Paul McCartney (The Fireman): “Electric Arguments” (2008). (7/10)

Nothing Too Much Just Outta Sight (McCartney)
Two Magpies (McCartney)
Sing the Changes (McCartney)
Travelling Light (McCartney)
Highway (McCartney)
Light From Your Lighthouse (McCartney)
Sun is Shining (McCartney)
Dance Til We’re High (McCartney)
Lifelong Passion (McCartney)
Is This Love (McCartney)
Lovers In a Dream (McCartney)
Universal Here, Everlasting Now (McCartney)
Don’t Stop Running  (McCartney)

Bonus Track: Road Trip (McCartney)

En 1993, Paul McCartney y el ex-bajista de Killing Joke  y ahora productor Martin Glover -conocido artísticamente como Youth-, decidieron crear el proyecto The Fireman o, lo que es lo mismo, una especie de banda virtual de música electrónica. Ninguno de ellos utilizaría su nombre en los dos primeros álbumes de la banda “Strawberries Oceans Ships Forest” (1993) y “Rushes” (1998), absolutamente instrumentales y de carácter eminentemente experimental. Ambos obtuvieron excelentes críticas.

No obstante, para su tercer trabajo querían hacer algo diferente. McCartney y Youth llegaron al estudio sin planes específicos y sólo tenían una cosa clara: esta vez el bombero cantaría. Pronto decidieron que era momento de dejar las pesadas cadencias electrónicas y ondas “ambient dance” para adaptarse más a un estilo más clásico y mucho más cercanos al rock y el disco se fue “haciendo en el estudio, llegué sin una sola canción escrita y las canciones fueron surgiendo…, fue como caminar en una cuerda floja: emocionante y aterrador a la vez”, según declaró el ex-Beatle.

De esta forma, Paul acabó componiendo en el estudio trece canciones que se grabaron en otros trece días y en los que la labor  de su compañero Youth como productor fue fundamental. El resultado es un disco desinhibido, sin clichés y en el que se respira un absoluto aire de libertad a la hora de crear. Son canciones razonablemente sencillas en su concepción, muy frescas y que la diestra mano de Youth tras la mesa de mezclas convierte en un interesantísimo collage sonoro a medio camino entre el pop, el rock la psicodelia  y  la electrónica.

Asumiendo que ya era absurdo ocultar sus identidades una vez que, tras dos álbumes editados, todo el mundo sabía que detrás de The Fireman se escondían McCartney y Youth, ambos músicos decidieron que, por primera vez, sus nombres aparecieran en la portada del álbum (pintada por el propio Paul) cuando éste se editó en noviembre de 2008. Electric Arguments, se distribuyó a través de pequeños sellos independientes y debutó en el puesto 79 en las listas británicas y en el 67 en la americana. Por su parte la crítica se deshizo en elogios. La BBC calificó el álbum  como “brillante”, Uncut  lo nombró “álbum del mes”, el Daily Telegraph habló de “un placer puramente escuchable con un gran sentido de la espontaneidad y de la imaginación musical”, The Times definió su sonido como: “algo genial, como si Arcade Fire conociera a Led Zeppelín” y Rolling Stone destacó que era “La música más cerebral de un exBeatle en años”.

El disco se abre con la monumental “Nothing Too Much Just Out of Sight“, o como algún crítico publicó, “lo más cercano a Helter Skelter que Macca ha escrito”. Un potentísimo tema de raigambre ledzeppeliana en el que McCartney se desgañita con maestría en torno a un muy buen riff. Una fantástica concesión al rock y una clara declaración de intenciones: digamos adiós al antiguo sonido de The Fireman.

Pero, como es una constante en este álbum, los cambios de tercio son absolutamente radical y si “Two Magpies” nos introduce en un folk minimalista en la mejor tradición mccartiana merced a ese magistral uso del fingerpicking que alumbró obras maestras como “Blackbird” o la más reciente “Jenny Wren”, “Sing The Changes” nos regala el mejor pop de estadio con sonoridades cercanas U2. Dos excelentes canciones que despejan cualquier duda acerca del álbum.

