, bastante decentes). Las canciones de John son buenas, “I’m Steeping Out“, “I Don’t Wanna Face It“, “Borrowed Time” y “Nobody Told Me” son notables, mientras “(Forgive Me) My Little Flower Princess” -inacabada- resulta sensiblemente inferior. No obstante, lo mejor del disco es la preciosa demo deGrow Old Along With Me“, de la que Yoko recuerda “Para John, “Grow Old With Me” era una canción que acabaría siendo un clásico, de la clase de canciones que seria tocada en las iglesias cada vez que una pareja se casara. Quería trompetas y arreglos de sinfonía. Pero estábamos trabajando con un tiempo límite -Navidad- para publicar “Double Fantasy”. Así que, finalmente, decidimos dejar la canción para otro disco posterior… “. Una canción hermosísima. El disco póstumo de John fue bien recibido por la crítica musical, y alcanzaría el puesto #3 en Gran Bretaña y el #11 en los Estados Unidos.

En octubre se estrena la película de Paul bajo el título de “Give My Regards To Broad Street“. El film pretende seguir la estela de “A Hard Day’s Night” y narrar un día en la vida de un músico, en este caso de McCartney, que se interpreta a sí mismo. La crítica fue bastante unánime: “la música es maravillosa y la película todo lo contrario”. La verdad es que tenemos la sensación de asistir a un videoclip de 110 minutos. La historia narra como las grabaciones originales del nuevo álbum de McCartney son supuestamente robadas por un empleado con un turbio pasado y las vicisitudes de Paul y su banda (con Ringo entre los miembros) para recuperarlas.

En el film hay buenos momentos -todos musicales-, como las revisiones de “Ballroom Dancing” (1982) y “So Bad” (1983) y las inspiradas versiones de los clásicos beatle “For No One” y “Eleanor Rigby“, con un excelente epílogo orquestal. Muy destacable es el estratosférico “Medley” entre los temas beatle “Yesterday” y “Here There And Everywhere” con la nunca suficientemente ponderada canción de Paul en solitario “Wanderlust”. McCartney compuso tres nuevos temas para la película, las competentes “Not Such A Bad Boy” y “No Values” por un lado y, por otro, la sobresaliente “No More Lonely Nights“, una de las mejores baladas de todos los tiempos…, excelsa canción con el Pink Floyd David Gilmour en la guitarra solista.

La película fue un fracaso, pero no su banda sonora (enlace a review en Guilletek’s) que llevó a Paul, de nuevo al número 1.

Simultáneamente al estreno de la película, McCartney publicó un single  infantil con vista a la inminente campaña del mercado navideño. “We All Stand Together” -la famosa canción de las ranitas- es un maravilloso ejercicio melódico que tuvo mucho éxito en el Reino, donde alcanzó el puesto 3 en las listas, pero que hizo que Paul se ganara una injusta fama de blando de la que le costaría mucho huir. Es un tema fantástico a nivel musical, pero de innegable e intencionado carácter infantil y familiar. No todo el mundo lo entendió

Como parte de la promoción del disco y la película, Paul concede una extensa entrevista a Playboy, siguiendo un formato muy similar a la que John concedió a la misma publicación 4 años antes. La entrevista se publicó a finales de 1984.

Paul, hace casi 4 años del asesinato de John y tú realmente no has hablado seriamente del tema…
Uff…es muy difícil, no sé… no sé si me apetece hablar del tema o no… Podría hablar durante 5 días o no abrir la boca… Creo que a George y a Ringo les sucede lo mismo… Recuerdo el día, me llamó mi manager. Me quedé bloqueado, no me lo creía…  Aún no lo asimilo. No quiero hacerlo.

Tus primeras declaraciones cuando te preguntaron por lo sucedido fueron…“es un rollo”

Ya… lo que pasó es que me preguntaron cuando acababa de conocer la noticia, estaba en estado de shock… Sólo quería estar ocupado… No quería quedarme en casa, estaba conmocionado, tenía que mantenerme ocupado… Así que me fui al estudio y allí esperaba un periodista…me preguntó y …sí…dije eso…  y supongo que verlo impreso es un poco fuerte. En estas situaciones me quedo bloqueado. Me pasó cuando murió mi madre, sólo pregunté “¿Qué vamos a hacer sin su dinero?”. No fue una buena contestación. Luego llegué a casa y me senté con Linda y los niños a ver las noticias… Lloré toda la noche… Aún lo hago cuando escucho su música . ¿Qué se podía decir?, ¿qué se puede decir en estas situaciones?

¿Recuerdas vuestra última conversación?

Sí, …en los últimos meses habíamos retomado nuestra relación y hablábamos mucho por teléfono… Hablamos de nuestras familias… Estaba muy feliz con el lanzamiento de “Double Fantasy”

Hablanos de vuestra “Guerra” en los 70…

Fuimos muy buenos amigos, hasta que los Beatles comenzaron a separarse y Yoko apareció. Él se enamoró. Podíamos aceptarlo, pero eso no disminuía el sufrimiento que sentíamos por que se nos estaba marginando. Más tarde recuerdo que yo decía: ‘Despeja todo, dale más tiempo con Yoko’ Yo quería que tuviera su hijo y se mudara a Nueva York para que hiciera todo lo que él quería hacer, aprender japonés, expandirse a sí mismo. En cuanto a esa “guerra” de la que hablas, es cierto que en RAM le solté alguna pequeña puya…Pero ellos lo sacaron de quicio y contestaron con fuerza…

John decía que no echaba de menos a los Beatles, ¿Le creías?

Puede ser. A John le gustaba cerrar etapa. Acabó su etapa beatle y empezó su etapa “Yoko”. Lo que no me gustó es que me criticara tanto en público. Siempre he creído que había algo especial entre nosotros, pero cuando ves y lees tantas mofas sobre mí por su parte, la fe decae… Aunque sé que no lo pensaba, sólo era John el fanfarrón, era así…, aunque me hacía mucho daño.

¿Teneis relación Linda y tú con Yoko?

Poca. Cuando John murió, hablamos mucho por teléfono.  La verdad es que yo nunca me llevé bien con Yoko. Era John quien se llevaba bien con ella. Yo sólo comencé a conocerla después de la muerte de John. Le ofrecí mi ayuda. Al principio, su actitud era de ‘no quiero ser la viuda del año’  y me alejé, pero luego pensé, ‘espera un minuto, vamos, ella vive la tragedia de toda una vida en este momento, y estoy siendo un loco e insensible’ Creo que comencé a conocerla, a entender por lo que ella estaba atravesando en lugar de estar pendiente sólo de mi punto de vista. Supongo que esto es madurar. Pienso que entonces fui capaz de encontrar muchas cosas en común con Yoko.

Tras la muerte de John, lo que más me ayudó, fue hablar con Yoko sobre ello. Ella me dijo que él me quería. Dijo eso una o dos veces. Me contó que ellos se sentaban a escuchar mis discos y que el decía: ‘ahí estás, eso es, eso es muy Paul’ y le explicaba cosas acerca de mis canciones . Fue muy importante para mí. Para mí el reconocimiento de John siempre fue muy importante, aunque no me lo diera mucho…

Hablanos de tu relación con John

Era único… Recuerdo un día que estábamos escuchando lo que habíamos grabado, era para “Rubber Soul” o “Revolver” creo…, había tres canciones suyas y tres mías… Él miró alrededor para comprobar que no había nadie y me dijo “Oh, creo que me gustan más tus canciones que las mías”… Fue el mayor reconocomiento que nunca me dio. Eso era mucho para mí. Yo siempre le admiré, todos los hacíamos. Éramos fans de John… Por eso nos gustaba mucho que alagara nuestro trabajo. En “Come together” quería un piano especial y yo lo toqué, le gustó mucho…Recuerdo que también le gustaba cuando yo cantaba canciones rockeras, ya sabes, en plan Little Richards… siempre me animaba, “Venga tío, tú puedes hacerlo mejor…”

¿Recuerdas cuando os conocieteis?

Sí…un amigo me llevó a ver a su grupo… Allí estaba John inventándose la letra de las canciones. Tenía buena pinta. Luego en el backstage nos presentaron. Toque un poco, me pidió que entrara, y el resto…

¿Envidiabas la inteligencia de John a la hora de escribir letras?

No, realmente no eramos tan distintos. Siempre se ha dicho que yo era el sentimental y él el sarcástico. Pero, por ejemplo, yo también podía escribir “Helter Skelter” y el cosas como “Goodnight” . Nadie sabe realmente cómo éramos, salvo nosotros, El otro día leí que George había aportado poco a los Beatles…¡y ellos qué sabrán!, ¡qué saben de lo que pudo aportar o no!, ¿estaban allí?,  ¡no se puede desacreditar a George así como así!. ¿Y Ringo?, La verdad de esta clase de pregunta depende de hacia donde tú estás mirando: en la superficie, o debajo de la superficie. En la superficie, Ringo era solo un baterista. Pero hay muchísimo más que eso de él.

La mayoría de los artistas quieren demostrar que su trabajo en solitario es igual de bueno que su trabajo con sus bandas…

Cuando los cuatro nos poníamos, eramos mucho mejores de lo que somos individualmente…

En cierto modo, cuando John y tú no erais tan famosos…¿deciais vamos a “componer una casa” o “vamos a componer un coche”?

Sí…vamos a componer una piscina…

Sin embargo, ahora eres multimillonario…, ¿qué te hace seguir componiendo?

Quizás el orgullo, no sé. Picasso tampoco pasaba hambre y seguía pintando. No creo en esa teoría que dice que hay que estar jodido para hacer arte . Hay quien dice que la vida doméstica mata el arte, no lo creo. Creo que lo que a mí me falta para ser tan bueno como antes es John, Ringo y George. Tener otros tres grandes talentos alrededor.

¿Te hubiera gustado que los Beatles continuaran?

Sí, me hubiera gustado volver a hacer giras, pero John no quiso. Cuando hice esa sugerencia John dijo “¿Estas tonto?, no quería decirlo aún pero os dejo, me voy”.  Klein le dijo a John que no dijera nada para no perjudicar nuestra renovación de contrato.

¿Fue por eso que decidiste comunicarlo tú? ¿fue una forma de vengarte?

Habían pasado dos o tres meses…Yo iba a lanzar “McCartney”, mi primer álbum en solitario, sabía que todo el mundo me iba a preguntar sobre The Beatles, ya sabes, estábamos sacando discos en solitario… ¡Y John ya nos había dicho que se iba! Así que decidí incluir una entrevista en la que dejaba todo claro. Creo que eso molestó a John. Supongo que John preferiría haberlo dicho primero. Quizás fue un poco estúpido por mi parte hacerlo así, pero creía que alguno de nosotros debía decir algo, no me gusta tener engañada a la gente.

¿Cómo te afectó la ruptura?

Me costó superarlo. Recuerdo cuando Neil Aspinall, tenía que leer el parte oficial de la disolución de la sociedad. Supuestamente, tenía que decirlo en vivo a todos nosotros en una voz muy seria y no pudo hacerlo. Se le quebró la voz. Y todos nosotros, de repente nos dimos cuenta, de la clase de consecuencia física que produciría lo que había estado ocurriendo. Yo pensé, ‘Oh, Dios, verdaderamente hemos acabado con Los Beatles. Qué mierda’. Me sentía como un parado. Me sentía inútil…, sí, tenía mucho dinero, pero me sentía basura. Drogas, alcohol… Nunca pensé en suicidarme ni nada de eso, pero fue un muy mal momento. Realmente yo me hundí por primera vez en mi vida. Hasta ese momento, yo realmente era una especie de engreído. Era la primera vez que la confianza en mi mismo sufría tal impacto. Fue muy malo para Linda. Ella tuvo que lidiar con este tipo que casi no salía de la cama, y si lo hacía, quería regresar a ella lo más pronto posible. Quería beber cada día, más y más temprano, no veía razón para afeitarse, porque, ¿para donde iba a ir? Y toma en cuenta que yo era generalmente muy morboso

¿Qué te hizo fundar Wings?

Llevaba 15 años en un grupo, pensé ¿qué hago con mis canciones si no tengo un grupo?… cuando te quedas sin trabajo la primera reacción es encontrar otro

¿Qué piensas ahora del material de Wings retrospectivamente? ¿Estás orgulloso de él?

Durante un tiempo pensé que era material de “segunda categoría” comparado con mi trabajo con los Beatles, pero me encuentro a muchos fans que me dicen que “My love”, “Band on the run” o “Mull of Kinture” son sus temas preferidos. Creo que hicimos cosas muy buenas

Se criticó mucho la presencia de Linda en el grupo…

Sí, sobre todo al principio, pero poco a poco se ganó al público. En cierto modo entiendo las críticas, la gente quería unos nuevos Beatles y yo estaba con mi mujer en el escenario…

¿Hablamos de drogas?

No me gusta hacerlo, ya sabes, tengo cuatro hijos. No obstante no podemos hablar de la Marihuana igual que de la heroina. Yo he tomado Cocaína pero no me gusta. Creo que el “valium” es mucho más peligroso que la marihuana… No sé… Hay mucha hipocresía con este tema…

En 1980 fuiste arrestado en Japón por posesión de drogas

Fue un infierno. Nueve días en una prisión japonesa. Los presos me pedían que les cantara cosas. Me aterraba la idea de ser violado y dormía con el culo pegado a la pared…

En la entrevista con John de hace cuatro años, repasamos algunas de vuestras canciones, me gustaría hacer lo mismo contigo…Empecemos con “love me do”

La primera canción que grabamos. John tenía que cantar pero al final canté yo porque el tenia que tocar la armónica. Estaba histérico.

All my loving

Yo la escribí. Es la primera vez que hice la letra antes que la música

I wanna be your man

Nos encontramos a Mick jagger y a Keith Richards y nos preguntaron si teníamos algo para ellos, y se la prestamos. Nosotros, bueno, George, les ayudó a conseguir su contrato con DECCA. Eramos amigos

“Not a second time”

John la escribió influenciado por Smokey Robinson

“I should have known better”

Deberías haber estudiado antes de venir, esa también es de John

And I love her

Es una canción de amor, no va dirigida a nadie en general pero me pareció original dirigirla a alguien en tercera persona. Es muy bonita, aún me gusta

Can’t buy me love

Me hace sentir orgulloso la versión que hizo Ella Fitzeralll

You’ve got to hide your love away

Esta es de John muy influenciado por Dylan

In my life

John tenía la letra, era como un poema. Yo le añadí la música, aunque por lo que he oído el niega que la música fuese mía…

Taxman

Es de George. Yo toqué la guitarra eléctrica

Yesterday…

Me levanté con la melodía en la cabeza. Me senté al piano y saqué los acordes. La soñé ¿Cómo podía ser tan fácil? Ese día se la toqué a todo el mundo porque no me podía creer que fuera una canción nueva, pensaba que la habría oído por ahí y que me había venido a la cabeza durante el sueño. Fue algo mágico

Good day sunshine

La escribí influenciado por Lovin’ Spoonful

Sgt Pepper’s

Tuve la idea en un avión… Pensé que estaría bien que perdiésemos nuestras identidades y creásemos una banda ficticia… Pensé que un nombre a la moda de la época, ya sabes, uno de esos nombres largos y estúpidos tipo “Dr. Hook & the medicine show and travelling circus”. Así surgió

Getting Better

La escribí en mi casa. Cuando se la canté a John yo estaba con el estribillo, ya sabes “cada vez va mejor, mejor, mejor” y entonces John hizo el famoso cor “no podía ir peor”… muy de John. Era genial

When i’m 64

Compuse la melodía cuando tenía 15 años, años después añadí la letra. Era un tipo de cabaret.

John dijo que nunca habría podido escribir algo así…la detestaba

¿Quién conoce los gustos de John?, a John le gustaba una cosa y a los 5 minutos la odiaba, dependía de su estado de ánimo… No lo sé, no me importa… A mí me gusta

Fixing a hole

Me gusta. También es mía. Esta tiene anécdota: el día que la íbamos a grabar llegó un tío a mi casa y me dijo “Hola, soy Jesucristo”, yo pensé que era un chalado pero no quería arriesgar…(risas) así que me lo llevé al estudio y se lo presenté a los chicos. Nunca volvimos a verlo

Back in the USSR

La escribí como un homenaje a los Beach boys. Me gusta

Hablanos de tus colaboradores post-John

Me gustó trabajar con Denny, Stevie Wonder y Michael Jackson, me gustan sus voces…Michael me llamó y escribimos un par de canciones pero nunca colaboramos realmente, nunca fuimos un equipo

Admiras a Jackson como compositor?

No, aún no ha hecho casi nada. Admiro a Stevie Wonder

¿aún sigues buscando un compañero?

No lo busco, tampoco busqué a John, simplemente ocurrió y fue genial. No creo que encuentre alguien con el que pueda trabajar igual que con él, más que nada porque no hay nadie como él. No era malo el muchachito…

Ya en 1985, se inagura, en el Central Park de Nueva York el John Lennon Memorial, conocido popularmente como “Strawberry Field”. Se trata de un gran mosaico circular situado justo en una de las entradas situadas cerca del edificio Dakota donde vivía el propio John. La palabra “Imagine” -justo en el centro del mosaico-  es la única inscripción..

En 1985 Paul vería como  Michael Jackson, al que le unía una reciente amistad desde 1981, había seguido uno de sus consejos…, uno del que se arrepentiría toda la vida. Un día, hablando sobre el negocio del espectáculo, Paul recomendó a Jackson que debería introducirse en el mundo de la edición musical (Paul era todo un experto y ya había comprado el catálogo de gente como Buddy Holly). Tiempo después recibió una llamada de Jackson: “He comprado tus canciones”.

Recapitulemos, en primer lugar, ¿qué es la edición musical? Un editor es la persona física o jurídica, titular de los derechos de reproducción, distribución y comunicación pública sobre una obra musical, como consecuencia de su adquisición al propio autor de la obra, o a sus derechos. Los músicos que empiezan (sin dinero y habitualmente sin los conocimientos necesarios) suele recurrir a un editor, quien -por un porcentaje de las ganancias, publica el tema y, si los músicos carecen de formación académica, también lo registra a nombre de ellos (el derecho de autor es inajenable, otra cosa es la cesión de los beneficios que pueda generar la canción que sí que pueden cederse en un porcentaje o totalmente). De esta forma, Paul y John crearon en 1962 una empresa -“Northern Songs”-con el editor Dick James. James sería el poseedor del 50%, Paul un 25%, John un 25% y Brian Epstein un 10%.

Al crearse una canción, se reparte dinero de la venta de cada disco entre el autor, el músico que la toca, el editor y la compañía discográfica. Sobre las grabaciones originales la ganancia del editor es menor, pero en el caso de las versiones posteriores sobre el mismo tema, la cosa cambia: sólo se pueden hacer solo si el editor lo permite…, ergo, hay que pasar por caja. Así que el editor gana dinero cada vez que se tocan las versiones originales, y cada vez que alguien las versiona, reproduce, imprime su letra, etc. (aunque sean los mismos autores). En pocas palabras, el editor es el dueño de la canción. Como os conté, a finales de los 60s, Dick James le vendió sus acciones a Sir Lew Grade, dueño de ATV y de EMI, la compañía discográfica de los Beatles.  Así, ATV pasó a poseer más de 260 canciones del catálogo de los Beatles y , de esta forma, cada vez que John y Paul tocasen sus propias canciones, deberían pagar a ATV.

Pues bien, A finales de los 80s, Sir Lew Grade decide deshacerse del catálogo. Grade llamó a McCartney y le ofreció el catálogo por 20 millones de dólares. Paul aceptó la oferta pero dijo que iba a llamar a Yoko Ono para comprarlo a medias, como condescendencia con la viuda del coautor del catálogo, John.  Yoko aceptó pero dijo que intentaría renegociar el precio y McCartney creyó que merecería que lo intentara. Entre tanto tuvo esa conversación con Michael de la que os hablaba en la que le aconsejaba introducirse en el mundo de la edición musical. Michael Jackson se enteró de la oferta de Sir Lew y se adelantó. Michael, millonario absoluto por las ventas de “Thriller”, ofreció más de 47 millones de dólares por toda la empresa ATV, incluyendo el catálogo de The Beatles. Su amistad con Paul se truncó para siempre.

Mientras, antes de que acabe este 1985, McCartney edita “Spies Like Us” canción principal de la película del mismo título protagonizada con Chevy Chase y Dan Aykroyd, y consiguiendo un Top-10 en la lista de éxitos yanqui.

Ya en 1986, se edita un nuevo trabajo póstumo de Lennon. En esta ocasión se trata de la edición en LP del concierto que John dio en el Madison Square Garden en el 30 de agosto 1972. “Live In New York City“. No fue un gran concierto y, por lo tanto, el disco no es gran cosa…, pero no deja de ser una nueva oportunidad del disfrutar al enorme John. El LP fracasó comercialmente, no pasando del puesto 40.

Durante el verano del mismo año, agosto de 1986, el incansable Paul edita un nuevo LP: “Press To Play” (enlace a review en Guilletek’s), su peor trabajo de la década y uno de los más flojos de su carrera. McCartney quería dar un cambio en su carrera musical y buscar un sonido contemporáneo. Para ello reclutó a Hugh Padgham, productor musical de Peter Gabriel, Genesis, Phil Collins, The Police o XTC.

Músicos como Eric Stewart (10 C.C), Pete Townshend o  Phil Collins, Eddie Rayner colaboraron en un disco no demasiado inspirado. El frío sonido ochentero de Padgham tampoco hizo demasiado en su favor. Las críticas fueron muy favorables, las mejores desde “Tug Of War,  pero las ventas fueron las peores de la carrera de Paul. El LP tiene temas rescatables, como la briosa “Stranglehold“, el single “Press“, la romántica “Only Love Remains” o la notable “Footprints“, pero poco más.

El prestigio de McCartney había caído sensiblemente tras “Tug Of War”. Los fracasos de la película “Give My Regards To Broad Street” (1984) y del LP “Press To Play” (1986) habían dañado su imagen entre los críticos y el público. Si a eso le unimos que la figura de John había crecido artificialmente tras su muerte, comenzamos  a tener el caldo de cultivo del mito que decía que el verdadero genio de los Beatles era John. Paul no entendió nunca dicha dicotomía y comenzó a afectarle seriamente. Le habían herido en el orgullo al dudar de su importancia en los Beatles y acusándole de blando e inofensivo. Era hora de tomar medidas: Desde 1980, Paul no había vuelto a un escenario. El asesinato de John había cambiado su forma de entender la música y, durante 7 largos años había permanecido alejado de los escenarios por miedo a un atentado. Esto cambió en 1986  y  Paul participó en el PRINCE TRUST de dicho año, con una banda compuesta por Eric Clapton, Dire Straits, Tina Turner, Elton John, Brian Adams, Phil Collins etc… Tocó tres temas, todos de los Beatles, una versión – “Long Tall Sally“, y dos de sus temas de los Beatles -intencionadamente rockeros-, “I Saw Her Standing There” y “Get Back“. No parece el setlist de un blando… McCartney comienza a reivindicar su puesto en la historia del rock. Paul y John eran igual de importantes en los Beatles, y si alguien no se había dado cuenta, era hora de demostrárselo. Paul forma una nueva banda con Hamish Stuart (Average White Band),  Robbie McIntosh (The Pretenders), Chris Whitten y Paul “Wix” Wickens. Era hora de componer y ensayar con el nuevo grupo.