El siguiente corte “Travelling Light“, es muy ambiental y resulta muy evocadora. El inusualmente grave tono de la voz de McCartney y la cadencia del tema transmiten una sensación de paz que se ve absolutamente enturbiada por la sensacional “Highway“, otro muy buen rock de riff acompañado de un pegadizo estribillo. No hubiera desentonado como single.

La optimista “Light From Your Lighthouse” es un fantástico folk en el que un McCartney, de nuevo en tesituras graves, muestra un contagiosos optimismo. Un tema francamente interesante y que, a pesar de su clasicismo en la base tde algunas composiciones de su compañero George Harrison.  Más plana aunque muy agradable resulta “Sun Is Shining“. Paul declaró que, para conseguir que las canciones de este disco fueran frescas e inmediatas, quiso que su estructura contuviera los mínimos acordes posibles y, aunque en la mayoría del álbum la fórmula funciona, algunos temas como éste parecen necesitar un poco más de desarrollo. Eso sí, gran línea de bajo.

Dance Til We’re High” es una especie de villancico philspectoriano con un gran estribillo. Es una lástima que las estrofas no estén al excelso nivel del coro, podría haber sido una canción mucho más grande de lo que es. Una nueva demostración de la aparentemente inagotable capacidad de McCartney para crear grandes melodías.

A partir de aquí, el álbum se torna notablemente más atmosférico, empezando por la psicodélica “Lifelong Passion“, de notable influencia harrisoniana, o la densa y tediosa “Is This Love“. El disco pierde varios enteros en estas últimas canciones y, ni la electrónica “Lovers In a Dream” -la canción que más recuerda al antiguo sonido de The Fireman- ni la quasi-instrumental y muy experimental “Universal Here, Everlasting Now“, consiguen que levante el vuelo.  Afortunadamente la lisérgica “Don’t Stop Running” cierra el disco con un muy buen sabor de boca merced a sus atmósferas y cambios rítmicos. Como regalo final, el álbum incluye un bonus track meramente experimental bajo el título de “Road Trip“, poniendo la guinda a un muy buen álbum, tan meritorio como sorprendente. Otro notable para Macca.

VALORACIÓN GUILLETEK: 7/10

 

The Beatles. Capítulo 23 (2004-2009). Del Circo del Sol a la Gran Remasterización.

El 26 junio de 2004, Paul y su banda cerraron el prestigioso festival de Glastonbury, consiguiendo un absoluto éxito de crítica y público. Fue uno e esos momentos que, sin saber por qué, hacen que algo cambie. Las críticas (BBC, NME, Melody Maker etc. ) fueron absolutamente elogiosas: “McCartney da una lección”, “Parece que los Gallaguer tienen mucho que aprender de este abuelete de 62 años”. Una nueva generación de jóvenes impúberes alucina en colores con el desparrame de energía y calidad musical que llega desde el escenario, sólo hay que echarle un ojo a este “Helter Skelter” para comprobarlo. McCartney gozó de un gran prestigio en los 70, tras la separación de los Beatles, que perdió en los 80 y que empezó a recuperar desde mediados de los 90. En 2004 ya había recuperado definitivamente su sitio, y sabedor de ello, se disponía a grabar un álbum que lo confirmara.

Entretanto, en septiembre de 2004 y a instancias de Yoko, se edita “Acoustic. El álbum es una colección de grabaciones caseras, de estudio o en directo interpretadas por John sin más ayuda que su guitarra acústica. Como todo lo que ha salido de los archivos del inconmensurable talento de John, no está exento de calidad, pero este disco no mantiene el nivel y la crítica fue durísima tratándolo de “chaladura oportunista“. Como disco pirata hubiera sido válido, como lanzamiento comercial, no. El problema es que, salvo “Working Class Hero” (extraída del “Sometimes in NYC”) y las versiones acústicas en directo de “Luck of the irish”, “John Sinclair” e “Imagine”, lo demás son maquetas de John es su casa, con su grabador y su guitarra. Es música de estar por casa, con una interpretación instrumental y vocal muy floja.  En cualquier caso hay buenos momentos, como la bonita versión alternativa de “Dear Yoko“, pero se ven superados por momentos momentos anodinos o directamente mediocres (“Cold Turkey“).  Flaco favor se hace a la memoria de Lennon engordando su discografía con trabajos de este tipo. Alcanzó un puesto 31 en listas