El año 1986, no acabaría sin la edición de (otro) disco póstumo de John. “Menlove Ave“, cuyo título proviene de la calle donde John vivió en su infacia, es una mezcla de descartes del álbum “Rock And Roll” (1975) y de ensayos de “Wall And Bridges” (1974) y, desde luego, no funciona como LP más allá de fans acérrimos y completistas. Eso sí, tiene dos temazos ocultos de John: “Here We Go Again” y “Rock And Roll People” (que John había cedido a Johnny Winter en 1974). El disco fue un absoluto fracaso y en Inglaterra ni siquiera llegó a entrar en listas.

Desde finales de 1982, comenzaron a comercializarse discos en un nuevo soporte: el disco compacto (CD). En 1987 ya comenzaba a ser el soporte mayoritario y era lógico que los Beatles tuvieran su edición en dicho soporte.Para la reedición de la discografía de los Beatles en CD y con la idea de recipilar todos los singles no publicados en los LP’s originales, se prescindió del recopilatorio “A Collection of Beatles Oldies”, publicado originalmente en 1966, y se sustituyó en por los CD recopilatorios “Past Masters – Volume One y “Past Masters – Volume Two. Esta reedición incluía también el álbum norteamericano “Magical Mystery Tour”, que en su origen era un EP doble en el Reino Unido y que en Estados Unidos se había convertido en álbum al habérsele añadido los sencillos que se habían publicado en 1967.

Paul, que había empezado a grabar su nuevo disco de estudio en septiembre, edita en noviembre de 1987 el segundo recopilatorio de su carrera “All The Best!“, recogiendo temas de su carrera en solitario (9), con Wings (9) y un tema inédito, la notable “Once Upon A Long Ago“. La selección se centra demasiado en los megahits comerciales de Paul y deja de lado algunas de sus mejores canciones. Con todo, tuvo un gran éxito comercial, alcanzando el puesto número 2.

No obstante, la mejor noticia de 1987 fue, sin duda, el regreso discográfico de George Harrison tras cinco años de silencio. Harrison había descansado de la industria discográfica, sabía que tenía buen material -compuesto a lo largo de estos cinco años- y que era el momento perfecto para volver. Con la idea de calentar el ambiente para su vuelta, George, siguiendo la misma estrategia de Paul McCartney el año anterior, reaparece sobre los escenarios en el Prince Trust de 1987 junto a Ringo. Como hiciera Paul, elige una canción de los Beatles para reaparecer: “While My Guitar Gently Weeps

Para producir su nuevo disco y decidido a buscar un sonido mucho más contemporáneo, Harrison eligió al líder de la Electric Light Orchestra, Jeff Lynne. Otras luminarias de la talla de Jim Keltner, Ringo Starr, Eric Clapton, Gary Wright y Elton John se unieron a la grabación. En octubre de 1987 y como adelanto al disco edita el single  “Got My Mind Set On You” (versión de un tema original de Rudy Clark y que Harrison intentó grabar con los Beatles en la primera época del grupo), consiguiendo un número 1 en las listas de éxitos estadounidenses y el #2 en las británicas. En noviembre de edita el esperadísimo “Cloud Nine“, sin duda su mejor disco desde All Things Must Pass. La crítica eleva el disco a clásico y lo resultados comerciales son bastante decentes (#10 en el Reino Unido y el #8 en Estados Unidos). Y es que estamos ante un gran disco, compuesto de canciones fabulosas como la homónima “Cloud 9“, “That’s What It Takes“, la genial “Fish on the Sand“, la maravillosa “This Is Love“. Incluso hay tiempo para un tributo a sus ex-compañeros Beatles con “When We Was Fab” , en cuyo videoclip podemos ver a Ringo y a un zurdo disfrazado de morsa tocando un bajo Rickenbaker…, pero no era Paul, aunque fue invitado y no pudo acudir.

La casa de discos quería una cara B comercial para el tercer single del álbum -“This Is Love”-, por lo que Harrison se puso manos a la obra y compuso la fantástica “Handle with care”. George llamó de nuevo a Jeff Lynne para que la produjera, pero Jeff estaba con Tom Petty y Roy Orbison trabajando en el disco de éste, así que decidió invitarlos a la sesión de grabación con George que, por cierto, se iba a producir en los estudios de Bob Dylan (que también rondaba por allí)… En una de las más maravillosas casualidades de la historia del rock, todos los músico participaron en la grabación. Cuando George llevó el single “Handle With Care” a Warner Music, los jefazos quedaron mnaravillados con la canción y no la aceptaron como cara B…Querían un disco de este supergrupo.  A George y Jeff les gustó la idea y decidieron inventarse una historia acerca de cinco músicos ambulantes de una misma familia (hijos del “ilustre” Charlie T Wilbury). Habían nacido The Traveling Wilburys

El primer disco del supergrupo se edita en octubre de 1988 bajo el título de Traveling Wilburys Vol. 1. Aclamado unánimemente por la crítica, tuvo un notable éxito que se vio ensombrecido por la muerte de Roy Orbison tras un infarto, sólo dos meses después de su edición. Es un disco genial, suena a otra época, pero es fantástico… La conjunción de astros de la música da un gran resultado y el alejamiento de cualquier pretensión comercial hace que el disco esté “pasado de moda” pero que, a la vez, suene fresco y atemporal. Los temas más destacables son las composiciones de Harrison, “Handle with care” y “Heading for the light“, sin perder de vista la coral “End Of The Line“, el tema de Roy Orbison de “Not Alone Anymore” ni la dylaniana “Tweete And The Monkey Man“.

Octubre de 1988 es también la fecha elegida para el estreno del documental “Imagine: John Lennon“, sobre la vida y obra de John desde su nacimiento hasta su trágico asesinato. La película fue acompañada de un disco doble a modo de banda sonora con el mismo título. El disco incluye canciones de John con los Beatles (9) y de su carrera en solitario (11). Como recopilatorio de la obra de John con los Beatles se queda muy corto y, en cuanto a su carrera como solista, se centra demasiado en los temas más tranquilos. Lo mejor, sin duda, resulta la inclusión de un tema inédito maravilloso: “Real Love“, del que en el siguiente capítulo hablaremos detenidamente. El disco fue un fracaso total (#31 en USA y #64 en Inglaterra). En cambio, el documental, de impecable factura, fue muy bien recibido por la crítica.

También en octubre de 1988 y mientras sigue grabando su disco de estudio, Paul edita “Снова в СССР” (traducción en cirílico de “Back in the USSR”).  Un ejercicio de estilo publicado sólo en la Unión Soviética y que fue grabado en dos días a base de versiones de clásicos del rock’n’roll. Encontramos buenas versiones de “Twenty Flight Rock“, “Summertime“, “Lawdy Miss Clawdy” y “Lucille” entre otras. Paul pretendió que este disco fuera un regalo a sus seguidores soviéticos, que no podían adquirir grabaciones legales de rock occidental en el mercado soviético. No deja de ser una curiosidad, aunque disfrutable, que, en 1991, acabó editándose en todo el mundo.

La década tocaba a su fin y en 1989 Ringo, tras seis años de silencio discográfico, edita un nuevo trabajo: el recopilatorio “Starr Struck: Best of Ringo Starr, Vol. 2″. Ringo había estado retirado aquejado de un importante problema de adicción al alcohol que superó a comienzos de 1989 tras un proceso de rehabilitación a comienzos de 1989. El recopilatorio recoge canciones del periodo 1973-1983 y no tuvo la más mínima repercusión comercial.

Y en Junio de 1989, al fin, se edita “Flowers in the Dirt” (enlace a review en Guilletek’s), el disco en el que Paul había estado trabajando desde 1987. La crítica calificó el disco con las más altas notas, las mejores que había recibido en años. Fue número 1 en toda Europa (en USA no pasó del 20) y supuso una total recuperación artística de McCartney. ¿Qué hizo para conseguirlo? En primer lugar comienza a colaborar con un nuevo compañero -Elvis Costello- con el que co-escribe cuatro canciones del disco y, en segundo plano, la colaboración de varios productores que le dan al disco un sonido contemporáneo pero sin abandonar la esencia clásica de McCartney. Un ejemplo de dicha conjunción de clasicismo y modernidad son los fabuloso singles My Brave Face“, “Put It There” y “This One” de marcada impronta (y nivel) beatle pero no exentas de sonidos propios de finales de los 80. El disco está lleno de temazos como “We Got Married“, la adictiva “Figure Of Eight” o la delicada “Distractions“. Un disco maravilloso que devuelve a Paul al candelero.

Pero el gran paso aún estaba por dar, Paul McCartney estaba decidido a recuperar su prestigio y en septiembre de 1989 comienza una gira de más de un centenar de conciertos que le llevó por todo el mundo hasta Julio de 1990. Durante esta gira mundial -denominada The Paul McCartney World Tour- y con cierto cariz reivindicativo Paul interpreta un buen número de canciones que compuso mientras formaba parte de los Beatles, hasta un total de 16:  “Got to Get You into My Life“, “The Long and Winding Road“, “The Fool on the Hill“, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (reprise)”, “Good Day Sunshine“, “Can’t Buy Me Love“, “Things We Said Today“, “Back in the U.S.S.R.“, “Eleanor Rigby“, “I Saw Her Standing There“, “Let It Be“, “Hey Jude“, “Yesterday“, “Get Back” y el medley de Abbey Road “Golden Slumbers” / “Carry That Weight” / “The End”. Paul estaba decidido a recuperar su posición en la historia de los Beatles: “sé que hay mucha gente a la que no le caigo simpático y que creen que John hizo todo… John era muy bueno pero yo no soy tan malo… Si ves cualquier recopilatorio de los Beatles verás que la mayoría de las canciones son mías”. La gira fue un éxito sin precedentes, los conciertos eran espectaculares… pero el cenit llegó en Río: Paul tocó en Maracaná ante 184 mil espectadores. Aún hoy en día, es el concierto más grande que se ha dado en recinto cerrado. Otro concierto memorable fue el de Liverpool…allí Paul realizó un bonito homenaje a John cantando “Help”, “Strawberry fields” y “Give peace a Chance”…

Semejante gira se merecía una película del evento (“Get Back” fue el título ) y un fantástico álbum: “Tripping The Live Fantastic“, un memorable triple disco en directo en el que Macca repasa sus mejores temas en solitario, con Wings y -cómo no-  con los Beatles.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 14 de abril de 2013

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THE BEATLES. Capítulo 18 (1980). The Dream Is Over. El asesinato de John Lennon

“Básicamente lo hemos decidido, sin ningún gran drama, para estar con nuestro bebé tanto como nos sea posible…, hasta que sintamos que podemos tomarnos el tiempo libre para disfrutar de nosotros mismos trabajando en cosas fuera de la familia”, así explicaba John en una entrevista concedida en Tokio en 1977, cuando ya llevaba dos años retirado. “Rock & Roll” , de 1975, fue el último disco editado por Lennon pero era un disco de versiones por lo que, en 1980, el mundo llevaba 6 largos años -“Walls & Bridges” es de 1974- sin ninguna nueva canción del genial artista.

En enero de 1980, John anuncia su vuelta al estudio. Al mes siguiente John y Yoko conceden una jugosa entrevista a Playboy en la que John explica las razones de su retiro: “He estado horneando pan y cuidando al bebé. Había estado bajo obligación o contrato desde que tenía 22 años y hasta después de cumplir 30. Después de esos años, eso era todo lo que conocía. No era libre. Estaba enjaulado. Mi contrato era la manifestación física de estar en prisión. Fue más importante encararme a mí mismo y encarar la realidad que continuar una vida de rock ‘n’ roll y seguir bajo los caprichos de tus actuaciones o de lo que el público opina de ti. El rock ‘n’ roll dejó de ser divertido. Decidí no tomar las opciones estándar de este negocio… ir a Las Vegas y cantar tus éxitos, si tienes suerte, o ir al infierno, que es a donde Elvis se fue. No necesito sacar 20 discos ni ganar 100 discos de oro…, no lo necesito. Dejemos eso a Wings. Que se olviden de mí, que vayan tras Paul o Mick Jagger. Yo no estoy aquí para eso. Lo estoy diciendo en negro sobre blaco junto con todos los senos y los culos de la página 196. No me molesten. Vayan a jugar con los Rolling Wings.

John afronta la preceptiva pregunta, ¿volverán los Beatles?: ¿Quieres que regresemos a mis días de colegio? ¿Por qué debemos regresar 10 años atras para ofrecerte una ilusión que yo sé que ya no existe? No puede existir. ¿Por qué deberían dar más los Beatles? ¿No lo dieron todo en 10 años? ¿No se dieron a sí mismos? ¡No puede volver a ser! Todos hablan de algo bueno que terminó como si se acabara el mundo. Pero cumpliré cuarenta cuando esta entrevista salga. Paul tiene 38. Elton John, Bob Dylan…, todos somos relativamente jóvenes. El juego no ha terminado. Todos hablan en términos del último disco o del último concierto de The Beatles, pero habrán otros cuarenta años de productividad. No estoy juzgando si “I Am The Walrus” es mejor o peor que “Imagine”. Eso lo deben juzgar otros. Yo lo estoy creando. Yo lo creo. No me paro atrás y juzgo… Aunque creo que “Imagine”, “Love” y esas canciones de la Plastic Ono Band se equiparan a cualquier canción que escribí cuando era un Beatle. Ahora, tal vez se tardará 20 ó 30 años en apreciarlas, pero el hecho es que te darás cuenta que son tan buenas como cualquier cosa que fue hecha en mi época Beatle… De hecho, no estoy satisfecho con ningún jodido disco de The Beatles. Cuando yo era un Beatle pensaba que éramos el mejor grupo pop o algo así. Pero me pones esas canciones hoy y quiero rehacer cada una de ellas. No existe una sola… Escuché “Lucy In The Sky With Diamonds” en el radio anoche. Es abismal, ¿sabes? La canción es simplemente terrible. Quiero decir, es buena, pero no fue hecha de la manera apropiada, ¿me entiendes? Pero ese es el viaje artístico, ¿no? Eso es por lo que continúas adelante. Creo que hicimos algunas cosas buenas y otras malas.

“¡Joder! los cuatro dormíamos en el mismo cuarto, prácticamente en la misma cama, en el mismo camión, vivíamos juntos noche y día, ¡comíamos, cagábamos y orinábamos juntos! ¿Me entiendes? ¡Hacíamos todo juntos!  Ya sabes, están felicitando a los Stones por estar juntos 112 años y preguntándose al mismo tiempo por qué siguen juntos. ¿Qué no pueden estar solos? ¿Tienen que estar rodeados de un grupo? Está bien a los 16, 17 ó 18 años tener compañeros hombres e ídolos, ¿OK? Es tribal y es parte de las pandillas y está bien. Pero cuando continúas haciéndolo a los cuarenta, significa que todavía tienes 16 años en la mente.”

“En resumen, The Beatles no existen y nunca más podrán existir. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Richard Starkey podrían montar un concierto, pero nunca serían The Beatles cantando “Strawberry Fields” o “I Am The Walrus” de nuevo porque ya no tenemos 20 años. No podemos ser ellos de nuevo ni lo puede ser la gente que nos escucharía… Pero no me malinterpretes. Aún amo a esos tipos. The Beatles terminaron pero John, Paul, George y Ringo seguirán”.

El entrevistador pregunta, cómo no, a John sobre su relación con el resto de los miembros de los Beatles: “No somos ni los mejores amigos del mundo ni nos llevamos mal. Ni lo uno ni otro. No he visto a ninguno de los Beatles por no sé cuánto tiempo.

Lennon habla en particular de su relación con cada Beatle, así, sobre Ringo dice: “Ringo era una estrella por derecho propio en Liverpool antes de que lo conociéramos. El era un baterista profesional que cantaba e interpretaba y además estaba en uno de los grupos más importantes de la Gran Bretaña. Así que el talento de Ringo hubiera salido de alguna u otra manera. No sé en qué hubiera terminado, no lo sé, pero hay algo en él que implica proyección y  hubiera destacado con o sin The Beatles. Ringo es un muy buen baterista. No es técnicamente bueno, pero creo que la forma de tocar de Ringo está infravalorada,  como la de Paul con el bajo. Paul fue uno de los bajistas mas innovadores. Y la mitad de las cosas que se hacen ahora son copias de lo que él hizo con The Beatles. Es un egomaniaco sobre todo lo que se relaciona con él, pero siempre fue modesto en relación a su forma de tocar el bajo. Creo que Paul y Ringo están al nivel de cualquier músico de rock. Ninguno de nosotros podía leer su música. Ninguno podía escribirla. Pero como músicos puros, como seres humanos inspirados para hacer ruido, son tan buenos como cualquier otro”.

Con George, sin embargo, no tiene tan buenas palabras:” Creo que “All Things Must Pass” fue un buen disco, aunque creo que era muy largo... De todas formas estoy bastante dolido con George, su autobiografía, “I, Me, Mine”, me hizo daño. El sacó un libro de su vida en donde, por omisión, señala que mi influencia en su vida es absolutamente nula. En su libro, que claramente está diseñado para mostrar sus influencias en cada canción que escribió, recuerda cada músico o guitarrista de poco valor que conoció en los años subsecuentes, pero yo no estoy en el libro… La relación entre George y yo fue aquella de un seguidor joven con alguien mayor. Él tiene tres o cuatro años menos que yo. Es una relación amor-odio y creo que George todavía resiente que yo haya sido el papá que dejó el hogar…. El caso es que me dejó a un lado, como si yo no existiera. No quiero ser tan egocéntrico, pero el fue un discípulo mío cuando empezamos. Recuerdo el día en que llamó para pedir ayuda para “Taxman”, una de sus mejores canciones. Le di algunas líneas para ayudarlo con la canción porque eso fue lo que pidió. No me apetcía hacerlo. Pensé: “oh, no, no me digas que ahora tengo que hacer el trabajo de George”, pero, porque lo quería, le dije que sí. Lo de componer era cosa mía y de Paul. Él se quedaba fuera porque no tenía nuestro nivel. Si escuchas los primeros álbumes de The Beatles, las versiones inglesas, él sólo tenía una canción. Las canciones que él y Ringo cantaban al principio eran las canciones que eran parte de mi repertorio en los salones de baile. Yo solía escoger las canciones para ellos de mi repertorio, las más fáciles de cantar. Así que estoy ligeramente resentido por el libro de George”.

Y, por supuesto, Paul es el que más tiempo se lleva en la entrevista: “Alguien me preguntó sobre qué pensaba del último álbum de Paul y yo comenté que parecía que Paul estaba deprimido y triste. Escuché una canción, “Coming Up”, que pienso que es muy buena. Después oí alguna otra que sonaba como si él estuviera deprimido. Pero no sigo su trabajo. No sigo a Wings. No me importa lo que Wings esté haciendo o qué está haciendo el nuevo álbum de George o lo que está haciendo Ringo. No me interesa, no más de lo que estoy interesado en lo que están haciendo Elton John o Bob Dylan. No es insensibilidad, es sólo que estoy muy ocupado viviendo mi propia vida para estar siguiendo lo que la otra gente hace, sea The Beatles o la gente con la cual fui a la escuela o la gente con la que tuve relaciones intensas antes de conocer a The Beatles. Pero, para ser franco, siento cierta admiración por cómo Paul empezó de cero, formando una nueva banda y tocando en salones de baile pequeños porque eso es lo que quería hacer con The Beatles. Quería que regresáramos a los salones de baile y que experimentáramos eso de nuevo. Pero yo no lo hice. Admiro que se haya bajado de su pedestal, hizo lo que quería hacer. Eso está bien. Aunque, musicalmente, creo que “The Long And Winding Road” fue su última bocanada de aire. Aunque en realidad no he escuchado nada suyo… No pienso lo que dije en “How Do You Sleep”, eso de que “todo lo que hiciste fue “Yesterday”/Ayer y ahora eres sólo “Another Day”/Uno más”…, no  lo pensaba. Pero usaba mi resentimiento en contra de Paul para crear una canción, pero sí pienso que, de alguna manera, a Paul se le murió la creatividad.

“Pero no hay problema con Paul, simplemente hace tiempo que no nos vemos y hablar con él es difícil. No he hablado realmente con él en 10 años. Debido básicamente a que no he estado con él. He estado haciendo otras cosas y él también. Tú sabes, el tiene como 25 hijos y como 20 millones de discos en el mercado, ¿cómo podría gastar su tiempo en hablar? Siempre está trabajando… Hubo una época en el que Paul venía constantemente con una guitarra. Lo dejaba entrar pero finalmente le dije: “Por favor, llámame antes de venir. Ya no estamos en 1856 y no puedes presentarte así. Sólo llámame antes”. Se molestó por mi comentario pero no se lo dije en mal plan. Lo que le quise decir es que me estaba encargando del bebé todo el día y tenía que lidiar con un tipo que aparecía en la puerta. Bueno, de todas formas, esa noche, él y Linda volvieron y yo estaba sentado viendo el “Saturday Night Live” y un tipo apareció ofreciendo $3,200 si íbamos y cantábamos tres canciones. Yo le dije a Paul que el estudio estaba cerca y Paul dijo: “Ja! ¿No sería divertido ir?”. Casi vamos al estudio, sólo como broma. Casi nos vamos en taxi para allá pero estábamos muy cansados y no fuimos… Pensándolo ahora, fue la última vez que vi a Paul”.

No echo de menos a Paul a la hora de hacer música. Nunca he sentido la pérdida. No quiero sonar negativo, como si no necesitara a Paul, porque cuando él estaba ahí obviamente funcionaba. Pero no puedo… Es más fácil decir lo que yo le di que lo que el me dio a mí. Y el diría lo mismo. Pero lo cierto es que funcionábamos bien, hicimos muchas canciones cara a cara en el cuarto de hotel o en una camioneta. En general, pordríamos decir que podrías decir que él aportó optimismo, mientras yo siempre me iba por la tristeza, la discordia, un cierto dejo de tristeza. Hubo un periodo en el cual yo no escribí canciones con melodía. Paul hizo todas esas buenas melodías y yo sólo aporté puros gritos de rock ‘n’ roll.  Paul estaba muy capacitado, tocaba muchos instrumentos. Decía: “¿Por qué no cambias eso? Has incluido esta nota 50 veces en la canción”. Ya sabes, yo enganchaba una nota y la repetía todo el tiempo. Por otra parte, yo era el que sabía hacia dónde ir con una canción, una historia que Paul había empezado. Yo siempre lo tuve más fácil con las letras, aunque Paul es un letrista muy capaz que no piensa que lo es. Así que no lo trabaja. Más que enfrentar el problema, lo evita. “Hey Jude” es un buen conjunto de versos. Yo no contribuí a la letra ahí. Y hay un par de líneas que  indican que es un buen letrista. En esos días, no nos preocupaba la letra siempre y cuando la canción tuviera un tema vago, “ella te ama, él lo ama, todos se aman”. Era el gancho, la línea y el sonido lo que buscábamos. Esa es aún mi actitud pero no puedo dejar las letras solas. Todavía tengo que hacer que tengan sentido al ser aisladas de las canciones”.

La entrevista finaliza con el entrevistador proponiéndole a John que le hable sobre algunas canciones:

PLAYBOY: Se dijo que “It won’t be long” presenta “cadencias eólicas de reminiscencias clásicas”…
“A día de hoy, no tengo la más mínima idea de que quiere decir…a mí me suena a pájaros exóticos…”

PLAYBOY: ¿Qué me dices de “In my life”?
“Es la primera canción que escribí conscientemente sobre mi vida…Paul me ayudó con la parte central de la canción”

PLAYBOY: “Yesterday”…
“¿Qué te voy a decir de Yesterday?… He recibido muchas felicitaciones por Yesterday, pero yo no la escribí…Es únicamente de Paul, es la canción de Paul, es su bebé…Es preciosa, pero yo nunca deseé haberla escrito “

PLAYBOY: “With a little help from my friends”…
“También es de Paul… Yo le ayudé con algunos versos”

PLAYBOY: “I am the walrus”…
“La primera línea la escribí en un viaje de ácido. La siguiente línea la escribí en el siguiente viaje de ácido. En realidad es un poco una crítica del Hare Krishna…Son referencias un poco oscuras.”

PLAYBOY: ¿Qué me cuentas de “She came in through the bathroom window”?
“Es de Paul, la escribió en Nueva York…Creo que fue cuando conoció a Linda…Quizás fue ella quien entró por la ventana…No lo sé”

PLAYBOY:”I feel fine”
“Ese soy yo…Es la primera vez que se grabó un efecto “feedback”…Desafío a cualquiera a que me muestre una grabación anterior

PLAYBOY: “When I’m 64”
“Completamente de Paul. Yo nunca podría haber escrito algo así.”

PLAYBOY: “A day in the life”
“Estaba leyendo un día el periódico y leí dos noticias. Una era sobre el heredero de Guiness que se había matado en coche…En la siguienta página estaba la noticia de los agujeros en Blackburm…Incluí todo eso en la letra. La contribución de Paul es la fantástica parte central. Creo que la canción es jodidamente buena”.

PLAYBOY:”I wanna be your man”
“Paul y yo la escribimos para los Stones. Necesitaban una canción y la compusimos delante de ellos…Creo que fliparon…A partir de entonces Mick y Keith empezaron a escribir y componer juntos”

PLAYBOY: “Strawberry fields”
“Es un lugar real, estaba cerca de mi casa…Le di un toque surreal…Lewis Carroll influyó mucho en mí, yo veo el mundo así, soy surrealista…Quizás pueda parecer loco, pero no lo estoy… “

PLAYBOY: “Help!”…
“Estaba pidiendo auxilio de verdad…Estaba gordo e inseguro y me encontraba perdido…De todas maneras estando en los Beatles no se notaba que yo estuviera hecho polvo…Desayunábamos con Marihuana y vivíamos en una burbuja “

PLAYBOY: ¿Qué nos cuentas de la canción de Paul “Hey Jude”?
“Es genial. Paul dice que es sobre Julian, se le dan muy bien los críos y, para Jules, era como un tío… Pero yo siempre he creído que hablaba de mí…¡Joder!, ¡parezco uno de esos fans que busca cosas raras en las canciones!, pero de verdad lo creo… Yoko acababa de entrar en escena y, subsoncientemente, estaba diciendo “Hey John”, “vete con ella”, su ángel interior decía “Dios os bendiga”, su demonio sin embargo no quería perder a su compañero…”

PLAYBOY: “Because”
“Estaba escuchando a Yoko tocar el piano…Era la “Sonata del Claro de Luna”…Le dije “¿puedes tocarla al revés?”…Lo hizó y compuse la melodía sobre aquello”

PLAYBOY: ¿Por qué firmabais como Lennon-McCartney si muchas de vuestras canciones eran trabajos en solitario?
“Paul y yo hicimos un trato cuando teníamos 15 años, nunca hubo nada escrito, ningún contrato…Decidimos que así fuera y nunca hubo ningún problema”

PLAYBOY: “Do you want to know a secret”…
“Está basada en una canción infántil que mi madre me cantaba… Escribí la canción y se la di a George para que la cantara…Él no cantaba muy bien entonces (1964) pero esta era fácil de cantar, ahora ha mejorado muchísimo”

PLAYBOY: “Across the Universe”…
“Los Beatles no la grabaron bien, creo que -a veces- Paul subconscientemente trataba de destruir mis grandes canciones. Siempre experimentábamos con ellas…mira “Strawberry fields”…Funcionaban pero no quedaban todo lo bien que deberían…Podíamos pasar horas y días perfeccionando una canción de Paul, sin embargo cuando llegábamos a las mías, entrábamos en un clima de experimentación y dejadez…”

PLAYBOY: ¿sabotaje?
“Inconscientemente sí. Quizás estoy paranoico… “

PLAYBOY: ¿Qué esperas de los 80?
“Podemos hacer realidad nuestros sueños. Todo es posible…Pero no espereis que ni Ronald Reagan, ni Bob Dylan, ni John Lennon, ni Yoko, ni Jesucristo vayan a hacerlo por vosotros…Tenéis que hacerlo vosotros mismos, son vuestros sueños”.

John hizo un repaso de todo y de todos en esta entrevista. Lennon mantiene su habitual irónica arrogancia en sus respuestas, especialemente al hablar de George y de Paul. John seguía la carrera de George y, sobre todo, la de Paul. La propia Yoko reconoció que John escuchaba los discos de McCartney en solitario y, frecuentemente, acababa llorando. Pero John tenía que mantener su imagen de chico duro de Liverpool, tal y como comenta Paul: “es típico de John, por fuera parece un cabrón, pero cuando estás con él te das cuenta de que tiene un corazón enorme” .

Poco a poco se fue haciendo público que John y Yoko volvían al showbiz. En agosto de 1980 y tras unas vacaciones en las Bermudas, John, Yoko y el productor de Aerosmith, Jack Douglas, entran al estudio donde grabaron docenas de canciones. John había empezado a componer en serio desde principios de 1980 (demos casera de “Dear Yoko“, “Real Love” y “I’m Loosing You“). “Había material de John para un par de discos”, recuerda el productor pero la idea de John y Yoko era editar un álbum conjunto en el que cada uno interpretaría sus canciones (tal y como hicieron en el desastroso “Some Time in New York City”. La idea de Lennon era editar un primer Lp a finales de 1980 y otro en la primavera de 1981 cunado planeaba volver a los escenarios y realizar una gira mundial. Douglas recuerda : “John imaginaba una gran producción para su gira en la cual incluiria canciones de The Beatles con nuevos arreglos para algunas canciones que él decía que no habían sido bien grabadas como  ‘She Loves You’ y  ‘I Want To Hold Your Hand’.”

Durante la grabación del disco, el miércoles 13 de agosto y siempre según versión de Jack Douglas, Paul  llamó  al estudio para hablar con John y sugerirle una colaboración, pero Yoko decidió que no se informara a John. “Es una lástima y resulta irónico”, afirma el productor, “porque por lo que yo escuche de John, él estaba con la idea de llamar a Paul para escribir algo juntos…”

El 9 de octubre, , coincidiendo con su cuarenta cumpleaños, John edita el single de adelanto “(Just Like) Starting Over“, una fantástica canción con aire de rock añejo, que alcanzó un número 5 en listas y preparaba el camino para la edición el 17 de noviembre de 1980 del álbum de regreso de John Lennon (y Yoko Ono): “Double Fantasy” (enlace a crítica en Guilletek’s). El álbum en sí fue recibido con mucho interés, pero las ventas no respondieron. El álbum, editado por Geffen Records, debutó en el puesto 27 en las listas británicas, alcanzando la siguiente semana el puesto 14. En Estados Unidos no pasó del 11. Y es que aunque el material de John era maravilloso, las siete canciones de Yoko son una basura integral…, y un disco en el que la mitad de las canciones son malísimas no puede considerarse un buen LP. Eso sí, si aislamos el material de John, estamos ante un trabajo sublime, desde la ya mencionada “(Just Like) Starting Over“, pasando por la intrigante “I’m loosing you” (¡qué middle-8!),  la íntima “Beautiful Boy” (dedicada a su hijo Sean y merecedora de los elogios de Paul), la prodigiosa “Watching The Wheels“, la romántica “Woman” o la juguetona “Dear Yoko“, estamos ante el trabajo más inspirado de John en solitario desde “Imagine” de 1971. John había vuelto y lo había hecho a  gran nivel.

John, a pesar de que lo negara públicamente, quería consseguir el éxito musical de nuevo y siguió promocionando el disco. De esta forma, concertó una entrevista con la revista Rollingstone el 5 de diciembre. El redactor jefe de la revista, Jonathan Cott, charló con John en su apartamento durante 9 horas

Double fantasy es la primera grabación que has hecho en cinco años y, para citar tu canción The ballad of John and Yoko, “qué bien teneros de vuelta a los dos”.
Pero esa ilusión de que yo me aislé de la sociedad fue un chiste. Yo era una persona igual al resto; trabajaba de nueve a cinco – haciendo pan y cambiando pañales y cuidando al bebé. La gente no paraba de preguntar: “¿Por qué desapareciste, por qué te escondiste?”. Pero yo no me escondía. Me fui a Singapur, a Suráfrica, Hong Kong y las Bermudas. He estado en todos los sitios del maldito universo. E hice cosas bastante normales, como ir al cine”.

Pero no has escrito muchas canciones en estos años.
“No escribí ni una nota… ¿Sabes? Tener un niño fue algo muy importante para nosotros. La gente podría haber olvidado cuántas veces intentamos conseguirlo y cuántos abortos hemos tenido, y las ocasiones en las que Yoko ha estado cerca de la muerte… De hecho, tuvimos un bebé que nació muerto. Tuvimos también problemas con las drogas, y un montón de problemas públicos y privados que alimentamos nosotros y nuestros amigos. Pero es lo que hay. Nos pusimos en situaciones muy estresantes, pero al final conseguimos tener el bebé que llevábamos diez años intentando tener, y no íbamos a echarlo a perder. Estuvimos un año sin movernos: hasta practiqué yoga con la señora de pelo gris Hoy se cumplen 31 años de la muerte de John Lennon. Esta es su última entrevistade la tele [risas]”

Pero es como que tú nunca puedes ganar. La gente te critica por no componer ni grabar, pero también se olvidan de que tus últimos trabajos (Some time in New York City, Walls and bridges y Rock’n’ roll) no fueron muy bien recibidos… especialmente el agitador Some time in New York City, con temas como Attica state, Sunday bloody sunday y Woman is the nigger of the world.
“Sí, ese es el que hizo que mucha gente se enfadara. Yoko lo llama Bertolt Brecht, pero yo no sabía quién era hasta que ella me llevó a ver la producción de Richard Foreman, La ópera de los tres centavos, hace cuatro años. Fue entonces cuando lo entendí. Siempre me irritó la urgencia del sonido en ese disco, pero lo hacía conscientemente, como un periódico en el que hay errores de imprenta, los tiempos y los hechos no concuerdan, y hay esa actitud de “hay que tenerlo listo para el viernes”.

“He sido atacado muchas, muchas veces… y desde el principio: From me to you estaba “por debajo de la media de los Beatles”, no lo olvides. Eso fue lo que dijeron en NME [New Musical Express]. Jesús, lo siento. A lo mejor no era tan buena como Please please me, pero, “¿por debajo de la media?”. Nunca lo olvidaré. ¿Y sabes lo malas que fueron las críticas de los discos de Plastic Ono Band? ¡Nos destrozaron! “Un gemido simplista, autoindulgente”… esa fue la tónica de las críticas. Porque esos discos trataban sobre nosotros mismos, no sobre Ziggy Stardust o Tommy… Y Mind games, lo odiaban”.

“No sólo me pasaba a mí. Mira a Mick, por ejemplo. Mick lleva 20 años sacando unos discos bastante buenos, ¿y crees que le dan un respiro? ¿Dirán de él alguna vez, “mírale, es el número uno, tiene 37 años y ha publicado una preciosa canción, Emotional rescue, sigue en la cumbre?”. A mí me encantó. Y a mucha otra gente. Y que dios ayude a Bruce Springsteen cuando decidan que ya no es dios. No le he visto nunca, pero he oído muy buenas cosas de él. Ahora mismo sus fans son felices. Les ha hablado de emborracharse y perseguir chicas y coches y demás. Pero cuando tenga que afrontar el éxito y la necesidad de madurar y tener que repetirlo una y otra vez, le atacarán, y espero que sobreviva a ello. Todo lo que tiene que hacer es mirarnos a Mick o a mí.”

“Así que esto va así: unas veces arriba y otras abajo, arriba y abajo… Pero, ¿qué somos nosotros, máquinas? ¿Qué es lo que esperan? ¿Quieren que me suicide en el escenario? ¿Quieren que Yoko y yo follemos, o que nos matemos el uno al otro en el escenario? Cuando criticaron From me to you como un peldaño por debajo de los Beatles, en ese momento me di cuenta de que tienes que resistir, hay una especie de mecanismo por el que entras en la rueda y tienes que continuar girando.

Como lo que dices en Watching the wheels. ¿Qué son las ruedas?
El universo es una rueda, ¿no? Ruedas que giran y giran. Son mis propias ruedas, sobre todo, pero, ya sabes, verme a mí mismo es ver a losjohlennon_y_yoko_651 demás. Y también me veo a mí mismo a través de mi hijo. Lo que pasa con el niño es que… Aún es difícil. No soy el mejor padre del mundo, lo hago lo mejor que puedo. Pero soy un tipo muy irritable, suelo estar deprimido. Estoy unas veces arriba, otras abajo, siempre así, y él ha tenido que aguantarlo también, alejándome de él y luego volviendo, alejándome de él y luego volviendo. No sé cómo le afectará eso cuando crezca, pero al menos he estado ahí físicamente”.

“Todos somos egoístas, pero creo que los denominados artistas lo son por completo: hacer que Yoko, Sean, el gato o cualquier otra persona estén pendientes de mi constantemente crea bastante tensión. Por supuesto, hay alegría y tiene su recompensa, pero aún así…”

Así que luchas contra tus instintos naturales egoístas.
“Sí, de la misma forma que con las drogas, la mala alimentación o la falta de ejercicio. Es muy difícil tener que enseñarle eso a un niño, es antinatural. Tal vez sea la forma en la que fuimos criados, pero es muy difícil pensar en alguien más que uno mismo, incluso en tu propio hijo, pensar de verdad en él.”

Pero hablas de él en temas como Beautiful boy.
“Sí, pero eso es fácil… es pintar. Gauguin estuvo atrapado en el puto Tahití pintando un gran cuadro para su hija, si es que la película cuenta la verdad. Así que él está en Tahití pintando un cuadro para ella, que muere en Dinamarca, y que no le había visto en 20 años; él padece una enfermedad venérea y se está volviendo loco allí. Él muere y el cuadro acaba quemándose, así que nadie vio nunca la obra de arte que le llevó toda su puta vida. Y yo siempre estoy pensando en cosas como esa. Así que escribo una canción sobre mi hijo, pero habría sido mejor pasar el tiempo que me llevó componer la puta canción jugando con él a la pelota. Lo más difícil de todo para mí es jugar… puedo hacer todo lo demás.”

¿No puedes jugar?
“Soy incapaz de jugar. Trato de inventar cosas. Puedo dibujar, puedo ver la tele con él. Soy muy bueno haciendo eso, puedo ver cualquier basura, mientras no tenga que moverme, puedo hablar, leerle algo o llevarle de paseo, a por café o cosas así.”

Es raro, porque tus dibujos y muchas de las canciones que has escrito son bastante juguetonas.
Eso seguro que tenía más que ver con Paul que conmigo.”

¿Qué me dices de Good morning good morning? Es una gran canción: un tipo mayor que vaga sin rumbo por la ciudad después de trabajar, que no quiere ir a casa porque no tiene nada que decir.
“Oh, eso fue sólo un ejercicio. Solamente tuve una semana para componer temas para Sgt. pepper’s. Good Morning good Morning era por la época el eslogan de un anuncio de Corn Flakes, así de desesperado estaba por escribir un tema.”

“Me di cuenta cuando leí la entrevista de Playboy  fue de que siempre estoy quejándome de lo difícil que es componer o de lo que sufro cuando lo estoy haciendo, que cada canción que he escrito ha sido casi una auténtica tortura. Siempre pienso que no hay nada en lo que estoy haciendo, que es una mierda, que no va a ningún sitio, que no es buena, que es basura… y aunque salga algo, me pregunto, ¿qué coño es esto?”

Suena doloroso.
“Es ridículo. Sólo pienso, “Eso fue difícil. Estaba en mala forma en aquel momento” [risas]… Excepto por las diez canciones que los dioses te conceden y que salen de la nada.”

¿Fueron más fáciles de componer las canciones de Double fantasy?
“La verdad es que no, escribirlas me llevó cinco años ¡Estreñido durante cinco años, y luego diarrea durante tres semanas! [risas] La composición como tal me llevó tres semanas.”

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Es interesante que no sea capaz de recordar a ningún artista de rock and roll que haya hecho un disco con su mujer o con quien sea y le haya dado el 50% del disco.
“Es la primera vez que lo hemos hecho así. Sé que juntos hemos hecho discos antes, como Live peace in Toronto 1969, en el que yo aparecía en una cara y Yoko en la otra. Pero Double fantasy es un diálogo, y hemos resurgido, de algún modo, como John y Yoko, no como John ex Beatle y Yoko and the Plastic Ono Band. Somos sólo los dos, y nuestra postura era la de que si el disco no vendía, era porque la gente no quería saber nada de John y Yoko: o ya estaban hartos de John o no querían a John con Yoko o tal vez sólo querían a Yoko, o cualquier otra cosa. Pero si la gente no quería saber nada de los dos juntos, nosotros no continuaríamos. A lo largo de mi carrera, he elegido trabajar con sólo dos personas, sólo dos compañeros, aparte de los rollos de una noche como los de David Bowie o Elton John: Paul McCartney y Yoko Ono. Yo introduje a Paul en mi grupo, los Quarrymen, él se trajo a George y George trajo a Ringo. Y la otra persona que me interesó como artista y con quien tuve la sensación de que podría colaborar fue Yoko Ono. No creo que fueran malas elecciones.”

“Ahora mismo, el público es nuestro único criterio: puedes aspirar a tener un público pequeño o mediano, pero a mí me gustan las grandes audiencias. Y tomé esa decisión en la escuela de arte, si voy a ser un artista, en cualquier disciplina, quiero tener la máxima exposición, no sólo eso de pintar tus cuadros en tu casa y no mostrárselos a nadie”.

Siempre has tenido, como dibujante, un estilo único. Estoy pensando en el libro In his own write o la portada y el libreto de Walls and bridges o tus identificables viñetas ‘lennonescas’.
“Hice los dibujos de la portada de Walls and bridges cuando tenía diez u once años. Pero en la escuela de arte descubrí que pretendían acabar con mi estilo. Intentaron que dejara de dibujar de la forma natural que lo hacía, cosa que no les permití. Pero nunca llegué a desarrollarlo más allá de las viñetas. Alguien dijo una vez que los dibujantes de tebeos son gente con un don creativo que tienen miedo de fracasar como pintores, así que se dedican a los cómics. Mis viñetas, para mí, son como esos cuadros japoneses: si no eres capaz de mostrar lo que quieres en una línea, destrúyelo. Yoko me introdujo en esa noción cuando nos conocimos, y cuando vio mis dibujos dijo: “Así es como se hace en Japón, no tienes que cambiar nada… ¡Ya lo tienes!”.”

“Los críticos crean unas ilusiones sobre los artistas que recuerdan a la adoración de los ídolos. Igual que esos chicos de Liverpool a quienes sólo gustábamos cuando estábamos allí… a muchos de ellos dejamos de gustarles porque nos hicimos famosos en Manchester. ¿No fue así? Pensaron que nos habíamos vendido. Después los ingleses se enfadaron cuando nos hicimos grandes en… ¿De qué va esto? Sólo les gusta la gente que está ascendiendo, y cuando llegan ahí arriba, no tienen otra cosa que hacer que arrojarles mierda. No podría volver a intentar subir a la cima. Lo que la gente quiere son héroes muertos, como Sid Vicious o James Dean. No me interesa ser un puto héroe… Así que olvídate de ellos, olvídate de ellos.”

Siempre, a lo largo de tu obra, hay esta increíble y fuerte noción de inspirar a la gente a que sean ellos mismos y a que se unan para intentar cambiar las cosas. Estoy pensando, obviamente, en canciones como Give peace a chance, Power to the people y ‘Happy xmas (War is over).
“Y ahí sigue. Si echas un vistazo al vinilo, alrededor del logo del nuevo disco [en el single de 12” (Just like) Starting over], hay algo que han hecho ya todos los niños del mundo desde Brasil hasta Australia o Polonia: UN MUNDO, UNA GENTE. Así que seguimos. “Dale una oportunidad a la paz”, no “Dispara a la gente por la paz”. “Todo lo que necesitas es amor”: Es dificilísimo, pero creo absolutamente en ello.”

“No somos los primeros en decir “Imagina que no hay países” o “Dale una oportunidad a la paz”, pero portamos esa antorcha, como la antorcha olímpica, que va pasando de mano en mano, de uno a otro, de generación en generación… y ese es nuestro trabajo. No vivir como los demás creen que tendríamos que hacerlo, ricos, pobres, felices, no felices, sonrientes, no sonrientes, llevando los vaqueros adecuados, no llevándolos.”

“No estoy afirmando mi divinidad. Nunca he afirmado que tuviera un alma pura. Nunca he afirmado que tuviera las respuestas para la vida. Sólo compongo canciones y contesto a las preguntas tan honestamente como puedo, ni más, ni menos. No puedo vivir según lo que los demás esperan de mí porque sus expectativas son ilusorias. No puedo ser una pieza en Hamburgo y Liverpool, porque ahora soy mayor. Ahora veo el mundo con otros ojos. Pero aún creo en la paz, el amor y el entendimiento. Como dijo Elvis Costello, “¿Qué coño tienen de gracioso la paz, el amor y el entendimiento?” [título de la canción (What’s so funny about) Peace, love and understanding]. Ahora está de moda ser un tipo duro y marcar a tu vecino con una cruz, pero nosotros somos de los que seguimos la moda.”

Como en tu canción ‘The word’…
“Sí, la palabra era “amor”.

Hay otro aspecto de tu obra que tiene que ver con la forma en la que cuestionas continuamente lo que es real y lo que es ilusión, como en Look at me, la nueva Watching the wheels y, por supuesto, Strawberry fields forever, en la que cantas: “Nada es real”.
“De alguna forma, nada es real, si desglosas la palabra. Como los hindúes y los budistas dicen, es una ilusión. Es Rashomon [película de Akira Kurosawa]. Todos lo vemos, pero esa ilusión comúnmente acordada es lo que vivimos. Y lo más difícil de todo es enfrentarte a ti mismo.