Mientras seguía preparando su nuevo álbum de estudio, Paul colaboró con el DJ Hellraiser (que fue quien preparó la música que amenizaba el espectáculo previo a los conciertos de Macca durante la gira de 2004) en la edición de “Twin Freaks” en junio de 2005. Se trata de un disco de remezclas de canciones de Paul que no deja de ser una mera curiosidad, aunque fue bien acogido por la crítica y “Really Love You” se editó como single de 12″ con cierto predicamento dentro de la escena electrónica.

En el mismo mes de junio, Ringo edita “Choose Love“, un nuevo disco de estudio con el que el batería vuelve a recibir buenas reseñas en medios musicales y que, de nuevo, vuelve a fracasar comercialmente a pesar de tener temas muy valorables como la homónima “Choose Love” (con múltiples referencias a los Beatles), “Oh My Lord” o “Don’t Hung Up” (con la Pretender Chrissie Hynde).

No obstante, lo más reseñable de este 2005, llegaría en septiembre con la edición de “Chaos and Creation in the Backyard” (enlace a crítica en Guilletek’s), el mejor álbum del Paul McCartney post-Wings junto a los fabulosos “Tug Of War” y “Flaming Pie”. Para este disco, Paul prescinde de su banda y se propone grabar todos los instrumentos y hacer todas las voces, tal y como hieciera en 1970 con “McCartney I” y en 1980 con “McCartney II”. De hecho, en muchos sentidos, este disco podría haber sido un “McCartney III”.

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Paul reclutó para este disco al que fuera productor de Beck, Radiohead y Travis, Nigel Godrich y el resultado es excelso en cuanto a atmósfera y ambientes. Godrich tuvo los arrestos de criticar abiertamente el trabajo de Paul, no sin cierta dosis de miedo (“mi primera reacción fue de terror, no sólo porque era una persona muy importante a la que le estaba diciendo “oye, esto no me gusta”, sino también porque no estaba seguro de si él estaba dispuesto a trabajar con estas sucias manos”).

Las críticas fueron muy elogiosas de forma unánime y hablaron de “el mejor disco de McCartney en solitario”, “un renacer creativo del ex-Beatle” y recibió varias nominaciones a los Grammy, entre ellas la de mejor álbum. Es, en definitiva, un fabuloso álbum al que sólo se le puede achacar la falta de algún tema más rockero que corte la tendencia piano-acústica que sigue durante todo el disco. Temas como el single  “Fine Line“, la oscura “At The Mercy“, la excelsa “Jenny Wrenn” (“hija de “Blackbird” en palabras del propio Paul), el fabuloso pop de “Friends To Go” (dedicada a George Harrison) y  “Too Much Rain“, las beateleras “English Tea” y “Promise To You Girl“, la delicadeza de “A Certain Softness” o la genialidad romántica de “This Never Happened Before“, dejan a las claras que el McCartney del siglo XXI tiene mucho que decir a pesar de su ya avanzada edad. Un disco imprescindible que devolvió a McCartney a la senda del éxito (número 6 en USA y UK)

El éxito del álbum fue, además, una excelente excusa para que, en  septiembre de 2005 , Paul y su banda comenzaran una nueva gira americana: The US TOUR. Treinta y siete conciertos en dos meses y 60.000.000 de dólares de recaudación. A su repertorio habitual, McCartney añadió temas de su nuevo disco (“Fine Line“, “Jenny Wrenn“, “Follow Me” y “English Tea“), temas de su carrera en solitario que jamás había tocado en directo como “Too Many People” y nuevas perlas del repertorio de los Beatles que no había interpretado nunca en directo en solitario (“I’ll Get You“, “I Will“, “Till There Was You“, “For No One“, “Fixing a Hole“, “Please Please Me“).