Solía pensar que el mundo me lo estaba haciendo a mí y que me debía algo, y que los conservadores o los socialistas o los fascistas o los comunistas o los cristianos o los judíos estaban haciéndome algo. Y cuando eres un crío, es lo que piensas. Pero ahora tengo 40 años, y ya no pienso así, ¡porque he descubierto que no funciona! La vida continúa de todas formas, y lo único que haces es masturbarte, gritar por lo que tus padres hicieron… Pero hay que pasar por eso. La gente que incluso se molestó en pasar por ello, la mayoría de esos gilipollas lo aceptan tal como es y continúan con su vida, ¿no?, pero los pocos que cuestionamos lo que estaba pasando… Bueno, he descubierto personalmente, no puedo hablar por el resto del mundo, que yo soy responsable de mí mismo, y también de ellos. Soy una parte de ellos. No existe separación: Todos somos uno, así que respecto a eso, lo observo todo y pienso: “Ah, tengo que seguir trabajando en ese aspecto. ¿Qué es real?¿Cuál es la ilusión que estoy o no estoy viviendo?”. Y tengo que lidiar con ello todos los días. Las capas de la cebolla.”

Como en Looking through a glass onion.
De eso se trata, ¿no?”

En este disco usas un eco profundo en tus grabaciones.
“Bueno, el eco de cinta es de los cincuenta. Casi todas mis grabaciones tienen el mismo eco… Desde Rock and roll music. Me encanta. Y mi voz siempre ha sonado igual. Voy directo a las raíces de mi pasado. Como cuando Dylan hizo Nashville skyline. Pero yo no tengo ningún Nashville siendo de Liverpool, así que regresé a los discos que conocía, los de Elvis, Roy Orbison, Gene Vincent y Jerry Lee Lewis. De vez en cuando me desato con cosas como Revolution 9, pero mi lado más marciano ha sido absorbido por Yoko.”

“¿Sabes?, la primera canción que compusimos juntos fue en la universidad de Cambridge en 1969. Ella había sido contratada para dar un concierto con algunos músicos de jazz. Esa fue la primera vez que aparecí sin ser un Beatle. Tenía un amplificador de guitarra y tocaba acoples, y la gente se enfadó mucho al reconocerme: “¿Qué hace él contigo?”. “Quédate con tu grupo”. Así que, cuando ella intentó tocar rock, le dijeron: “¿Qué hace esta aquí?”. Y cuando fui con ella e intenté ser su instrumento, ser su grupo, una especie de Ike Turner para su Tina, sólo que esta Tina era un poco diferente, era una Tina vanguardista, bueno, hasta los músicos de jazz se enfadaron.”

“Todo el mundo tiene una imagen de ti que esperan que cumplas. Pero es lo mismo que vivir según lo que tus padres esperan de ti, o la sociedad, o los llamados críticos que son sólo tipos con un boli o máquina de escribir en su pequeña habitación, que beben y fuman y tienen sueños y pesadillas también, pero que de alguna forma creen que viven en un mundo diferente. No pasa nada. Pero hay gente que rompe sus bolsas.”

Recuerdo hace unos años, cuando Yoko y tú aparecisteis dentro de unas bolsas en una rueda de prensa en Viena.
“Sí. Cantamos una canción folk japonesa dentro de las bolsas. “¿Eres tú realmente, John?”. “¿John Lennon en una bolsa?”. Sí, soy yo. “¿Pero cómo sabemos que eres tú?”. Porque te lo estoy diciendo. “¿Y por qué no sales de esa bolsa?”. Porque no quiero. “¿No te das cuenta de que esto es el palacio de los Habsburgo?”. Creí que era un hotel. “Bueno, ahora es un hotel”. Tenían una fantástica tarta de chocolate en ese hotel de Viena, de eso me acuerdo. De todas formas, ¿quién quiere estar encerrado en una bolsa? Tienes que salir de tu bolsa para mantenerte vivo.”

¿Tenéis Yoko y tú planes en breve para hacer una gira?
“No lo sé. A lo mejor. Podría ser. ¿Te imaginas a los dos tocando estas nuevas canciones?… Y a lo mejor tocaríamos algunos de sus primeros temas, como Don’t worry, Kyoko, Open your box o Why, del disco Plastic ono. Sólo su voz, mi guitarra, un bajo y una batería. Puede que lo hagamos. Pero no habrá bombas de humo, ni pintalabios, ni luces brillantes. Tiene que ser acogedor. Pero podría ser divertido. Somos rockeros renacidos, y estamos empezando de nuevo.”

“Algunas veces piensas, me refiero a que de verdad piensas. Sé que creamos nuestra propia realidad, y que siempre tenemos una opción, ¿pero cuánto está predestinado? ¿Hay siempre una bifurcación en el camino, y hay dos caminos predestinados que están igualmente predestinados? Podría haber cientos de caminos en los que uno pudiera ir en una u otra dirección: hay una opción, y a veces es una muy rara”.

“Y este es un buen final para nuestra entrevista. Adiós, hasta la próxima”.

John firmando un autógrafo a su futuro asesino

Tres días después, John quedó con la fotógrafa Anne Lebovitz para realizar las fotos que habían de ilustrar la entrevista que os acabo de transcribir. Posteriormente recibió a unos periodistas a los que declaró: “Tenemos hecho un disco; ya hay suficiente material para el segundo y canciones para un tercero. Queremos editar al menos un trabajo por año”. La idea de los Lennon era intensificar su producción discográfica y, con ese plan, salieron a las 17h de su casa camino a los estudios Record Plant. Cuando se encaminaba a su coche Lennon fue abordado por unos fans. Uno de ellos, llegado de Texas aunque oriundo de Hawaii, llamado Mark Daid Chapman le acercó un LP para que John lo firmara, y Lennon firmó.

Lennon, Ono y Douglas trabajaron sobre una canción de Yoko, “Walking On Ice”. John estaba entusiasmado con la grabación y le dijo a su mujer, “Acabas de terminar tu primer número uno”, parafraseando lo que George Martin le comentó a los Beatles nada más terminar la grabación de “Please Please Me”. Eran en torno a las 22h y, al salir del estudio, John y Yoko debaten sobre ir a casa o cenar en algún restaurante. Es John quien defiende ir a casa y así poder acostar a Sean.

De esta forma, a las 22:49h del 8 de dicembre de 1980, el coche de los Lennon aparcó frente a los apartamentos Dakota.Cuando estaban encaminándose al portal del edificio, John se giró cuando alguién dijo en mitad de la noche, “Mister Lennon“…

…fueron cinco disparos…

…dos entraron por la espalda y salieron por el pecho…

…dos le atravesaron su hombro izquierdo…

…uno apenas le tocó el cuello…

John cayó desplomado intentando alcanzar el portal del edificio gritando “Me han disparado“. Yoko entró en un estado de histeria mientras los vigilantes del edificio llamaban a la policía. Mientras su asesino, permanecía impasible, con el revólver humeante aún en la mano. Soltó la pistola y comenzó a leer tranquilamente “El Guardián entre el Centeno” de Salinger. El portero de los Dakota le increpó: “¡Maldita sea!, ¿sabes lo que acabas de hacer?”, a lo que Chapman contestó con total tranquilidad, “Sí, acabo de matar a John Lennon”.

LLegaron las patrullas de policía. Chapman fue detenido. John aún estaba vivo y fue trasladado, sangrando abundantemente por la boca, al hospital Roosvelt…, pero llegó sin pulso. Intentaron reanimarl0 durante 20 minutos pero fue inútil. Eran las 23:15h del 8 de diciembre de 1980, John Lennon había muerto.

En cuestión de horas, el edificio Dakota se convertía en un hormiguero de gente que fue convirtiéndose en  un santuario improvisado. Para cuando la noticia de su muerte se hace oficial a las 23:50, más de seiscientas personas se congregan frente al edificio Dakota y encienden velas. Los fans comienzan a cantar tímidamente “Give Peace  A Chance”…,pasaron toda la noche temas de los Beatles y del propio John…

Los periódicos y los noticiarios del día siguiente amanecen con la noticia. Yoko realiza un comunicado oficial afirmando que no habrá funeral. A petición de su esposa, el cuerpo de John se incinerará y no se revelará el lugar donde reposarán sus restos .

En París miles de jóvenes se reúnen en la Torre Eiffel para cantar temas de Lennon; y en las dos Alemanias cientos de personasse congregan en ambos lados del Muro de Berlín e interpretan los temas de los Beatles y de John Lennon.

El martes 9 de diciembre, Ringo Starr y la que entonces era su novia, Barbara Bach, llegan a Nueva York. Ringo llamó a Yoko para ofrecerse a cuidar a Sean.

George quedó completamente conmocionado -en gran medidad porque todo hubiera ocurrido justo cuando estaba “peleado” con John por la no mención de este en su autobiografía- y paranoico se refugió en su mansión doblando todos los sistemas de seguridad.

Pero sin duda, la reacción más polémica fue la de Paul. Los periódicos aparecieron son el titular, “Paul dice sobre el asesinato de Lennon: “Es un fastidio”, como única reacción de Paul ante la muerte de su compañero. Obviamente se acusó a McCartney de frío e insensible. No obstante no fue esto lo que ocurrió, en este vídeo se puede ver a Paul conmocionado por la noticia. Sus palabras fueron “Estoy muy conmovido, ya sabes, es una noticia terrible… He pasado el día en el estudio escuchando nuevo material porque no tenía ganas de quedarme sentado en casa…”. Cuando le preguntaron por cuándo se enteró de la noticia, contestó: “Por la mañana, en algún momento”, y preguntó a los periodistas si todos lo sabían, a lo que contestaron que sí. McCartney dijo entonces: “Es un fastidio, ¿No es así?”. Estas declaraciones fueron publicadas, y su  gesto fue muy criticado. No obstante, con el tiempo se ha sabido, por declaraciones del propio Paul y de Yoko, que Paul llamó a Yoko y ésta le dijo, “John te quería, te quería mucho”… Paul se enteró mientras Linda dejaba a los niños en el colegio. Cuando ella volvió a casa lo encontró casi paralizado. Conmocionado fue al estudio para pensar en otra cosa y al salir del mismo, aún en estado de shock, atendió a los periodistas de forma torpe, intentando mantener el tipo (de nuevo la imagen de tipo duro de Liverpool. John y Paul no eran tan distintos). Cuando llegó a casa se sentó a ver las noticias  y lloró amargamante junto a su familia. . Pocos meses después, en una entrevista de televisión, Paul apenas puede contener las lágrimas al escuchar “Beautiful Boy” (vídeo).

No obstante, los Beatles eran músicos y nunca tuvieron mejor forma de expresarse que a través de la música. Tanto George como Paul dedicaron sendas canciones al compañero caído en 1981 y 1982 respectivamente, pero no puedo concluir este artículo sin transcribirlas. Harrison, editó en 1981 “All Those Years Ago” (“A lo largo de todos estos años”), con Ringo a la batería y Paul a los coros.

“Estoy hablando a todo el mundo sobre el amor
y sin embargo a ti te trataron como un perro,
cuando tú fuiste el único que habló claro de todo esto, A lo largo de todos estos años

Hablo de cómo compartir
aunque ellos no actúan con honestidad,
pero tú fuiste quien puso los puntos sobre las íes cuando dijiste “Todo lo que necesitas es amor”

En los buenos y en los malos momentos,
siempre te admiré,
ahora nos quedamos fríos y tristes
pero sé que ahora el demonio tiene un mejor amigo,
alguien que consiguió ofender a todos

Estamos viviendo un mal sueño,
la gente ha dejado de lado la humanidad
y tú fuiste al que pusieron en el paredón
a lo largo de todos estos años,
tú fuiste el que imaginaste todo
a lo largo de todos estos años

A lo largo de todos estos años

Hundido en la noche oscura
rezo por ti
Ahora en el mundo de la luz
el espíritu está libre de mentiras
y de todo lo que nosotros despreciábamos

Han olvidado todo acerca de dios
aunque es la única razón de que existamos
incluso tú, dijiste que era extraño…
hace todos estos años,
Tú dijiste todo pero pocos te escucharon
a lo largo de todos estos años
Tú tenías control sobre nuestra risa y nuestro llanto
a lo largo de todos estos años

Por su parte, Paul, editó en 1982 una bellísima canción escrita, desde las mismas entrañas, a la memoria de su amigo. Here Today, (“Aquí, hoy”):

“Si te dijera que te conozco bien,

¿Cuál sería tu respuesta si estuvieras, aquí hoy?

Aquí hoy

Bueno, conociéndote, probablemente te reirías y dirías que tú y vivimos en mundos diferentes

Si estuvieras aquí hoy, aquí hoy

Pero yo todavía recuerdo cómo era antes y ya no voy a seguir conteniendo las lágrimas,

Te quiero

 

¿Recuerdas el día que nos conocimos?

Bueno, supongo que podríamos decir que estábamos jugando a hacernos los duros

No entendíamos nada, pero siempre podíamos cantar.

¿Recuerdas la noche que lloramos porque no había ninguna razón para seguir guardándolo todo dentro?

Nunca entendimos una palabra, pero siempre estabas ahí con una sonrisa

Y si te digo que realmente te quería y que estoy feliz de haberte conocido

Entonces tú estarás aquí, hoy,

Porque estarás  en mi canción

Aquí, hoy”

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 6 de Abril de 2013.

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THE BEATLES. Capítulo 17 (1974-1980). Ex-Beatles, los restos del naufragio. Parte II

Con los rumores de reunión más vivos que nunca y, a diferencia de otras veces, con fundamento real, los miembros del grupo prosiguen con su carrera en solitario. En octubre de 1974, John edita “Walls and Bridges” (enlace a crítica en Guilletek’s). Grabado en Nueva York y autoproducido por el propio John, sigue siendo un disco muy melancólico y con la separación de Yoko muy presente. Es un gran trabajo, y el genio musical de John se deja ver en canciones como la imprescindible “#9 Dream“, “Nobody Loves You (When You’re And Out)“, “What You Got” (por la que Lenny Kravitz debería pagar royalties) y “Whatever Gets You Thru The Night“. Precisamente esta última canción, en la que John es acompañado al piano y en la parte vocal por Elton John , fue el primer número 1 que John conseguiría como solista. Elton estaba convencido que la canción iba a ser un éxito pero Lennon no lo pensaba, el debate llegó a un punto en el que el pianista desafío a John con una apuesta: si la canción era un éxito como single, John debería actuar en directo con él. Como hemos dicho, la canción, al igual que el LP, fue número 1.

John cumplió su parte de la apuesta y, el 28 de noviembre de 1974, apareció para alborozo de los presentes en el escenario junto a Elton John. El Madison Square Garden contempló a ambos artista interpretar “Whatever Gets You Thru The Night” así como un par de temas de los Beatles: “Lucy In The Sky With Diamnons“, y la mccartiana “I Saw Her Standing There” que John presentó con las siguientes palabras: “Me gustaría dar las gracias a Elton y los chicos por invitarme esta noche. Pensamos en una canción para terminar y con la que pueda salir de aquí,… y creímos que sería mejor hacer una canción de un viejo, y alejado novio mío, llamado Paul. Esta es una que nunca canté, es una antigua canción de los Beatles, y creo que casi todos la conocen”. John seguía acercando posturas.

La relación entre Lennon y McCartney gozaba de una excelente salud, de hecho, según palabras de May Pang, en estas fechas, Paul y John estaban haciendo “planes para trabajar juntos en 1975, se iban a trasladar a Nueva Orleans para hacer algo de música”. Sin la influencia de Yoko y espoleado por Pang, John empezó a plantearse seriamente recuperar su vida de rock’n’roll star. Es paradójico que fuera McCartney, para nada afín a Ono, quien propiciara el acercamiento entre John y Yoko. Fue Paul quien le dijo a John al que recientemente había visto a Yoko y le había dicho que le gustaría volver a verle. Tras el concierto en el Madison Square Garden, una pequeña japonesa se acercó al camerino de John…

Pero las relaciones entre los miembros del grupo siguen dándose en el estudio. El nuevo álbum de Ringo, el continuista “Goodnight Viena“, cuenta, de nuevo, con una canción de John: “(It’s All Da-Da Down To) Goodnight Vienna“. El resto del disco pretende repetir, sin demasiado atino, las fórmulas de “Ringo”. El LP, editado en noviembre de 1974, se reitera los clichés del anterior pero ya sin su frescura, suena a más de lo mismo. Con todo, consiguió un meritorio octavo puesto en USA pero sólo un nº30 en Inglaterra.

Antes de que acabara este 1974, George también editaría un disco. Harrison tuvo un año movido, especialmente propiciado por su atribulada vida amorosa. El matrimonio Harrison no era feliz… No habían tenido hijos y George sufría por eso. Fueron a especialistas y Harrison le dijo a todo el mundo que él era estéril. Sólo quería proteger a Pattie (luego George tuvo hijos y Pattie aún no ha sido madre), pero, por otro lado, George continuaba siendo infiel muy frecuentemente…y Pattie comenzaba a coquetear (nada más) con un amigo de George, que siempre había estado enamorado de ella: Eric Clapton .

Un día, en el que el matrimonio Harrison cenaba con Ringo y Maureen (su mujer), de repente, George se levantó y dijo que estaba enamorado de Maureen. Ringo le echó de casa., pero, a los pocos días, Pattie se los encontró en la cama. Esto hartó a Pattie que, sin divociarse de George, comenzó a abrirse a nuevas relaciones. Eric Clapton que había caído en las redes de la heroína a causa de estar enamorado de la mujer de su mejor amigo (para la que compuso cuantro años atrás la monumental “Layla“, si acaso la canción de amor más descarnada que se haya escrito), dejó las drogas ilusionado con la nueva situación… Al poco tiempo comenzaron una relación a espaldas de George.

En lo musical, su disco de 1974, “Dark Horse“, es realmente flojo, tiene algún buen momento (el tema “Dark Horse” es bueno y “So Sad“, “Maya Love” y “Far East Man” estaban en buena línea) pero es aburrido y pretencioso. George sigue empecinado en su historia hindú y aburre al más pintado. La gira fue igualmente desastrosa, George estaba más preocupado por la religión que por la música y convertía sus conciertos en interminables letanías religiosas con fondo de música hindú. Incluso se escucharon pitos en algunas actuaciones. La gira y el disco tuvieron críticas muy desfavorables, alegando que George estaba cantando muy mal, que la banda era amateur y que las canciones eran aburridas. Aún con todo el disco llegó al nº4 (al fin y al cabo era un beatle).

1975 era un año señalado en el calendario beatle, puesto que era el año en el que expiraba su contrato con EMI. Los miembros de la banda serían libres para renegociar sus contratos discográficos a partir de 1976. En enero de 1975, poco después de co-escribir con David Bowie el número 1 “Fame“, John y Yoko se reconciliaron formalmente. John anuló sus planes de trabajo con Paul y editó un álbum de versiones de clásicos de los 50, “Rock’n’Roll“. Lennon intentó dar su enfoque a algunos clásicos del rock pero no consiguió un disco redondo y apenas la excelente versión de “Stand By Me” merece reseña. El disco obtuvo, sin embargo, un notable éxito alcanzando un número 6 en febrero de 1975. Sería la última edición discográfica de John Lennon en cinco años, poco después Yoko anunciaría que estaba embarazada y John decidió retirarse para cuidar a su mujer y a su futuro hijo, Sean. El niño ganó un padre y el mundo perdió un genio. El 18 de abril el público asistió a su última actuación en directo durante el especial de la ATV “A Salute to Lew Grade”. El programa fue grabado en abril y televisado en junio. Lennon interpretó dos canciones de “Rock ‘n’ Roll “, “Slippin ‘and Slidin’” y “Stand By Me” (esta última fue excluida de la transmisión televisiva), seguidas de “Imagine“.

Aunque John decidiera no acompañarle, Paul continuó con su plan de viajar a Nueva Orleans para grabar un nuevo disco. Paul quería volver a la carretera, pero quería hacerlo con un disco debajo del brazo…, pero, antes de nada necesitaba una banda. “Band On The Run” había sido obra de Paul, Linda y Denny Laine, repartiéndose el trabajo en el estudio. Paul inició un casting y tras un breve paso de Geoff Britton por la batería, los elegidos fueron Joe English (batería) y Jimmy McCulloch (guitarra). Habemus nuevos Wings.

El nuevo disco de Wings se titularía “Venus And Mars” (enlace a crítica en Guilletek’s). Aunque las grabaciones comenzaron en Londres (Abbey Road), acabaron el disco en Nueva Orleans durante la época de carnaval. El LP es tan brillante como “Band on the run”, pero es muy sólido. Realmente parece concebido como “excusa” para lanzar una gira, con temas muy “de directo”, potentes y alejados de trucos de estudio. Canciones brillantes como “Venus And Mars / Rockshow“, “Letting Go“, “Call Me Back Again“, “You Gave Me The Answer” dan buena muestra de la calidad de un álbum que además tenía un megahit planetario como “Listen To What The Man Said” (número 1 absoluto). El nuevo disco de Wings obtuvo buena críticas y alcanzó el número 1 en Estados Unidos e Inglaterra. Espoleado por el éxito, Paul lanza una gira, Wings Over the World Tour, en Reino Unido, con paradas en Australia (enlace al concierto), Estados Unidos y Canadá durante los siguientes meses y con una gran parte del álbum Venus and Mars en el setlist. McCartney, como ya habían hecho antes John y George, se atreve a tocar algunas canciones de los Beatles durante esta gira, así “I’ve Just Seen A Face“, “Blackbird“, “Lady Madonna“, “The Long And Winding Road” y “Yesterday” hicieron las delicias de los asistentes.

El gran éxito de Wings y la reconciliación de John y Yoko anularon las posibilidades de reunión que se habían abierto durante 1974. Con todo, la relación entre John y Paul había mejorado mucho y eso ya no habría de cambiar.

En una entrevista de mayo de 1975 para la revista Rolling Stone, John Lennon habla sobre su reconciliación con Yoko (“hemos vuelto porque nos queremos, nada más”) y se refiere al tiempo que han pasado separados como su “fin de semana perdido”. También hay tiempo para los Beatles, “todo está bien ahora con los chicos, hablamos habitualmente” y para Paul, “Band On the Run es un álbum fantástico…, creo que los Wings son un grupo conceptual, como lo fue la Plastic Ono Band, no es un grupo real, es Paul, es la música de Paul, y es buena”

George intenta redimirse del fiasco que supuso su anterior trabajo con “Extra Texture (Read All About It)“. Editado en octubre de 1975, este L.P tenía mejor calidad y una marcada influencia de soul, probablemente generada por la gran afición que George sentía por Smokie Robinson. La crítica lo trató un poco mejor, y de él se destaca el single “You“, que, aunque tuvo un moderado éxito en listas, es un tema arrebatador. No es un gran disco -George lo considera el peor de su carrera- pero mejora al LP anterior y tiene temas muy disfrutables como la citada “You” o la sentida “Ooh Baby (You Know That I Love You)” que le ayudaron a conseguir un nº8 en listas americanas y un 16 en las británicas. Tras la edición de este disco, y expirado el contrato con EMI, George comienza a negociar con la compañía discográfica “A&M”, con la que acabará firmando .

1975 no acabaría sin el disco del Beatle que faltaba. Ringo publica en diciembre de 1975 “Blast from Your Past”, un recopilatorio de la carrera en solitario del batería sin demasiado que comentar. Ringo no estaba muy centrado en la música ya que acababa de divorciarse de Maureen (recordad su infidelidad con George) y la edición de este Lp tiene más que ver con la necesidad de mantener el ritmo de edición que solcitaba la compañía que por un criterio artístico. Ringo decide trasladar su residencia a Montecarlo para evitar impuestos. También vencido su contrato con EMI, firma con Polydor Records.

1976 arranca con Paul y sus Wings girando por medio mundo. La banda había comenzado en septiembre de 1975 actuando en Europa y Oceanía y en marzo había llegado la hora de “atacar” el estratégico mercado americano. La gira había tenido un tuvo un éxito arrollador, pero Paul se sentía un poco corto de repertorio para afrontar la gira americana (más exigente y comercialmente más interesante), así que fue aprovechando los descansos entre ciudades para grabar los temas que había ido componiendo en sus viajes…El álbum resultante se llamaría “Wings At The Speed Of Sound” –enlace a crítica en Guilletek’s– (Wings a la velocidad del sonido). Grabado en poco más de un mes y editado en marzo de 1976 es un disco concebido para tocar en directo y supone un futil intento de democratizar Wings y demostrar a la crítica que no eran “sólo” la banda de Paul McCartney (McCulloch compone y canta un tema, Laine compone uno y canta tres, English canta otro e incluso Linda canta un tema en solitario). Es un álbum notablemente inferior a sus dos trabajos anteriores a pesar de contener dos hits planetarios como la comercial “Silly Love Songs” o la destacable “Let’Em In“, pero no está exento de buenos momentos como “She’s My Baby“, la excelente “The Note You Never Wrote” (escrita por Paul aunque cantada por Denny Laine), “San Ferry Anne” o la canción de Laine “Time To Hide“. El disco fue de nuevo un enorme éxito comercial (nº1 en Usa y 2 en UK) y, aunque la crítica no lo recibió con el alborozo de los discos anteriores, fue la excusa perfecta para arrancar con fuerza la gira americana.

Durante su gira americana, Paul aprovechó su paso por Nueva York para visitar a John. McCartney, acompañado de Linda, apareció en los apartamentos Dakota con la guitarra al hombro y pilló desprevenido a John que no dudó en decirle: “Paul, esto no es Liverpool, no puedes aparecer cuando quieras y sin avisar… tengo una familia, no hagas esto”. Paul y Linda se marcharon pero volvieron al día siguiente y cenaron con John y Yoko. Después de cenar, Paul y John se quedaron viendo la tele y presenciaron como en el “Saturday Night Live”, el presentador ofreció un cheque de 3,000 dólares a los Beatles si se reunían y tocaban 3 canciones durante el programa…, por un momento pensaron en tomar un taxi para recorrer las pocas calles entre el apartamento de los Ono-Lennon y el estudio. John, en una entrevista publicada en 1980, recordaba la escena: “un día Paul apareció por aquí con la guitarra al hombro, como solía hacer en los viejos tiempos. Yo le eché y le dije “Paul, esto no es Liverpool”…Pero, por la noche, Linda y él se acercaron y estuvimos aquí comiendo algo, viendo la tele y recordando viejos tiempos. Un tipo ofrecía un montón de pasta por tocar en su programa y Paul y yo estuvimos viéndolo… , estuvimos a punto de ir al estudio. Más como una broma que como otra cosa…”

Pero no ocurrió…, no hubo reunión beatle. Lo que sí tuvimos fue un nuevo disco. En Junio 1976 se publica “Rock ‘n’ Roll Music” un nuevo disco doble con los temas (propios y versiones) más rockeros de la discografía del grupo. George Martin hizo una remezcla de las canciones que aparecen en el disco para la ocasión. Disco 1: Twist And Shout, I Saw Her Standing There, You Can’t Do That, I Wanna Be Your Man, I Call Your Name, Boys, Long Tall Sally, Rock And Roll Music, Slow Down, Medley (Kansas City – Hey, Hey, Hey, Hey), Money (That’s What I Want), Bad Boy, Matchbox, Roll Over Beethoven. Disco 2: Dizzy Miss Lizzy, Any Time At All, Drive My Car, Everybody’s Trying To Be My Baby, The Night Before, I’m Down, Revolution, Back In The U.S.S.R., Helter Skelter, Taxman, Got To Get You Into My Life, Hey Bulldog, Birthday, Get Back (With Billy Preston). Alcanzó un número 2 en Estados Unidos y un número 11 en Inglaterra.

En septiembre de 1976, Ringo debuta con su nueva discográfica con el LP “Ringo’s Rotogravure“. Intentando repetir el éxito de su disco de 1973, “Ringo”, el batería vuelve a echar mano de sus ex-compañeros. De esta forma, Paul le cede “Pure gold“, John “Cooking in the kitchen of love” y George “I’ll still love you“…, todas canciones más que dignas…, pero el disco naufraga. Ni la crítica, ni el público respaldaron el nuevo trabajo de Starr, quedándose en un nº28…Ringo se desinflaba peligrosamente.

La carrera de Ringo empezaba a demostrar síntomas de desgaste y algo parecido le estaba ocurriendo a la de George. Decidido a recuperar el prestigio perdido e ilusionado con su nuevo contrato discográfico con A&M, Harrison se pone a trabajar en su nuevo disco. Desgraciadamente, contrae una hepatitis que le impide terminar el LP para la fecha pactada (el 25 de junio) y, en un gesto sorprendente, A&M le rescinde su contrato. Una vez terminada la grabación, George le ofrece el disco a Warner Records y llegan a un acuerdo. “Thirty Three & 1/3” se edita en noviembre de 1976 y cosecha las mejores críticas desde “All Things Must Pass”. El álbum es definitivamente superior a todos sus trabajos post-All Things Must Pass gracias a canciones como “Beautiful Girl“, “True Love“, el single “Crackerbox Palace” o el excelente soul de “This Song” en la que George ironiza sobre sus problemas legales con “My sweet lord”. Harrison promocionó el disco con la grabación de videoclips (los podéis ver en los enlaces de las canciones, merecen mucho la pena) y con una aparición en TV junto a Paul Simon en la que interpretaron “Here Comes The Sun” y la canción de Simon “Homeward Bound“. Las cosas comenzaban a marchar mejor para George quien, a pesar de no conseguir un enorme éxito (nº11) recuperó gran parte de su prestigio.

En lo personal, el matrimonio Harrison estaba ya finiquitado y deciden divorciarse. George había comenzado una relación con Olivia, una empleada de la Warner (su casa de discos), a la que además había dejado embarazada, y Pattie estaba liada con Eric Clapton. Cuando la pareja decidió informar a George de su relación su respuesta fue: “Bueno, espero que me inviteis a la boda”… Harrison y Clapton nunca dejaron de ser amigos.

En noviembre de 1976, se edita en Inglaterra la versión americana de “Magical Mystery Tour”. La banda sonora de Magical Mystery Tour se editó en Inglaterra el 8 de diciembre de 1967 en forma de EP doble, es decir, dos vinilos “tipo single” cada uno con dos canciones en la cara A y otra en la B, haciendo un total de seis, pero en Estados Unidos, donde el EP ya no funcionaba, se había editado unas semana antes como álbum, añadiendo una serie de singles que se habían editado durante el reto de año de 1967. Con el tiempo, el formato americano acabó imponíendose y es como ha llegado a nuestros días, EMI editó la versión norteamericana en el Reino Unido el 19 de noviembre de 1976.

A finales de 1976, Paul edita un triple disco resumiendo la gira mundial de Wings. Originalmente iba a ser un disco doble pero la exitosa edición de algunos discos piratas que incluían el show completo hizo que Paul decidiera editar un triple disco y, así, poder incluir el setlist completo. “Wings Over America“, editado en diciembre de 1976, es un trabajo brutal en el que la banda suena de forma extraordinaria y que resulta un excelente resumen de la breve carrera de Wings. Hay momentos realmente espectaculares como la intro con “Venus And Mars”/”Rockshow” /”Jet” enlazadas, “Let Me Roll It“, un “Maybe I’m Amazed” de otro planeta, “Letting Go“, “Beware My Love“, el “Go Now” de Denny… Todo el (triple) disco está a una altura soberbia y no tiene ni un momento bajo. Como no podía ser de otra forma, los momentos álgidos de los conciertos llegaba cuando la banda interpretaba alguno de los cinco temas de los Beatles que Paul seleccionó para la gira: “Lady Madonna“, “The Long And Winding Road“, “I’ve Just Seen A Face“, “Blackbird” y “Yesterday“. En los créditos de las canciones de los Beatles, Paul decidió alternar el orden de los apellidos y el “Lennon-McCartney” se convirtió en “McCartney-Lennon”, provocando las públicas y airadas protestas públicas de Yoko…, John no dijo nada. El triple LP alcanzó el número 1 en Estados Unidos y el 8 en Inglaterra. Uno de los mejores trabajos de Wings.

Ya en 1977, en abril concretamente, se edita un nuevo disco de los Beatles, el polémico Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany“. El grupo fue grabado con un aparato casero en la última de sus vistas a a Hamburgo en 1962 (ya con Ringo), antes de que estallara la beatlemanía. El propietario de las cintas ya intentó vendérselas a Brian Epstein en la década de los 60, oferta que el manager rechazó sin dudarlo por la pésima calidad de la grabación. Paul Murphy, director de Buk Records, compró las cintas en 1977 y formó una nueva compañía, Lingasong Records, específicamente para editar el disco. Las cintas fueron sometidas a un tratamiento de ampliación de audio para mejorar el sonido y fueron remezcladas. John, Paul, George y Ringo intentaron frenar su lanzamiento, pero ya era tarde: se editó el 8 de abril de 1977…, y fracasó. La calidad de la grabación en horrible pero no deja de ser un buen testimonio del sonido del grupo en sus salvajes inicios (“Long Tall Sally“, “The Hippy Hippy Shake“, “Twist & Shout“).

Ya que se había editado este directo no-oficial (que no pirata), EMI decidió editar un directo oficial del grupo. “The Beatles at the Hollywood Bowl“, se editó en mayo de 1977, y contiene una selección grabada en directo en los conciertos ofrecidos por los Beatles en el Hollywood Bowl de Los Ángeles el 23 de agosto de 1964 y el 29 de agosto de 1965. George Martin y el ingeniero de sonido Geoff Emerick tuvieron que trabajar duro para aislar la música del griterío de las fans…, pero el resultado mereció la pena. A pesar de la deficiencia del sonido, el disco consigue hacerse eco de la energía que transmitían los Beatles en directo. El propio Martin recuerda como tuvo que pedir permiso a los miembros del grupo para su edición: “Tuve que pedir el permiso de todos los ex- Beatles. Llamé a John y le conté lo del disco. Le dije que un principio estaba un poco escéptico con cómo pudiera salir, pero que luego quedé entusiasmado porque consideraba que el álbum iba a ser una pieza histórica. Le dije a John “Quiero que lo oigas y si no te gusta dame un grito”. Hable con él al día siguiente y estaba encantado con el álbum”. Paul dio su aprobación, al igual que George y Ringo, aunque estos últimos no estaban demasiado entusiasmados con el proyecto.

La verdad es que, a pesar de su sonido no demasiado claro, es el mejor testimonio grabado que tenemos de los Beatles en directo en plena beatlemanía y, como tal, es una maravilla llena de energía y vitalidad. Los Beatles eran una gran banda en directo y este álbum lo atestigua. Arranca, como era habitual en esta época, con una potente y recortada versión de “Twist And Shout” coreada por histéricos gritos de las fans. “She’s A Woman“, nos presenta a un McCartney en plenitud vocal en 1964, rockeando de forma fantástica, al igual que Lennon en el siguiente corte del disco “Dizzy Miss Lizzy“. La versión en directo de “Ticket To Ride” es simplemente fantástica, como la de “Can’t Buy Me Love“. “Things We Said Today” echa de menos sus características guitarras acústicas y apenas sobrevive al intento. Mucho mejor es la versión de “Roll Over Beethoven“, incluso superior a la de estudio con George cantando de forma mucho más agresiva.

La cara B del disco se abre con Ringo cantando “Boys” en una, de nuevo, gran versión que queda por encima de la versión de estudio. “A Hard Day’s Night” suena fantástica, como le pasa a “Help!“, ambas mucho más rítmicas que sus versiones pulidas en estudio. Un “All My Loving” acelerado y con Paul ligeramente desafinado da paso al gran final, con un “She Loves You” fantástico y sobre todo un enorme “Long Tall Sally” en el que Paul se deja la garganta.

En resumen, un disco muy interesante para los fans del grupo. No es un imprescindible, pero es un buen disco en directo (teniendo en cuenta los medios que se tenían en 1964/1965), y un excelente testimonio de la Beatlemanía. El sábado 4 de junio de 1977 el álbum The Beatles At The Hollywood Bowl llegó al número 1 en Inglaterra, en Estados Unidos se quedó en el 2.

Con los Beatles de nuevo en el candelero, el incansable Ringo vuelve a la carga con “Ringo The 4th” En esta ocasión, ni Paul, ni George, ni John participan…El disco es completamente prescindible e introduce a Ringo en la música disco con desastroso resultado… Se edita en septiembre del 77 y se queda en el nº162 en listas. Era un disco muy malo.

EMI/Capitol vuelve a intentar exprimir la gallina de los huevos de oro con la edición, en octubre, de un nuevo recopilatorio. Si un año antes habían recopliado las canciones más rockeras del grupo con “Rock’n’Roll Music“, esta vez compilan en un doble LP una selección de las canciones de amor del grupo bajo el título de “Love Songs“. Así, el disco 1 contiene “Yesterday”, “I’ll Follow the Sun”, “I Need You”, “Girl”, “In My Life”, “Words of Love”, “Here, There and Everywhere”, “Something”, “And I Love Her”, “If I Fell”, “I’ll Be Back”, “Tell Me What You See” y “Yes It Is“. El disco 2 contiene: “Michelle”, “It´’s Only Love”, “You’re Gonna Lose That Girl”, “Every Little Thing”, “For No One”, “She’s Leaving Home”, “The Long and Winding Road”, “This Boy”, “Norwegian Wood”, “You’ve Got to Hide Your Love Away”, “I Will” y “P.S. I Love You”. El doble LP tuvo un éxito moderado (no hacía ni tres meses que habían editado The Beatles At The Hollywood Bowl) y se quedó en un número 24.

Mientras  Paul y sus Wings, hinchados de éxito, vuelven al estudio con la idea de grabar un nuevo álbum y alargar el momento de popularidad del grupo. Con su cuarto hijo recién nacido (septiembre de 1977) Paul tuvo la idea de meter un estudio de grabación en un barco y grabar durante unas vacaciones. Tenían muy buen material y grabaron varios temas pero al poco tiempo comenzaron a surgir las desavenencias. Jimmy McCulloch era un tipo problemático, estaba colgado de drogas hasta las cejas y era muy joven comparado con el resto del grupo (tenía 21 años y Paul 34)…Necesitaba más marcha de la que los Wings le daban y dejó el grupo …Desgraciadamente, murió a los pocos años de sobredosis… Joe English, el batería, tampoco estaba cómodo…el dijo, “tocar en un grupo en el que unos son millonarios (Paul) y otro no (él mismo) es un problema…una vez nos propusieron tocar con Stevie Wonder y Paul no quiso…¡¡nos pagaban una fortuna!!” . Por lo que Paul se había quedado sin banda, otra vez. Sólo le quedaban sus inseparables Linda y Denny Laine. Aparcaron el proyecto del nuevo LP y prepararon un nuevo single. “Mull of Kintyre“, como se título el nuevo sencillo de Wings, fue el single más vendido de la historia en Inglaterra (el record se mantuvo hasta finales de los 90). La canción es un genial vals escocés que Paul, con la ayuda de Laine, compuso a la península escocesa donde compró una casa en 1966. Se editó en noviembre de 1977 y fue nº1 en Inglaterra durante varios meses.

No obstante, Paul, junto a Linda y Denny siguió con el proyecto del nuevo disco que acabó titulándose “London Town(enlace a crítica en Guilletek’s). El disco es en general mucho más tranquilo que los últimos LP’s de Wings. Está muy bien acabado y su exquisitez choca de pleno con el incipiente sonido punk que comenzaba a tomar las radiofórmulas de medio mundo, estamos en marzo de 1978. Con todo, el disco tiene grandes canciones como la homónima “London Town“, la impresionante “I’m Carrying” (que recibió los elogios de George Harrison), “Don’t Let It Bring You Down” o el buen rock de “I’ve Had Enough“; además el single del disco, la azucarada “With A Little Luck“, fue un rutilante número 1. El disco fue generalmente bien recibido por la prensa especializada y obtuvo un notable éxito comercial, puesto 4 en las listas británicas y la segunda posición en la lista yanqui. Como curiosidad, el álbum incluye la canción “Girlfriend“, versionada en 1979 por Michael Jackson en su exitoso LP “Off the Wall”

Siete meses después del fracaso de “Ringo The 4th”, Ringo vuelve a intentarlos con “Bad Boy“, editado en abril del 78. Sin embargo obtuvo aún peores resultados comerciales y de crítica que su predecesor. A pesar de la promoción del álbum con la retransmisión de un especial de televisión titulado Ringo: With a Litle Help From My Friends, Bad Boy alcanzó el puesto 129. No obstante, el disco es mucho mejor que el anterior y, a pesar de sonar completamente fuera de onda (recuerdo que estamos en plena era punk), canciones como “Lipstick Traces (On A Cigarette)” o “Heart Of My Sleeve” bien merecen una escucha.

1978, el año de menos actividad beatle de los años 70, concluye con la edición de “The Beatles Collection“, una caja recopilatoria de discos de vinilo conteniendo el catálogo oficial de The Beatles en estéreo. Es una colección bastante incompleta puesto que no incluye una serie de grabaciones del grupo como las correspondientes al EP “Magical Mystery Tour” (que, como hemos dicho, se había editado como LP en Inglaterra apenas dos años antes, en 1976) , ni los sencillos que habían sido previamente publicado en los recopilatorios Rojo y Azul (editados en 1973). La caja se completaba con un nuevo álbum recopilatorio llamado “Rarities con una selección de canciones editadas por el grupo que no aparecieron en los LP’s. Éste recopilatorio fue luego lanzado por separado (al mes siguiente) con las siguientes canciones: “Across The Universe (la versión original)”, “Yes It Is”, “This Boy”, “The Inner Light”, “I’ll Get You”, “Thank You Girl”, “Komm, Gib Mir Deine Hand”, “You Know My Name (Look Up The Number)”, “Sie Liebt Dich”, “Rain”, “She’s A Woman”, “Matchbox”, “I Call Your Name”, “Bad Boy”, “Slow Down”, “I’m Down” y “Long Tall Sally”. En resumen, si es 1978 querías tener todo el material beatle debías comprar esta caja, el “Rojo”, el “Azul” y la edición de 1976 del LP “magical Mystery Tour”.

Mientras Harrison, que había permanecido inactivo musicalmente durante los últimos tres años, última la edición de su siguiente disco. George había quedado tocado con el tema del juicio por plagio y por las críticas que estaban recibiendo sus trabajos y decidió alejarse un poco de la música para dedicarse a otras dos de sus pasiones: la Fórmula 1 (siempre había sido muy aficionado a los coches y, poco a poco, estrechó lazos con algunos de los pilotos más destacados del Circuito) y el cine. En cuanto a lo cinematográfico, George fundó HandMade Films, una productora cinematográfica. El año anterior, 1978, había llegado a empeñar su mansión para financiar a un prometedor grupo de cómicos británicos con los que había entablado amistad, ¿su nombre?, Monty Phyton. George leyó el guión de una disparatada parodia de la vida de Jesucristo y lo tuvo claro, “quiero ver esta película”, y decidió producirla. Como dijo Terry Gillian, miembro de Monty Phyton, “fue la entrada de cine más cara de la historia”. De esta forma en 1979 se estrena la maravillosa “La Vida de Brian“, producida por George Harrison y en la que incluso hace un pequeño cameo (es el del turbante rojo en este vídeo).

En lo personal, George se había casado con Olivia tras divorciarse de Pattie y Dhani, el primer hijo de la pareja, ya había nacido. Con nuevas fuerzas y nueva familia, George entra de nuevo al estudio y graba un nuevo disco. “George Harrison“, que se editaría en febrero de 1979. Posiblemente sea su mejor trabajo desde 1970. Lleno de suaves y cálidas melodías, contenía la mejor pieza escrita por George en casi nueve años, “Blow Away” (¡qué guitarras!). También destacan “Love Comes To Everyone” (con una traviesa introducción de guitarra a cargo de Eric Clapton), “Here Comes The Moon“, “Dark Sweet Lady”, y sobre todo “Not Guilty“, un tema escrito para el álbum blanco de Los Beatles, que había sido rechazado por el grupo. El disco fue bien acogido alcanzando un nº14.

En mayo de 1979, la ex mujer de George, Pattie, se casó con Eric Clapton. Entre los invitados había celebridades musicales como David Bowie, Elton John, Mick Jagger, Bill Wyman, Jack Bruce, Ginger Baker, Ringo, Paul McCartney y el propio George Harrison. John Lennon declinó la invitación debido a que vivía en Nueva York y la boda se celebró en Inglaterra. La negativa de John fue una lástima puesto que Paul, George y Ringo acabaron improvisando junto a Eric Clapton varias canciones, entre ellas “Sgt. Pepper’s”. Pattie recuerda en su autobiografía que John la llamó para felicitarla por su matrimonio pasados unos días y, cuando le contó lo que había pasado, John dijo: “¿En serio?, ¡joder!, de haberlo sabido hubiera estado allí”. Una nueva oportunidad perdida de ver a los cuatro juntos.

Por su parte Paul estaba ocupado intentando refundar Wings tras la marcha de McCulloch y English. El primero en ingresar en los nuevos Wings es el guitarrista Laurence Juber y luego entró el batería Steve Holly. ya tenía grupo y la idea era grabar un nuevo LP y comenzar una nueva gira mundial. En 1979 el punk es la onda musical imperante, sin embargo, la nueva formación de Wings sale al mercado con un single muy apartado de este nuevo estilo, “Goodnight Tonight“, una canción escandalosamente comercial que fue un éxito pero, en mi opinión, es insoportable. Mal empezamos.

Sin embargo el disco, titulado “Back To The Egg” (enlace a crítica en Guilletek’s) y editado en junio de 1979, es un claro intento de los Wings por acercarse a sonidos más guitarreros. La nueva banda es buena, la producción del álbum es excelente (a cargo de Paul y Chris Thomas) y, aunque no gustó demasiado a la crítica, a mí me parece un gran trabajo. Tiene buenos temas, “Getting Closer“, la anfetamínica “Spit It On“, “Old Siam Sir“, “Arrow Thorugh Me” o la excelente canción de Laine “Again and Again And Again“, pero lo más espectacular del álbum es el instrumental “Rockestra Theme” en el que Paul juega a gigante del rock…y lo consigue… La idea era formar una gran orquesta sinfónica pero con instrumentos de rock, para ello, echó mano de músicos amigos. La banda resultante fue la siguiente: Baterías (Steve Holly de los Wings, John Bonham de Led Zeppelin y Kenney Jones de los Who), Guitarras (Denny Laine de los Wings, Laurence Juber de los Wings, Dave Gilmour de Pink Floyd, Hank Marvin de los Shadows, Pete Townshend de los Who), Bajos (Paul McCartney, John Paul Jones de Led Zeppelin, Ronnie Lane de los Small Faces, Bruce Thomas de la banda de Elvis Costello), Teclados (Paul McCartney, Linda McCartney de los Wings, Gary Brooker de Procul Harum). “So Glad To See You Here” también está grabada con esta súper-formación. Las críticas al disco no fueron tan favorables como en trabajos anteriores y se acusó a Paul de estar “falto de inspiración”. Con todo, en plena era punk, fue nº8 en USA y 10 en Inglaterra.

Paul y los Wings, con el disco bajo el brazo, iniciaron una gira mundial que empezó con 20 conciertos en el Reino Unido. La parte británica de la gira concluye el 29 de Diciembre con la celebración en el Hammersmith Odeon de Londres del “Concierto para la gente de Kampuchea“. A fines de los 70’s, el terror del régimen de Pol Pot, en Camboya (Kampuchea), atrajo la preocupación de las Naciones Unidas y de la Unicef. McCartney se puso en contacto con la ONU con la idea de hacer una serie de conciertos benéficos y conseguido el beneplácito de Naciones Unidas, se pone en contacto con varios músicos amigos para organizar el mejor cartel posible. Así habla con Pete Townshend, y consigue a The Who, habla con Freddie Mercury, y consigue a Queen, y así susesivamente se invita a The Clash, Elvis Costello y los Atraccions, The Pretenders, Robert Plant, Billy Conolly… Serían 4 noches sería de conciertos (del 26 al 29 de Diciembre). La actuación de Wings incluyó algunos temas de los Beatles como una excelente interpretación de “Got To Get You Into My Life” “Yesterday” o “The Fool On The Hill” pero lo más impresionante fue la aparición de la banda de Rockestra (a los que se unió el líder de Led Zepelin, Robert Plant) al completo interpretando “Rockestra Theme“, “Lucille” de Little Richard y un emocionante “Let It Be“.

A las dos semanas de los coniertos de Kampuchea, los Wings viajan a Japón como primera escala de su gira mundial. A su llegada al aeropuerto internacional de Narita, los agentes de la aduana descubrieron 219 gramos de marihuana, escondidos en la maleta de Paul que fue arrestado, esposado e interrogado durante una hora por los agentes de control de narcóticos. Paul pasó encarcelado 10 días en una celda de 2 por 2’5 metros en la prisión de Tokio, atado a la pared con una cuerda atada al cuello.Las únicas noches que había pasado separado de Linda desde 1969. Paul describe estos días como los peores de su vida: “estaba aterrado. Creía que me iban a violar y dormía todas las noches con el culo pegado a la pared… Era como en “Puente sobre el río Kwai”, gritaban ¡¡22!! -que era mi número- y yo contestaba “¡¡PRESENTE!!” .A pesar de que la pena para este tipo de delitos era de siete años de trabajos forzados, Paul sale de la cárcel y es deportado a Gran Bretaña. La gira es anulada y Paul decide dar un giro a su carrera: Los Wings habían llegado a su fin.

Cuando Paul dejó los Beatles, se encerró en su casa con un cuatro pistas y grabó “McCartney”, el tocaba todo… Cuando Paul dejó los Wings, se encerró en su casa con un dieciseis pistas y grabó “McCartney II” (enlace a crítica en Guilletek’s), él tocó todo… Paul se volvió a encargarse de todos los instrumentos, las voces, la composición de los temas y la producción del álbum. Es el disco más experimetal de Paul hasta la fecha, haciendo un uso intensivo de sintetizadores (bastante primitivos en 1980). El disco presentaba a un nuevo Paul, más tranquilo, menos rockero, más “artesano”. El LP se publicó en mayo de 1980 y fue un gran éxito (nº1 en Inglaterra y 3 en USA) a pesar de un recibimiento dispar por parte de la crítica. En su momento fue un disco avanzado (canciones como “Check My Machine” son parecido a lo que hoy en día hacen grupos como Gorillaz, sólo que 20 años antes), pero hoy puede sonar desfasado. No obstante contiene algunas grandes canciones como la evocadora “Waterfalls“, “One Of These Days“o “Summer’s Day Song“. La canción más recordada del disco es el single “Coming Up” (elogiada por John Lennon, “es buena, me ha gustado mucho”) y su excelente videoclip.

No obstante, lo más importante de este principio de 1980 aún estaba por llegar: en agosto John Lennon, tras cinco años de retiro, volvía al estudio

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 30 de marzo de 2013

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THE BEATLES. Capítulo 16 (1970-1974). Ex-Beatles, los restos del naufragio. Parte I

Tras el razonable éxito de Paul con su primer disco en solitario (nº2), George fue el primero en dar un golpe encima de la mesa tras la separación del grupo. La edición de el triple álbum “All Things Must Pass” el 27 de noviembre de 1970, demostraba que Harrison tenía muchas canciones que “vomitar” tras haber estado años bajo la sombra de Lennon y McCartney. El disco tiene canciones fabulosas como la homónima “All Things Must Pass“, “What Is Life“, “Beware of Darkness“, “Isn’t It A Pity“, “Wah-Wah” (dedicada a los dolores de cabeza que le daba Paul durante las grabaciones), pero sobre todo será recordado por la mítica “My Sweet Lord“. Una canción fabulosa por la que George tuvo que acudir a los juzgados por una reclamación de plagio por parte The Chifons y su “He’s so fine“. George fue multado “plagio inconsciente”, potencialmente provocado por un caso de criptomnesia. Sea como fuere el disco de George -su tercero en solitario- alcanzó el número 1 en listas.

Apenas un mes después, en diciembre de 1970 y ya afincado definitivamente en Nueva York, Lennon edita su fabuloso “Plastic Ono Band” (review en Guilletek’s), el mejor disco que grabaría durante su carrera en solitario. Recibió muy buenas críticas pero, a diferencia de lo que había ocurrido con los discos de Paul y George, tuvo que conformarse con un número 8. No obstante el LP tenía canciones sublimes como “Mother“, “Isolation“, “Love” o la intimista “God“, en la que el verso “I don’t in Beatles, I just believe in me, in Yoko and me” pone en claro la situación. Y más cuando ese mismo mes, como hemos visto en el capítulo anterior, McCartney demandó a sus compañeros de grupo, disolviéndose su sociedad en abril de 1971.

Poco después de la edición de “Plastic Ono Band”, en marzo de 1971, John editó su famosa “Power To The People” (enlace) como single

En mayo de 1971, Paul editó el exitoso single “Another Day” (enlace)  -numero 2 en listas- y su segundo disco en solitario: el exquisito y estupendo “RAM” que, aunque no recibió muy buenas críticas en su momento hoy en día está considerado uno de los mejores álbumes de un ex-beatle. Con todo, el LP alcanzó el número 1 a ambos lados del Atlántico y contenía grandes canciones como “3 legs“, “Heart Of The Country“, “Uncle Albert/Admiral Halsey” -el single del disco y rutilante número 1-, o la enorme “The Back Seat Of My Car“. Pero la atención fue acaparada por dos canciones Too Many People (enlace) y “Dear Boy” (enlace), que, aunque brillantes en lo musical, no es por su melodía por lo que obtuvieron relevancia sino por contener posibles mensajes velados de Paul hacia John.

Y es que , aunque Paul McCartney y John Lennon fueron como hermanos durante casi 15 años,  a partir de 1970 su relación fue espectacularmente hostil. Aunque ya desde la segunda mitad de 1969 la relación se había enfriado, en 1970 la situación se hizo casi insostenible. La tensión llegó al gran público cuando ambos músicos empezaron a lanzarse dardos desde sus canciones. En este aspecto fue Paul el primero en golpear  con su disco “RAM” (enlace a crítica en Guilletek’s), en cuya contraportada se pueden ver dos escarabajos –beetles- en actitud de darse por culo.  La primera de las canciones con mensaje es Too Many People. Paul arranca criticando la pose de John y Yoko (“Demasiada gente haciéndose el “underground” / Demasiada gente peleando por un trozo del pastel / Demasiada gente en un tira y afloja / Demasiada gente esperando un golpe de suerte”), luego recrimina a John no haber aprovechado la suerte de estar en los Beatles y renegar de ellos en los últimos dos años (“Ese fue tu primer fallo / cogiste tu golpe de suerte y lo partiste en dos / ¿qué puedo hacer por ti? / lo partiste en dos”). McCartney critica también la moralina de las canciones de John (“Demasiada gente predicando sermones / No les dejes que te digan lo que quieres ser / Demasiada gente haciéndolo /  es una locura, yo no lo hago”), para terminar dejando claro que ha cambiado de compañero, John por Linda (“Ese fue tu último fallo / yo encontré a mi amor / y ahora ¿Qué va a ser de ti / mi amor me espera”).

Paul reconoció que “Too Many People” estaba dedicada a John pero, además, Lennon entendió que en  “Dear Boy” también había referencias hacia él y Yoko. Según John, Paul le recriminaba que le hubiera  dejado para irse con Yoko (“Espero que nunca te des cuenta, querido chico, de lo que has encontrado / Espero que nunca te des cuenta de que es la cosa más dañina / Espero que nunca te des cuenta, querido chico / Espero que no tengas que darte cuenta de que el amor estaba aquí / y quizás con lo fastidiado que estás no recuperes el sentido común / espero que no lo recuperes, querido chico”), para luego dejarle claro que él sí había encontrado en Linda a la sustituta perfecta tras la separación del grupo (“Cuando salté estaba destrozado / pero ella y su amor aparecieron y me levantaron”). Paul siempre afirmó que esa canción iba dedicada al ex-marido de Linda.

El caso es que John era un hueso de roer… y vaya si contestó… En su siguiente disco, el extraordinario “Imagine” (review en Guilletek’s), de septiembre de 1971, incluyó una foto de regalo que hacía referencia a la portada de “RAM” en la que sostenía a un cerdo por las orejas en posición similar a la de Paul en la cubierta de su LP. Pero con lo que se despachó a gusto fue con la brutal “How Do You Sleep?” (enlace). John empieza atacando a la obra cumbre de Paul (“Incluso el Sargento Pepper te pilló por sorpresa, te veías bien a los ojos de esa mamaíta”) e incluso ironiza con la “histeria Paul is Dead (“Esos locos tenían razón cuando decían que estabas muerto,  tu gran problema es tu cerebro / ¿Cómo puedes dormir por las noches?”). En la siguiente estrofa (“Lo único que hiciste fue “Yesterday” y ahora eres “Another day”), John hace un buen juego de palabras diciéndole a Paul que lo único que hizo fue “Yesterday” (su mejor canción) y que ahora es “Another day” (que era el single de Paul que estaba en el mercado), por otro lado “Yesterday” es “ayer” y “another day” tiene la acepción de “día cualquiera”, con lo que viene a decir que Paul hizo su mejor trabajo en el pasado y ahora es un vulgar autor… Al final, John es especialmente duro (” Una bonita cara dura un año o dos, veremos que puedes hacer después / La música que hace es como música de ascensores (musak), ¿no has aprendido nada en estos años?, ¿Cómo duermes?).

Además, por si fuera poco, George participó también en la canción…Eso le dolió aún más a Paul.  Años después, el propio Harrison, habló de este tema: “Supongo que después de la ruptura, -aunque en el fondo todos la deseábamos- lo más fácil era encontrar un culpable dentro de nuestro pequeño circulo y por lo menos para John y para mí la culpa recayó directamente en Paul. Por eso y porque su canción también me gustaba y además porque tampoco me había agradado en absoluto la actitud de Paul conmigo durante las sesiones de Let it be, fue que acepté la invitación de John para grabar la guitarra slide en “How do you sleep?” Recuerdo que cuando escuchamos el tema terminado, sonreímos un poco, pero era una sonrisa un poco amarga o forzada, como la que se ofrece por compromiso cuando alguien cuenta un chiste de pésimo gusto. Con el tiempo he pensado que John se pasó un poco, sobre todo en líneas como “the sound you make is musak to my ears”. Parece que Ringo también estuvo invitado a la grabación pero se retiró al conocer la letra. El propio Lennon se arrepintió públicamente, años después, de haber editado esta canción

Esto no puede hacernos olvidar que “Imagine” es un disco magnífico con canciones enormes como la propia “Imagine“, “Jealous Guy“, “It’s So Hard“, “Gimme Some Truth” o “How?” que hicieron que tuviera un gran éxito de crítica y ventas, alcanzando -esta vez, sí- el número 1 a ambos lados del Atlántico.

El conflicto entre ambos se llevó también a la prensa escrita, John Lennon hizo declaraciones a Rollingstone en las que decía que “El primer disco como solista de Paul es basura. Esperaba más. Paul es capaz de grandes trabajos” para luego hablar sobre la separación del grupo, “Nos aburrimos de ser actores secundarios de Paul. Después de que muriera Brian creyó que podría sustituirle. George y yo no queríamos seguir adelante con “Let it Be”, pero Paul lo arregló todo. A mi no me importaba, yo ya estaba con Yoko. Fue una sensación muy desagradable en el estudio, siendo filmados todo el tiempo. Yo sólo quería que se fueran. Así que la grabación terminó y no queríamos saber nada más de ella, por primera vez desde el primer álbum. Las cintas eran malas así que fuimos y produjimos Abbey Road a la carrera para hacer algo presentable y perpetuar el mito. Poco después, un día le dije a Paul: “Me voy a ir”. No había decidido como hacerlo, si iba a armar otro grupo permanente, o lo que fuera. Al final decidí que no quería quedarme atascado con otro grupo de personas. Y entonces un día estábamos discutiendo algo con Paul en una oficina y le estaba diciendo que no a todo, hasta que finalmente dije: “Ya está. El grupo ha terminado. Me voy”. Paul me pidió que lo pensara. Sin embargo, fue Paul quien lo anunció seis meses después para promocionar su disco solista. Fui un tonto por no hacer lo que hizo Paul.  Yo no estaba molesto con Paul por haberlo anunciado a su manera. Sólo estaba sorprendido. Es un buen relaciones públicas. Tal vez el mejor en el mundo. Nos dolió que no nos hubiera avisado de lo que iba a hacer. Me llamó una tarde, y me dijo “voy a hacer lo que tú y Yoko hicieron el año pasado, voy a sacar un álbum solo y me voy del grupo también”. Fue raro oírlo de su boca, pues el era el que más quería a Los Beatles. Y entonces los periódicos de medianoche salieron con la noticia. Yo estaba maldiciendo por no haberlo hecho yo mismo. Lo que tengo claro es que no hay posibilidad de que volvamos a grabar juntos. No volvería a grabar nunca con nadie, sólo con Yoko, pero no con otro ego maníaco. Hoy en día solo hay sitio para uno en un álbum”

Paul, cuya segunda hija -Stella- acababa de nacer en septiembre,  también concedió entrevistas explicando su versión: “Se hizo un contrato de sociedad —años atrás— para mantenernos juntos durante diez años. A causa de lo que éramos entonces, ninguno de nosotros lo miró dos veces al firmarlo. Lo firmamos en 1967 y lo descubrimos el año pasado; un contrato que nos ligaba por siete años más. Está claro que había que romperlo si no íbamos a seguir juntos, el problema reside en que a los otros tres les aconsejaron no anularlo, les dijeron que en caso de romperlo las consecuencias impositivas serían desastrosas para ellos. No es un problema con los otros tres. Creo que los cuatro todavía nos queremos mucho y no creo que haya resentimientos, no de mi parte por lo menos. Hace poco hablé con los otros y tampoco me lo demostraron… Es Allen Klein… Traté de pensar en la manera de llevar a Allen Klein ante la justicia. Pero la acción tendría que llevarse a cabo también contra los otros tres. En un principio me negué. “Viviremos con eso a cuestas”. Durante todo el verano que pasé en Escocia luché contra mí mismo pensando si debía hacer algo parecido. Fue espantoso; tenía permanentemente un nudo en el estómago… Pero tuve que hacerlo…, ¿sabes? John tiene una canción llamada “Power to the People”. En ella hay un verso —una especie de grito al gobierno— que dice: “Dennos lo que nos pertenece”. Y para mí Apple representa al gobierno. Denme lo que me pertenece… La gente dijo: “Es una lástima que algo tan lindo tenga que terminar de esta manera”. Yo también lo creo, es una lástima. Me gustan los cuentos de hadas. Me encantaría ver a Los Beatles envueltos en una nube de humo, con ropas mágicas. Pero es la vida real. El asunto Beatle era algo fantástico. Me encantó cada minuto vivido, era hermoso. Pero era una vida muy protegida y ahora tenemos que empezar a vivir. Musicalmente somo todos válido, individualmente somos todos buenos…, sólo hay que ver el disco de George”

A pesar de todo el conflicto, el primer conato de reunión se produjo poco después, cuando George pidió a Paul y John que se unieran a Ringo y a él mismo durante el concierto benéfico que Harrison había organizado en favor del pueblo de Bangla Desh. Parece que John, en un primer momento y a pesar de la oposición de Yoko, acabó aceptando… aunque al final no acudió; Paul directamente declinó la invitación porque “todo estaba demasiado caliente”. No obstante el concierto de Bangla Desh, que pasará a la historia por haber sido el primer recital de rock benéfico de la historia, fue un éxito y contó con luminarias como Billy Preston, Bob Dylan, Leon Russell, Eric Clapton y los propios George y Ringo. El concierto fue un éxito (se donaron 243.418 dólares a UNICEF) y George se “atrevió” a interpretar dos de sus temas con los Beatles, siendo el primer miembro del grupo en tocar canciones del grupo en solitario. Las canciones elegidas fueron: “Something” y “While My Guitar Gently Weeps

Mientras, Paul dio un giro a su carrera a finales de 1971 formando su propio grupo: Wings. Para ello reclutó, además de a su esposa Linda, al guitarrista ex-Moody Blues Denny Laine y al batería Denny Seiwell. Su disco de debut, “Wild Life” (enlace a crítica en Guilletek’s) editado en diciembre de 1971, es francamente malo, pero contiene en su interior la canción “Dear Friend” que, además de ser un muy buen tema, es una invitación a John para sellar la paz que aparentemente tuvo éxito, puesto que las hostilidades públicas cesaron. La crítica fue muy dura con el LP a pesar de que tuvo un relativo éxito comercial (número 10). Mal debut para el nuevo proyecto de Paul quien, ni corto ni perezoso, se subió en una furgoneta con sus compañeros de grupo e inicio una gira por Universidades británicas y pequeños escenarios.

Mientras, John y Yoko continúan con su activismo político y lo refrendaron con su siguiente lanzamiento discográfico, el flojísimo “Sometimes In New York City” (review en Guilletek’s) en junio de 1972. Es un LP realmente malo del que apenas puede rescatarse “Woman Is The Nigger of The World“. Como le ocurriera al disco de Paul y Wings, la crítica fue muy dura  pero, a diferencia de lo que le ocurriera a McCartney, el público también le dio la espalda y fue un absoluto fracaso comercial, especialmente en Estados Unidos donde John se había convertido en un personaje incómodo. La administración Nixon lo clasificó como persona non grata y consideró su deportación como “estratégica” y utilizaron la detención por posesión de drogas que había sufrido en Inglaterra en 1968 como excusa. John tuvo que pelear su estancia en los Estados Unidos,  la batalla legal le hizo pasar varias veces por los tribunales y, mientras, atendió a reuniones e hizo apariciones en televisión. Finalmente, el 23 de marzo de 1973, recibió una carta del Gobierno Federal que le ordenaba salir de los Estados Unidos en los próximos días. En respuesta, Lennon y Ono, realizaron una conferencia de prensa el 1 de abril de 1973 en Nueva York, donde anunciaron la formación del estado de Nutopia: “Anunciamos el nacimiento de un país conceptual, Nutopia. La ciudadanía del país se puede obtener mediante una declaración de su conciencia de Nutopia. Nutopia no tiene tierra, ni fronteras, ni pasaportes, gente solamente. Nutopia no tiene leyes que no sean cósmicas. Todas las personas de Nutopia son embajadores del país. Como dos embajadores de Nutopia, pedimos inmunidad diplomática y reconocimiento en las Naciones Unidas, de nuestro país y su gente”. Agitando la bandera blanca de Nutopia (dos pañuelos), pidieron asilo político en los Estados Unidos. El escándalo del Watergate, que supuso la dimisión de Nixon, hizo que la presión sobre John se aliviara. El sucesor de Nixon, Gerald Ford, no prestó demasiada atención al caso y cayó en el olvido. No obstante John no consiguió su permiso de residencia hasta 1977.

Lo más destacado de este 1972 para John fue su actuación en directo en el Madison Square Garden de Nueva York en agosto, su primera actuación en directo (obvio esa “cosa” de Toronto) en solitario. Lennon atacó su “Come Together” y realiza estupendas versiones de temas como “Instant Karma“, “Mother” o “Imagine“, en lo que fue un concierto más que notable.

Entre tanto los Wings de Paul McCartney, que habían incorporado al guitarrista irlandés Henry McCulloug, comienzan su primera gira europea (“Wings Over Europe”). Tras su mini gira por universidades, Paul consideró que el grupo estaba preparado para su primera gira internacional. Durante dicha gira Paul cantó una nueva canción dedicada a John “Best Friend” (enlace) que nunca llegó a editar a nivel discográfico, pero que demostraba a las claras la voluntad de Macca de enterrar definitivamente el hacha de guerra (“Dime por qué me tratas tan mal, cuando eres el mejor amigo que pude tener…”). La banda comienza a sonar conjuntada y a conseguir cierto crédito entre el nuevo público. Temas como “Hi hi hi” , definitivamente más rockero y con una letra con claras alusiones sexuales que hizo que fuera censurada por la BBC, y sobre todo la extraordinaria “Live And Let Die“, compuesta para la película de James Bond “Vive y deja morir” y producida pro George Martin, hicieron que el público y la crítica comenzaran a respetar a los Wings

En su intento de promover su nueva carrera, Paul y los Wings protagonizan, ya en abril de 1973, un especial de televisión de una hora titulado James Paul McCartney (enlace) en el que Paul hace una interpretación soberbia de “Yesterday“, además de tocar otras canciones de los Beatles (“Blackbird”, “Michelle”) y otros temas que sirven de adelanto de lo que será su próximo disco: “Red Rose Speedway” (enlace a crítica en Guilletek’s). Con este LP, Paul se reconcilia con la crítica y los Wings alcanzan su primer número 1 en ventas. Es un disco sólido y notable aunque algo falto de temas inolvidables. No obstante, canciones como “Big Barn Bend“, “One More Kiss“, “Little Lamb Dragonfly“, “Single Pigeon” y sobre todo el baladón “My Love“, número 1 en Estados Unidos, demuestran que McCartney comienza a recuperar la forma.

En el mismo abril de 1973, EMI decide editar dos discos dobles recopilatorios de The Beatles, “The Beatles/1962-1966” y “The Beatles/1967-1970”, popularmente conocidos como los discos Rojo y Azul. Probablemente las compilaciones de éxitos más completas del grupo mostrando la evolución de la banda desde “Love Me Do” hasta “The Long And Winding Road”. Fueron editados simultáneamente en formato de dos discos dobles. El “Rojo”, contenía las siguientes canciones:  Disco 1: Love Me Do, Please Please Me, From Me To You, She Loves You, I Want To Hold Your Hand, All My Loving, Can’t Buy Me Love, A Hard Day’s Night, And I Love Her, Eight Days A Week, I Feel Fine, Ticket To Ride , Yesterday. Disco 2: Help, You’ve Got To Hide Your Love, We Can Work It Out, DayTripper, Drive My Car, Norwegian Wood (This Bird Has Flown), Nowhere Man, Michelle,  In My Life,  Paperback, Eleanor Rigby,Yellow Submarine. Fue número 3 tanto en listas británicas como americana. En cuanto a su hermano, “The Beatles/1967-1970”, el “Azul” contenía: Disco 1: Strawberry Fields Forever, Penny Lane, Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band/With A Little Help From My Friends, Lucy In the Sky With Diamonds, A Day In The Life, All You Need Is Love, I Am The Walrus, Hello Goodbye, The Fool On The Hill, Magical Mystery Tour, Lady Madonna, Hey Jude, Revolution. Disco 2: Back In The USSR, While My Guitar Gently Weeps, Ob-La-Di, Ob-La-Da, Get Back, Don’t Let Me Down, The Ballad Of John And Yoko, Old Brown Shoe, Here Comes The Sun, Come Together, Something, Octopus’s Garden, Let It Be, Across The Universe, The Long And Winding Road. Tuvo mayor éxito que su hermano y consiguió un número 2 en Inglaterra y un número 1 en Estados Unidos.

El 73 fue un año de auténtica sobredosis Beatle. El siguiente en editar disco fue George. “Living in the Material World “, junio de 1973, está muy lejos del nivel exhibido en “All Things Must Pass”, pero contiene algunas canciones memorables como el mega éxito “Give Me Love (Give Me Peace On Earth)” (número 1), “The Light That Has Lighted the World” y “Don’t Let Me Wait Too Long“. El disco fue un nuevo éxito de ventas y alcanzó el número 2.

John y Ringo también se unieron a la fiesta con sendos LP’s en noviembre de 1973. El LP de Ringo,  homónimo, a punto estuvo de suponer una reunión de The Beatles. De hecho, en el disco coinciden Paul, George, John y Ringo…, pero por separado… Ringo pidió ayuda a sus amigos para que le cedieran canciones para hacer un buen disco. George tocó la guitarra y le dió  sus canciones “Sunshine Life For Me (Sail Away Raymond)“, “You And Me (Babe)” y co-escribió con él “Photograph” (número 1 en Estados Unidos), Paul le regaló “Six O’Clock“, en la que también hace coros y toca el bajo. Pero la canción que desató los rumores fue la que aportó John, la genial “I’m The Greatest“. Durante la grabación Ringo (batería y voz), George (guitarra) y John (piano y voces) y Billy Preston (teclados) hicieron que la formación de la época de “Let It Be” estuviera completa al 80%. La rumorología hablaba de una re-formación de los Beatles con Klaus Voorman -que es quien toca el bajo en la canción- sustituyendo a Paul. Sea como fuere, el disco fue el mayor éxito de Ringo en su carrera (número 2)

John editó “Mind Games” (review en Guilletek’s) también en noviembre de 1973. Durante la grabación del LP (verano del mismo año) Yoko y John decidieron romper su relación, de ahí que este disco esté lleno de canciones sobre su ruptura. Es un disco definitivamente mucho más comercial que sus anteriores trabajos y con el que Lennon quiso conseguir el éxito en solitario que ya habían conseguido George y Paul…, pero no lo consiguió. El disco fue un fracaso y fue vapuleado -injustamente- por la crítica. Se le acusó de ser muy comercial (cuando con “Sometimes in New York City” le acusaban de serlo demasiado poco). Es obvio que John deja de lado la política para volver a temas universales, concretamente al desamor, puesto que la mayoría del disco es una petición de disculpas a Yoko por su reciente ruptura. Es un disco muy melódico y canciones como “Mind Games“, “Aisumasen“, “Out The Blue” y “I know I know” son sencillamente fantásticas.

Antes de acabara este muy activo 1973, Paul y sus Wings editarían otro LP -el segundo del año-, su celebérrimo y brillantísimo “Band On The Run” (enlace a crítica en Guilletek’s). Paul quería grabar un disco en África y decidió que podrían viajar a Nigeria, pero Henry McCullough, el guitarrista, abandonó el grupo unos meses antes de partir (Paul y él discutían frecuentemente y tenían diferencias artísticas) y a Denny Seiwell -el batería- le daba terror ir a África, así que decidió dejar también la banda. Paul, Linda y Denny Laine viajaron igualmente, “eso sólo significaba que yo tendría que tocar la batería y Denny  y yo nos repartiríamos los solos de guitarra, no hay problema”. El resultado es el mejor disco en solitario de McCartney , uno de los mejores trabajos -si no el mejor- que un ex-beatle grabara y uno de los clásicos de todos los tiempos. Hasta Lennon reconoció que era  un álbum “muy bueno“. Es variado, inteligente, bien acabado …y, sobre todo, tiene unas melodías que quitan el hipo.  Canciones como la gigantesca “Band On The Run“, la comercial “Jet“, la sofisticada “Bluebird“, “Let Me Roll It” o la brutal “Nineteen hundred and eighty five” son muestra del nivelazo del disco. Número 1 planetario y la confirmación de Wings como banda.

1973 no acabó sin que los Beatles se reunieran…pero en los tribunales. John acaba demandando al Allen Klein  por mala administración…Paul,George y Ringo se unieron a la demanda… Pero,quien sabe si por la demanda conjunta, si por la desaparición de Yoko del panorama Beatle o simplemente por el paso del tiempo, la relación entre John y Paul comienza a destensarse en este punto de la historia 1974.

 Tras su separación de Yoko, John se refugia en los brazos  de May Pang, que había estado trabajando como secretaria de la pareja. Lo más sorprendente en que fue la propia Yoko la que propició la relación, prefiriendo que John estuviera con Pang, conocida, que con otras mujeres.

John y May Pang, dejaron Nueva York a finales de 1973 para trasladarse a Los Ángeles. Una vez allí, John recibió por parte de su amigo Harry Nilsson, el encargo de producir el que iba a ser su nuevo disco (“Pussy Cats”). A John y May les pareció buena idea que los músicos vivieran bajo el mismo techo y tener el estudio instalado allí mismo. Así que Pang alquiló una casa de playa en Santa Mónica en marzo de 1974, instalaron un estudio de grabación, y  Ringo Starr, Harry Nilsson y Keith Moon se trasladaron allí.

Fue una época muy convulsa para Lennon. que se refugió en las drogas y en el alcohol para superar la depresión que le había ocasionado la separación de Yoko. May Pang, que fue fundamental para John durante este periodo, intentó que John afrontara sus problemas y se enfrentara a sus fantasmas, especialmente su familia y sus amigos. En primer lugar, hizo que John retomara su relación con Julian, su hijo, al que no veía desde hacía cuatro años, “Papá y yo conseguimos un mejor trato entonces, tuvimos un poco de diversión, nos reíamos un rato y en general tuvimos un gran momento cuando él estuvo con May Pang. Mis recuerdos de ese tiempo con papá y May son muy claros – fueron los momentos más felices que puedo recordar con ellos”, recuerda Julian.

Pero quedaba un cabo suelto: Paul.

Los McCartney decidieron visitar a John, sabedores de que éste estaba en Los Ángeles donde ellos se encontraban aquel 28 de marzo de 1974. Christopher Sandford, presente, describió la escena del reencuentro Lennon-McCartney de la siguiente manera: “La habitación se congeló cuando McCartney entró, y se quedó en absoluto silencio hasta que Lennon dijo: ‘Valiant Paul, supongo?’ McCartney respondió: ‘Señor Jasper Lennon, supongo? (Valiant Paul y Sir Jasper eran personajes interpretados por los dos, en un juego televisado de Navidad a inicios de la carrera de The Beatles). Extendió una mano McCartney, Lennon se la estrechó, y el ambiente era agradable, pero moderado, cordial, pero no especialmente cálido, por lo menos inicialmente”. Paul y John, prácticamente no se hablaban desde hacía cuatro años y el reencuentro fue no demasiado afectuoso en un principio. Poco a poco el ambiente se relajó y comenzaron a hablar sobre los viejos tiempos, especialmente sobre la época de Hamburgo. Los litros de alcohol y las drogas probablemente contribuyeron a rebajar la tensión, hasta el punto que Lennon y McCartney empezaron a mostrarse a gusto con la situación y empezó a respirarse una auténtico ambiente de camaradería.

Última foto de John y Paul juntos, marzo de 1974

Paul y Linda se quedaron en casa de John y May unos días. El 31 de marzo de 1974, Stevie Wonder y Harry Nilsson, en mitad de una juerga, convencieron a John y Paul de que estaría bien grabar algo de música… y ocurrió…

Paul, en ausencia de Ringo, se sentó a la batería e hizo voces y John cantó y tocó la guitarra. Les acompañaron Stevie Wonder (voz y piano eléctrico, Harry Nilsson (voz), Jesse Ed Davis (guitarra), Bobby Keyes (saxofón), Ed Freeman (bajo), Linda McCartney (órgano) y May Pang (pandereta).

La sesión no tuvo mucha calidad a causa de la borrachera que llevaban todos. La marihuana y la cocaína también contribuyeron. Las cintas, recogidas en los Burbank Studios de Los Ángeles, nunca fueron editadas oficialmente (repito que su calidad es muy baja), pero sí en forma de álbum pirata bajo el título de “A Toot and a Snore in ’74”.

El disco arranca con John ofreciéndole una raya a Stevie Wonder (“¿Quieres esnifar, Steve? ¿Un golpe? Lo están pasando“), para atacar “Bluesy Jam” (enlace), una alocada improvisación sobre una base de blues con John a la voz principal. La siguiente canción es el clásico de Little Richard “Lucille” (enlace), en una versión mucho menos acelerada que la original y en la que podemos escuchar por primera vez a Paul y John cantando juntos (Lennon el tono alto y McCartney el bajo). El siguiente tema, “Nightmares” (enlace) es una versión del “Sleep Walk” de Santo & Johnny. Una floja versión del “Stand By Me” (enlace) de Ben E. King, llena de problemas técnicos y con John y Paul cantando juntos de nuevo, es la siguiente canción. La sesión terminó con un medley compuesto del “Cupid” y el “Chain Gang” de Sam Cooke más “Take This Hammer” de  Leadbelly.

Tras esta sesión Paul y John se vieron en muchas ocasiones durante 1974. May Pang recuerda esos encuentros: “Un día, los McCartney nos hicieron una visita sorpresa, después de la primera noche de grabación del disco Pussy Cats de Harry Nilsson. De hecho, después de ese encuentro, nos vimos harto con los McCartney. Cuando John y yo estuvimos juntos, él realmente estaba mucho más tranquilo y más abierto a sus viejos amigos y a su familia. Además de ver con frecuencia a Paul en Los Angeles y Nueva York, Ringo estuvo con nosotros varios meses, así que todos los sentimientos estaban mucho más cálidos… También estuvimos con George en Nueva York, , Paul y Linda también estaban con nosotros“.

Podríamos decir que nunca existió una posibilidad tan real de que los miembros de los Beatles volvieran a trabajar juntos como a lo largo de este periodo de 1974. La guerra Lennon vs McCartney llegó a su fin. Harry Nilsson contó años después, cuando recordaba este periodo, que un día paseando con John y May por la calle, un periodista los paró y se fijó en que Lennon llevaba una chapa que rezaba “I Love Paul” (“Quiero a Paul”), habituales entre las fans de los Beatles años atrás. Cuando el periodista preguntó a John por qué la llevaba, la contestación fue obvia: “…porque quiero a Paul” 

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 23 de marzo de 2013

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THE BEATLES. Capítulo 15 (1969-1970). El amargo final, “Let it Be”

John y Yoko seguían haciendo de las suyas y, en noviembre de 1969, editan “The Wedding Album, otra basura disfrazada de obra experimental. Incluye únicamente dos temas, uno en cada cara de la edición original de vinilo: “John & Yoko”, en la primera cara, es una grabación de John y Yoko llamándose entre sí con distintos rangos vocales; “Amsterdam”, en la segunda cara, está compuesto de entrevistas, conversaciones y sonidos registrados durante la conocida encamada por la paz de la pareja.

Pero, con John entretenido con sus experimentos y Paul retirado en su granja, nadie se había ocupado de dar la puntilla y finiquitar a los Beatles, así que la banda seguía oficialmente en activo. De hecho, en diciembre de 1969 se edita, en el álbum benéfico “No One’s Gonna Change My World” editado por la World Wildlife Fun (WWF), una canción inédita hasta el momento, la espléndida “Across The Universe” (enlace). La canción fue originalmente grabada en 1968 durante las sesiones del “Álbum Blanco” pero no fue terminada. Para esta versión se aceleró el tempo y se incluyeron unas voces en falsete en el estribillo intrepretadas por dos fans que se encontraban a las puertas del estudio y a las que Paul invitó a participar en la grabación. Luego se incluyeron efectos de aves volando y sonidos de animales salvajes.

Por otro lado, ajeno a todo,  Glyn Johns seguía trabajando en el proyecto “Get Back”. Las instrucciones que le había dado desde Apple es que las canciones deberían coincidir con las incluidos en la aún inédita película. Así que desde mediados de diciembre a principios de enero de 1970, Johns preparó nuevas mezclas en las que omitió “Teddy Boy” (enlace)  (porque no aparecía en la película y porque Paul había decidido grabar esta canción en el que iba a ser su próximo y primer álbum en solitario) y agregó “Across the Universe”. Cuando las cintas fueron presentadas al grupo, decidieron rechazarlas. Los días 3 y 4 de enero George y Ringo se reunieron en los estudios de Abbey Road para intentar mejorar algunas pistas junto a Paul que volvió momentáneamente de su retiro escocés, John estaba en Dinamarca de vacaciones.

Mientras, John, hiperactivo, edita un nuevo single y esta vez, al fin, sí es un tema propio de su enorme talento. John escribió “Instant Karma” (enlace) y ese mismo día la grabó junto a Billy Preston (teclados), Klaus Voormann  (bajo y  piano eléctrico), Alan White (batería), George Harrison (guitarra eléctrica) , y Yoko Ono y Mal Evans (coros). Buena canción de John que alcanzó el número 3 en lista y que fue producida por el archiconocido productor Phil Spector.

John disfrutó de la experiencia con Spector y decidió que sería buena idea dejarle las cintas de “Get Back ” para que trabajara con ellas. Y así lo hizo, dejando fuera tanto a Glyn Johns como a su productor de toda la vida, George Martin.

En febrero de 1970, y ante la ausencia de lanzamientos, EMI lanza un recopilatorio titulado “Hey Jude” y en cuya selección de canciones nigún Beatle se molestó en participar. Es una selección francamente extraña (“Can’t Buy Me Love”, “I Should Have Known Better”, “Paperback Writer”, “Rain”, “Lady Madonna”, “Revolution”, “Hey Jude”, “Old Brown Shoe”, “Don’t Let Me Down” y “The Ballad of John and Yoko”) y lo más recordado del disco es que la foto de la portada pertenece a la última sesión de fotos del grupo, la última vez que John, Paul, George y Ringo fueron fotografiados juntos… Hecho que no volvería a producirse, jamás.

A principios de marzo, el día 6, EMI edita el nuevo single del grupo, “Let It Be” (enlace) como adelanto promocional del disco y la película del mismo título -el proyecto “Get Back” había cambiado su nombre por el de “Let It Be”- que deberían aparecer en abril  y mayo respectivamente. La canción, una de las obras maestras de McCartney, es un clásico de todos los tiempos tienen como fuente de inspiración a la madre de Paul, fallecida cuando éste tenía 14 años. Transmisora de una paz casi mística, es una balada de marcado aire soul que consigue el equilibrio perfecto entre emoción y sentimiento a través de una magnifica interpretación vocal de McCartney. Una JOYA con mayúsculas que, como no podía ser de otra forma se convirtió en un número 1 planetario. La cara B del single fue ocupada por la festiva “You Know My Name (Look Up the Number)” (enlace), canción que proviene de los felices tiempos posteriores a Sgt. Peppers. John explica que “era un fragmento musical inacabado que convertí en comedia con Paul. Le estaba esperando en su casa y vi que tenía el listín de teléfonos sobre el piano, con las palabras, ‘You know the name, look up the number’ (Ya sabes el nombre, busca el número). Era como un logo, y no hice más que cambiarlo. Iba a ser una de esas canciones a lo Four Tops… los acordes lo dicen todo… pero nunca la terminamos, así que nos la tomamos en broma”. La canción tuvo varios añadidos durante los años siguientes, incluido el saxo a cargo del Rolling Stone Brian Jones, hasta que fue recuperada para la cara B de “Let It Be”. El single alcanzó el  nº 3 en Inglaterra y en Estados Unidos permaneción en el nº 1 durante dos semanas manteniéndose en total trece semanas en listas.

Para promocionar el single “Let It Be”, Apple distribuyó para algunas cadenas de televisión un clip de 16 milímetros en color mostrando una de las nueve tomas de la canción grabada y filmada el 31 de enero, pero con imágenes diferentes a las de la película y entre las que se incluían algunas secuencias correspondientes a las interpretaciones de “Two Of Us” y “The Long And Winding Road”.

En pleno éxito del single, Paul vuelve a Londres con su disco en solitario bajo el brazo. Su intención es editarlo el 10 de abril a través de Apple, sin embargo recibe la negativa de Allen Klein alegando que abril es la fecha elegida para la edición del LP “Let It Be” y no querían que compitieran comercialmente. Paul alegó que George y John habían editado sus primeros discos en solitario (“Wonderwall” y “Two Virgins”) a la vez que el”Album Blanco” y que eso no había sido un problema. Klein no sólo se negó sino que además le indicó a McCartney que tampoco podría editar su disco después de “Let It Be” ya que Ringo también había grabado un disco y había pedido su turno antes…, Paul tendría que esperar.

Fue precisamente Ringo quien intento mediar en el conflicto. Una noche fue a casa de Paul para intentar apaciguar los ánimos pero McCartney lo echó a empujones gritando: “¡¡Queréis joderme!!, ¡me las pagaréis!, ¡os aniquilaré a todos!”. A pesar de todo, Ringo habló con el resto y les convenció que deberían ceder ante Paul aunque sólo fuera por amistad y retrasar “Let It Be” a mayo que, además era la fecha de estreno de la película. El propio Ringo adelantó el lanzamiento de su disco, un sencillo álbum de versiones titulado “Sentimental Journey“, para evitar conflictos.

Cerrado el acuerdo, el 1 de abril, los Beatles escucharon por primera vez el LP “Let It Be” tras pasar por las manos de Phil Spector. John quedó encantado, a George le gustó… y Paul entró en cólera tan pronto como escuchó “The Long And Winding Road”. Spector le había aplicado su famosa técnica de muro de sonido (enlace), consistente en crear un masa sonora de cuerdas y voces  que dieran un cuerpo grandilocuente a las canciones, y Paul cuando compuso la canción la concibió justo de forma opuesta, como una sencilla balada sin casi instrumentación (enlace).

El caso es que Paul, horrorizado, envió una carta a Allen Klein diciéndole que la instrumentación fuera reducida, la parte de arpa eliminada y  que “nunca volviese a hacer algo parecido de nuevo”. Paul estaba alucinado, “nadie me preguntó mi opinión, no podía creerlo”, pero Klein contestó que ya era tarde y que los discos ya estaban prensados.  Spector dijo que se vio forzado a hacer esto con «The Long and Winding Road», por la baja calidad con que John Lennon tocó el bajo a lo que McCartney argumentó que hubiera sido tan sencillo como haber grabado una pista adicional tal y como habían hecho con otras canciones del disco los días 3 y 4 de enero de es ese mismo año. Fue la gota que colmó el vaso.  Nueve días después, el 10 de abril de 1970, Paul McCartney anuncia a la prensa que deja el grupo y el Daily Mirror lo lleva a su primera página. McCartney alegaba “diferencias personales, comerciales y musicales”.

John montó en cólera, él ya había dejado el grupo…, de hecho, no creía que el grupo existiera…, entonces ¿qué estaba anunciando Paul?, ¿cómo se atrevía?, los Beatles era su grupo y él era quien había decidido abandonarlos. John jamás perdonó a Paul este movimiento y siempre defendió que fue él y no Paul quien dejó el grupo provocando su posterior separación.

Finalmente “McCartney” (enlace a crítica en Guilletek’s), el primer disco en solitario de Paul, se editó el 20 de abril de 1970. A diferencia de los trabajos en solitario que habían editado George y John, de marcado carácter experimental, “McCartney” es un disco propiamente dicho. Paul grabó el LP de forma casera, con un magnetófono de cuatro pistas y tocando todos los instrumentos que aparecen el álbum.  Es un disco notable por la inclusión de grandes canciones como la maravillosa “Junk“, “That Would Be Something“, “Teddy Boy“, “Every  Night” y, sobre todo, por la sobresaliente “Maybe I’m Amazed” (enlace), una de las mejores canciones que un beatle editaría nunca en solitario. El resto son canciones sin demasiado peso, pero el conjunto, a pesar de su excesivo sonido casero y su total ausencia de producción le llevó al número 1 en Estados Unidos y al 2 en Inglaterra (frenado por el fabuloso “Bridge Over Troubled Waters” de Simon and Garfunkel”).

A pesar de su éxito la prensa especializada lo calificó como “muy casero e integrado por canciones a medio escribir”. La reacción del resto de Beatles fue dispar, mientras George afirmaba que «Maybe I’m Amazed» y «That Would Be Something» eson geniales”, John criticaba su falta de calidad sobre todo sabiendo lo perfeccionista que siempre había sido Paul.

Paul decidió incluir una auto-entrevista (redactada por él mismo y el colaborados de Apple Peter Brown), en la que según él “intentaba aclarar la situación a los Fans”.

– ¿Por qué decidiste hacer un álbum en solitario?
PAUL: “Porque tengo una Studer de 4 pistas en casa, practiqué con ella (tocando todos los instrumentos), me gustaron los resultados y decidí hacer un álbum”
– ¿Estuviste influenciado por las aventuras de John con la Plastic Ono Band y del LP en solitario de Ringo?
PAUL: “En cierta forma, pero no realmente”
– ¿Son todas las canciones de Paul McCartney en solitario?
PAUL: “Sí, señor.”
– ¿Estarán entonces acreditadas: McCartney?
PAUL: “Sería un poco injusto para ellas que estuviesen acreditadas a Lennon/McCartney, entonces lo están a McCartney”
– ¿Disfrutaste trabajando en solitario?
PAUL: “Mucho. Sólo tenía que preguntarme a mí mismo para tomar una decisión, y generalmente estaba de acuerdo conmigo mismo. Recuerda, Linda también está en el asunto, es realmente un acto de dos”
– ¿Eres capaz de describir la textura o el sentimiento del álbum?
PAUL: “Casa, familia, amor”
– ¿Cuánto tiempo te llevó completarlo, desde cuándo hasta cuándo?
PAUL: “Desde antes de las Navidades, hasta ahora. “The Lovely Linda” fue lo primero que grabé en casa y fue, originariamente, para probar el equipo. Eso fue aproximadamente en Navidades”
– ¿Asumiendo que las canciones son nuevas para el público, lo son también para ti? ¿Son recientes?
PAUL: “Una es de 1959, “Hot As Sun”. Dos son de India, “Junk” y “Teddy Boy”. El resto son bastante recientes. “Valentine Day”, “Momma Miss America” y “Oo You” fueron realizadas en el momento”
– ¿Qué instrumentos tocaste en el álbum?
PAUL: “Bajo, batería, guitarra acústica, guitarra solista, piano, órgano, mellotron, xilófono de juguete, arco y flecha” (Estos dos últimos en Kreen-Akrore)
– ¿Por qué tocaste todos los instrumentos?
PAUL: “Creo que soy bastante bueno”
– ¿Estará Linda en todos los álbumes futuros?
PAUL: “Podría ser. Nos gusta cantar juntos y tenemos muchas oportunidades para practicar”
– ¿Se convertirán Paul y Linda en unos John y Yoko?
PAUL: “No, se convertirán en unos Paul y Linda.”
– ¿Estuvisteis influenciados por su trabajo?
PAUL: “No”
– ¿Serán ellos o quién será el que reciba las primeras copias?
PAUL: “La prensa.”
– ¿Echaste de menos a los otros Beatles y a George Martin? ¿Hubo algún momento en el que pensaste: “Me gustaría que estuviese Ringo en este descanso”?
PAUL: “¡No!”
– Asumiendo que este es un álbum de mucho éxito, ¿harás otro?
PAUL: “Incluso si no lo fuera, continuaré haciendo lo que quiera, cuando quiera”
– ¿Estás planeando un nuevo álbum o single con los Beatles?
PAUL: “No.”
– ¿Es este álbum un “descanso” de los Beatles o el inicio de una carrera en solitario?

PAUL: “El tiempo lo dirá. Ser un artista en solitario implica el inicio de una carrera en solitario y no hacerlo con los Beatles implica sólo un descanso. Entonces es las dos cosas, realmente”
– ¿Es tu ruptura con los Beatles, temporal o permanente, debida a diferencias personales o musicales?

PAUL: “Diferencias personales, diferencias económicas, diferencias musicales… pero sobre todo porque lo paso mejor con mi familia. ¿Temporal o permanente? No lo sé.”
– ¿Puedes ver un momento en el que Lennon/ McCartney vuelva a ser una pareja de compositores otra vez?
PAUL: “No.”
– ¿Qué piensas del esfuerzo pacifista de John? ¿Y la Plastic Ono Band? ¿Devolver su MBE (Medalla Del Imperio Británico)? ¿Yoko?
PAUL: “Quiero a John y respeto lo que hace, pero realmente no me hace mucha gracia”
– ¿Fueron algunas de las canciones originalmente escritas pensando en los Beatles?
PAUL: “Las más antiguas sí: “Junk” era para “Abbey Road”, pero algo pasó. “Teddy Boy” era para “Get Back”, pero algo pasó”
– ¿Te gustó “Abbey Road”? ¿Fue musicalmente restrictivo?
PAUL: “Fue un buen álbum”
– ¿Cuál es tu relación con Klein?
PAUL: “No existe. No estoy en contacto con él, y él no me representa de ningún modo”
– ¿Cuál es tu relación con Apple?
PAUL: “Es la oficina de una compañía que yo poseo a partes iguales con los otros tres Beatles. No voy allí porque no me gustan las oficinas ni los negocios, especialmente cuando estoy de vacaciones”
– ¿Tienes planes para crear una compañía de producción independiente?
PAUL: “Sí, Producciones McCartney” (En el futuro, MPL, McCartney Producciones Limitadas)
– ¿Cuáles son tus planes ahora? ¿Unas vacaciones? ¿Un musical? ¿Una película? ¿Retirarte?
PAUL: “¡Mi único plan es crecer!”

En medio de toda esta marejada, el 8 de mayo de 1970, se edita el que sería el último disco de los Beatles: “Let It Be”

“LET IT BE”

“Two Of Us” (Lennon-McCartney)
“Dig A Pony” (Lennon-McCartney)
“Across The Universe” (Lennon-McCartney)
“I Me Mine” (Harrison)
“Dig It” (Lennon-McCartney-Starkey-Harrison)
“Let It Be” (Lennon-McCartney)
“Maggie Mae” (trad. arr. Lennon-McCartney-Starkey-Harrison )

“I’ve Got A Feeling” (Lennon-McCartney)
“One After 909” (Lennon-McCartney)
“The Long And Winding Road” (Lennon-McCartney)
“For You Blue” (Harrison)
“Get Back” (Lennon-McCartney)

Producido por Phil Spector.

Desde la misma portada, de aspecto fúnebre y con los Beatles en fotografías separadas, el álbum transmite tristeza y melancolía. Obra de John Kosh con fotos de Ethan A. Russell, el austero diseño en negro de la cubierta contrasta con la alegre y evocadora portada (basada en el primer disco del grupo: “Please Please Me”) que estaba pensada para el malogrado proyecto “Get Back”. “Let It Be” son los restos del proyecto “Get Back”, en palabras de George Martin “era una idea brillante, creo que de Paul. La idea original era grabar un álbum con nuevo material, ensayarlo y tocarlo por primera vez en directo y ante el público, en disco y en película. En otras palabras, grabar un álbum en directo con material nuevo, algo que nadie había hecho nunca… “.

Hagamos un poco de memoria. Como comentamos en el capítulo 13 de este blog, la banda trabajó sobre este proyecto desde el 2 al 30 enero de 1969. No querían artificios ni trucos de estudio, el plan era recuperar la frescura y la espontaneidad de los primeros años alternando canciones nuevas y viejas e incluso versionando algunos clásicos del rock’ n’ roll… Volverían a ser un grupo de dos guitarra, bajo y batería…Volverían al principio… El proyecto llevaría por título Get Back (vuelve), una  vuelta a los orígenes, y el gran final sería una actuación en directo que acabó produciéndose sobre la azotea de las oficinas de Apple. George Martin, su productor de siempre, acabo hastiado del mal ambiente reinante entre los miembros del grupo y abandonó el proyecto, quedando el mismo en manos del ingeniero Glynn Johns. El trabajo de producción, premeditadamente austero, no terminó de convencer al grupo y Lennon decidió darle las cintas al afamado productor Phil Spector para que re-produjera el álbum.

Por delante quede dicho que soy fan de Phil Spector, su trabajo durante la primera mitad de los 60 me parece sobresaliente, pero soy de los que prefieren la austera idea original del proyecto “Get Back” a lo que acabó siendo el por momentos grandilocuente “Let It Be”.  Spector hizo un buen trabajo con algunas canciones pero con otras decidió añadir su mítico muro de sonido a temas como “Across The Universe”, “Let It Be”, “I Me Mine” y “The Long And Winding Road”, y esto implicaba dotar a las canciones de un estilo muy alejado al sonido de la banda. George Martin criticó la decisión: “Pensé que la parte orquestal no era representativa en absoluto. A lo largo de los años habíamos establecido un estilo de música particular y me pareció que lo que había hecho Phil Spector no sólo no era representativo, sino también equivocado… Lo que ocurrió con Let It Be me decepcionó totalmente. En mi opinión en los creditos no debería poner “Producido por Phil Spector”, sino “Sobreproducido por Phil Spector”…, no es nada Beatle”. El más crítico con el trabajo de Spector fue McCartney: “… La mejor versión del álbum Let It Be fue la primera, antes de que nadie la manipulara; las primeras mezclas de Glyn Johns eran fantásticas, aunque muy espartanas; hubiera sido un disco muy avanzado si hubiera salido tal cual. Antes de que lo pulieran, era de los mejores álbumes de los Beatles porque era vanguardista. Me encantaba”.

Por otro lado, Lennon, defendió el trabajo del productor neoyorquino: “Cuando Spector vino trabajó como un cerdo. Siempre había intentado trabajar con nosotros y  al final, le dimos las peores grabaciones del mundo. Logró sacar algo decente de aquello. Hizo una labor buenísima”. Finalmente, entre el 23 de marzo y el 2 de abril de 1970 (tan sólo siete días de trabajo), Spector redujo Let It Be a 12 canciones, introduciendo coros femeninos y arreglos orquestales en algunas de ellas y prescindiendo de la idea original de hacer un disco en el que se escuchase a Los Beatles tocar en directo con la mayor sencillez posible.

El caso es que el disco se abre con una frase de John:” ‘I Dig A Pigmy’, by Charles Hawtrey and the Deaf Aids. Phase one, in wich Doris gets her oats” (“‘Pasión por un pigmeo’, de Charles Dawtrey y Los Sonotones. Fase uno, en la que Doris folla”), e inmediatamente suena “Two Of Us” (enlace), una fabulosa canción acústica de Paul en la que McCartney y Lennon cantan empastando sus voces a la perfección. La canción versa sobre Paul y Linda aunque hay un verso en particular, “You and I have memories, longer than the road that stretches out ahead” (“Tú y yo tenemos recuerdos más largos que el camino que se estrecha entre nosotros”), que parece referirse a la larga y en ese momento dañada relación de amistad entre John y Paul. De cualquier forma es una canción maravillosa en la que, ante la ausencia de bajo (Paul toca la guitarra), George toca una solista de notas bajas. En la película aparece en dos versiones: una de donde sale el corte para el disco, y otra mucho más movida.

El disco continúa con “Dig A Pony” (enlace), fruto de la fusión de dos canciones de John (“Dig A Pony” y “All I Want Is You”). John nunca estuvo satisfecho con esta canción que calificó como “otra de mis porquerías”. Si bien no es una canción brillantísima, la calificación de Lennon no le hace justicia y puede resultar muy disfrutable. La versión que aparece en el disco pertenece al mítico concierto de la azotea, prueba evidente que los Beatles se habían convertido en una banda más que competente en directo.

La mejor contribución de John al álbum llega con la fenomenal “Across The Universe” (enlace), una fantástica y cósmica canción que Lennon compuso en la India y que originalmente estaba destinada al “Álbum Blanco”. La canción fue editada en una versión muy diferente en el álbum benéfico “No One’s Gonna Change My World” editado por la World Wildlife Fun (WWF). Phil Spector redujo el tempo, añadió una gran masa de cuerdas y prescindió de los efectos. El efecto satisfizo mucho a John que, hasta entonces, no había conseguido conseguir una grabación que le terminara de gustar, siendo ésta además una de sus canciones propias favoritas. Queda a juicio del gusto del oyente si esta versión final es mejor que la original mezclada por Glynn Johns, yo no lo creo, pero en cualquier caso es una canción monumental.

Tiempo para George Harrison y su “I Me Mine” (enlace), un tema que gira en torno al problema del ego: “Después de tomar LSD miré a mi alrededor y todo lo que veía tenía que ver con mi ego, ya sabes: ‘mi hoja de papel’, ‘mi ropa’, ‘yo soy’. Me volvió loco porque odiaba todo lo que tenía que ver con mi ego. Supuso un flash sobre todo lo falso y precario que tanto me desagradaba“. La melodía, inspirada en el vals, es fabulosa y George realiza una de sus mejores interpretaciones vocales. Ninguna de las tomas que se grabaron para la película era buena, así que la versión que aparece en el disco tuvo que ser regrabada el 3 de enero de 1970 en Abbey Road, ya sin John, con Paul al piano y haciendo la segunda voz, Ringo a la batería, Billy Preston toco el órgano y George cantó y se ocupó de la guitarra acústica. Phil Spector luego añadió una capa de cuerdas sobre la versión original. Fue la última sesión de grabación de los Beatles.

Dig It” (enlace), es el resultado de una jam session de más de doce minutos entre los Beatles y Billy Preston, de la que Phil Spector rescató apenas 50 segundos. Relleno. Al final de la canción se oye a John diciendo, “That was ‘Can You Dig It’ by George Wood, and now we’d like to play ‘Hark The Angels Come’ (“Esto era ‘Can You Dig It’, de George Wood, y ahora nos gustaría interpretar ‘Hark The Angels Come'”), que sirve de introducción a la enorme “Let It Be” (enlace). Paul, pensando en su madre fallecida, compone una de las más perfectas canciones que jamás se hayan escrito. A diferencia de la versión editada en single dos meses antes, Billy Preston no participa. La parte de la guitarra solista de George también cambia. Spector añadió una pista de acompañamiento orquestal, esta vez mucho más respetuoso con el sonido habitual del grupo. El resultado, como es el caso de la versión del single, es magnífico. No tengo claro cuál de las dos versiones prefiero, sólo sé que es una de las mejores canciones que jamas he escuchado.

Tras el subidón quasi-místico que nos proporciona el baladón de Paúl, los Beatles atacan animosamente una canción tradicional de Liverpool, “Maggie Mae” (enlace). Era una de las canciones que utilizaban, desde los inicios de su carrera, para calentar la voz antes de los conciertos o de las sesiones de grabación. La versión aquí recogida corresponde a una grabación espontánea entre algunas tomas de “Two Of Us”.  Los cuatro Beatles figuran en los créditos como arreglistas.

Nada más abrir la cara B, John y Paul reúnen sus inconmensurables talentos fusionando dos de sus canciones en una. Por un lado, John había compuesto “Everybody had a hard year” y Paul “I’ve Got A Feeling”. La unión de ambas canciones funciona perfectamente en uno de los momentos álgidos del LP, “I’ve Got A Feeling” (enlace). La grabación de “I’ve Got A Feeling” incluida en el álbum corresponde al concierto en la azotea de Apple, siendo una grabación absolutamente en directo y absolutamente brillante como tal. Fantástica de principio a fin.

Otra de las canciones tomadas directamente del concierto de la azotea es el rock de John, “One After 909” (enlace). Una nuevamente brillante interpretación en directo de los de Liverpool de una canción que, aunque nunca llegaron a editar hasta este LP, ya grabaron en 1963. Y llegó la canción de la polémica, “The Long And Winding Road” (enlace), una íntima y extraordinariamente bonita balada de Paul a la que Phil Spector añadió cargadas secciones orquestales y engoladas voces femeninas. Paul entró en cólera en cuanto la escuchó y vio cuánto se alejaba el arreglo de Spector del sonido intimista deseaba – tal y como aparece en la película (enlace) -. Al parecer Paul intentó recuperar la versión original del tema pero su solicitud fue rechazada por Allen Klein. Según Lennon, “tardó demasiado en reclamar sus derechos“. Muchos consideran que este incidente fue la gota que colmó el vaso y decidió a McCartney a abandonar Los Beatles.

Harrison, como era habitual, incluyó dos canciones en el disco. La segunda de ellas es, según su autor, “un simple blues de doce compases que sigue todos los principios del estilo, sólo que es alegre…”. El caso es que “For You Blue” (enlace) es un notable ejercicio de blues en el que destaca la pericia de John con la slide guitar y que sirve para calentar motores antes del gran final: la última canción del último disco que editaron los Beatles: “Get Back” (enlace). La fantástica canción de Paul ya se había editado en 1969 como single, pero esta versión, con la voz más “seca”, resulta más recomendable. Vuelve a ser estupendo el solo de teclado de Billy Preston y destacable la labor a la solista de John (“Cuando Paul se sentía generoso me daba un solo. A lo mejor se sentía culpable porque tenía acaparadas la mayor parte de las caras A o algo así y entonces me daba un solo”). Es una canción fabulosa, una de las preferidas de Ringo, que sin embargo consideraba sólo “una versión mejorada de Lady Madonna compuesta para ganar dinero… Creo que en parte se refiere a Yoko. Cuando dice ‘Get back to where you once belonged’ (‘Regresa al lugar al que perteneciste’). Siempre que Paul cantaba ese verso en el estudio miraba a Yoko”.

A los 15 días de editarse, el 23 de mayo de 1070, el disco llega al número 1 y permaneció 59 semanas en listas. Es un disco raro por su mezcla de sonidos y producciones, pero con momentos brillantísimos. Puede resultar un poco tristón, pero musicalmente raya a gran altura…, ¿cómo podría no hacerlo un disco con “Two Of Us”, “Across The Universe”, “Let It Be”, “The Long And Winding Road” y “Get Back”, hasta cabreados estos chicos eran la hostia.

Cinco días después de que el álbum “Let It Be” estuviera en las tiendas (13 de mayo de 1970) , la película del mismo nombre se estrenaba en Estados Unidos . Una semana después, el día 20 se estrenaba simultáneamente en el London Pavilion de Londres y en el Gaumont Cinema de Liverpool, sin la asistencia de ninguno de los ya “ex-Beatles”. Sí asistieron a la premiere de Londres la ex-novia de Paul, Jane Asher,  la ex-mujer de John, Cynthia Powell, Richard Lester, Mary Hopkin, Spike Milligan, Lulu, Simon Dee, el presidente de EMI Sir Joseph Lockwood y algunos miembros de Rolling Stones y Fleetwood Mac.

La crítica recibió la película sin demasiado entusiasmo. En el Daily Express, Ian Christie escribía: “Es obvio que McCartney es el director de la orquesta y que Yoko Ono no tiene otra intención que la de no separarse más de dos pulgadas de Lennon. Aparte de estos detalles triviales, el film no ofrece mucha más información sobre el grupo”. En Rolling Stone, Michael Goodwin señalaba: “Una de las delicias de una película hecha por un buen director es que puedas verla relajado, sabiendo que quien la dirige tiene todo bajo control. En Let It Be el espectador está haciendo el trabajo que Lindsay-Hogg debería haber hecho. Los planos cortos de la nariz de Paul o de las amígdalas de John están presentes durante toda la película. Debía haber tomado lecciones de Warhol sobre documentales”. Para Patrick Gibbs, del Daily Telegraph: “La escena transcurre en un estudio de grabación o en una sala de ensayos, con aparatos electrónicos, luces y colores. Normalmente los artistas no muestran al público la preparación de sus nuevos trabajos“. Sin embargo, recibio un Oscar a la mejor banda sonora.

Pero los Beatles sólo estaban separados oficiosamente. Realmente sus sociedades comunes les obligaban a estar juntos. Recordemos que, a pesar de la falta de unanimidad dentro del grupo, se firmó un contrato el 8 de mayo de 1969 entre ABKCO (la compañía de Klein) y Apple, ejecutado por Lennon, Harrison y Starkey ya que McCartney nunca firmó el contrato con Klein como represnetante. De hecho, el 19 de abril de 1970, los integrantes del grupo habían firmado un acuerdo de asociación por un periodo de 10 años, con el nombre “The Beatles & Co.” Durante el otoño de 1970, Paul y sus abogados sondearon al resto de beatles y sus entornos para conocer la disposición de éstos para librar a McCartney de sus contratos de sociedad. Al parecer el problema era que disolver las sociedades conllevaría una importante carga impositiva, pero esto no fue razón para que Paul cediese en su empeño: “no quiero que Klein administre mi trabajo. No voy a editar un disco con el que Klein gane dinero”. Paul amenazó a Klein con una demanda, pero no consiguió nada. Si quería ir hasta las últimas consecuencias sólo tenía una salida: el 31 de diciembre de 1970, demandó a los Beatles.

Paul estaba muy asustado con la decisión. Tendría que aguantar los reproches de sus compañeros, las críticas de la prensa y la desaprobación del público que lo vería como el malo de la película. Pero no exsitía ninguna otra forma legal de disolver las sociedades. McCartney tuvo que nombrar como demandados a John, George y Ringo aunque su blanco principal fuera Allen Klein.

Debido a que Paul fue la parte demandante, debió presentar la “carga de pruebas” que justificaran la necesidad de la disolución de las sociedades tal y como solicitaba. El abogado de McCartney, David Hirst,  presentó el caso en en cinco grandes puntos:

  1.  Allen Klein facturaba más dinero en concepto de comisión del que se había  acordado. Probablemente este era su argumento más fuerte. El abogado utilizó como ejemplo el álbum “McCartney”. Klein reclamó una comisión sobre las ventas del álbum aunque estaba claro que nunca fue el representante de McCartney (recordemos que Paul no firrmó con él). Cuando Paul editó su disco en solitario, su representante, John Eastman, escribió a EMI pidiendo que los beneficios dericvados del álbum fueran retenidas y no entregadas a Apple (y por consecuencia, a Klein). El abogado de paul demostró que, una vez que Klein se enteró, dedujo su comisión de los activos de Apple otorgándose a sí mismo 72 mil libras de comisión (por regalías que ni siquiera habían sido entregadas a Apple sino que habían sido retenidas por EMI). Debido a esto, McCartney no había recibido nada por las ventas del disco.
  2. Los demandados habían firmado contratos que afectaban la propiedad de la sociedad sin el conocimiento o consentimiento de McCartney. Está claro que Paul, aunque no quería a Klein, tuvo que aceptarlo por el poder de la mayoría ejercida por George, John y Ringo. Sin embargo, después de la ejecución del contrato que McCartney se negó a firmar, existieron varios acuerdos adicionales entre Apple y Klein de los que Paul no había tenido conocimiento. La Ley de Asociaciones en Inglaterra, vigente en 1970, establecía que una mayoría de socios pueden decidir ciertas cosas y en caso de no haber acuerdo realizar una votación, pero solo después de efectuar una consulta con la totalidad de los socios.
  3. Los Registros Financieros de Apple. Hirst señaló que, una vez Klein asumió el puesto de manager , no había existido nadie a cargo de la contabilidad entre agosto de 1960 y enero de 1970.
  4. El Estado Financiero de Apple. El valor neto de Apple, excluyendo las propiedades, era de 208.000 libras, pero tenían pendiente un pago de impuesto de 341.ooo libras. Para empeorar las cosas, los Beatles, de manera individual, habían tomado dinero de la cuenta de la asociación dejando pagarés en su lugar. Lennon había tomado 76.000 libras, Starr 68.000, Harrison 20.000 y McCartney 18.ooo.
  5. Objeciones a la Capacidad de Klein como Manager. Además de volver a repetir el asunto de las comisiones excesivas y sus problemas con la contabilidad, Hirst quería demostrar la incapacidad  de Klein como manager, señalando, entre otras cosas, que éste tenía problemas legales en Nueva York, incluyendo una condena criminal.
Hirst acabó encaminando su alegato final hacia el resto del grupo y señaló que la relación artística entre las partes se había roto y que no parecía que pudiese enmendarse. Utilizó como ejemplos  la polémica con el lanzamiento del álbum “McCartney” y los cambios en  “The Long and Winding Road”. Hirst calificó esto como “tratos injustos entre los socios” y alegó que la aceptación de tal situación sería suficiente para que la corte disolviera la asociación.

El juicio tuvo lugar los días 1 y 2 de marzo de 1971 y el lunes 26 de abril, tras sentencia del juez,  John, Ringo y George se vieron obligados a ceder ante la demanda presentada por Paul para disolver legalmente los negocios comunes de Los Beatles. La pérdida del juicio, en primera instancia, les obligó a desembolsar 240 mil dólares en concepto de costas.

El sueño había terminado, los Beatles eran historia

El relaciones públicas de Apple, Derek Taylor, escribió la nota de prensa tras la separación de The Beatles: “Llegó la primavera y el Leeds juega con el Chester mañana…, y Ringo, John, George y Paul están vivos, bien y viviendo en paz. El mundo aún está girando, nosotros también y ustedes también. Cuando la rotación se detenga, será el tiempo para preocuparse. No antes”.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn. 16 de marzo de 2013

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