En octubre de este 2005, se edita un nuevo recopilatorio de la carrera en solitario de John Lennon: “Working Class Hero: The Definitive Lennon“, una estupenda compilación de 2 cd’s que fue editada el día en que John hubiera compuesto 65 años y que posiblemente sea la más completa que se haya editado. Muchas de las canciones fueron remezcladas y remasterizadas para la ocasión mejorando sensiblemente su sonido. El disco obtuvo éxito comercial en Inglaterra (número 11) y fue un rotundo fracaso en Estados Unidos (135).

El matrimonio de Paul y Heather, a pesar de tener sólo 4 años de antigüedad y de haber tenido como resultado el nacimiento de la cuarta hija biológica de Paul -Beatrice-, no funcionaba. Mills y McCartney se separaron oficialmente en mayo de 2006, con un comunicado en el que ambos señalaban que la separación transcurriría de forma “amistosa”. Al mismo tiempo, se lamentaron de que no haya sido respetada su intimidad. “Cada vez nos resultó más difícil llevar adelante una relación normal cuando constantemente se estaba interfiriendo en nuestra vida privada. Para toda pareja una separación ya es lo suficientemente difícil. Pero para aquella que debe pasar por esto en público, con una hija pequeña, supone un enorme estrés”. Sin embargo, al poco tiempo, Heather comenzó a conceder entrevistas a los medios del corazón afirmando ser una víctima de Stela,  “la celosa y malvada hija de Paul que quiso separarnos”, que “Paul a menudo se emborrachaba y fuma muchos porros”, e incluso acusó a McCartney de maltrato físico y psicológico.

Pero Mills no midió con quien se estaba metiendo. Macca era, es y será una institución casi sagrada en Gran Bretaña, “el beatle-Paul”… Mills comenzó a recibir duras críticas “prostituta”, “busca fortunas”, “bruja”, “ladrona”, entre otras lindezas. Se avecinaba un divorcio movido…

Pero volvamos al tema, los Beatles estaban de actualidad en julio de 2006. En esta ocasión se trataba del estreno de un espectáculo del Circo del Sol con la música de los Beatles como tema principal: “Love”. El proyecto nace de la amistad de George con el fundador del circo canadiense, Guy Laliberte. Harrison, antes de morir, acordó con el resto de Los Beatles y  Yoko Ono, la posibilidad de montar un show que tuviera como banda sonora la música del grupo y como protagonistas principales a los personajes de las canciones. Apple y El Circo del Sol

Para realizar la banda sonora -fundamental para el espectáculo-, Apple y el Circo del Sol  contrataron a George Martin y su hijo Giles para que hicieran las mezclas del álbum. Y es que la banda sonora debería componerse  de forma que cada tema sería mezclado incorporando partes de otros temas en busca de ambientes o atmósferas especiales. Los Martin trabajaron casi dos años en el proyecto…, pero el resultado mereció la pena.

Paul, Ringo y su esposa Bárbara, y las viudas de George y John -Olivia y Yoko- acudieron a la premiere del espectáculo en Las Vegas. Tampoco la primera esposa de Lennon, Cynthia,  su hijo Julian, y el hijo de George -Dhani-, quisieron perdérselo.

Fue todo un éxito. Al finalizar la obra, McCartney subió al escenario y gritó “¡Esto va por John y George!”. Ringo, por su parte, dijo: “fue emotivo porque dos de nosotros no estaban aquí”. El show, cargado de acrobacias extremas, complicados trajes y efectos especiales, recibió buenas críticas. El diario británico “Daily Telegraph” calificó “Love” como un espectáculo “casi indecorosamente espectacular y muy emocionante”, mientras que el “Toronto Star” afirmó que se trataba de “el hasta ahora mejor show del Cirque du Soleil. Es inolvidable“. Hoy en día sigue representándose

Intentando abstraerse de todo el follón mediático de su separación, Paul se pone a trabajar en su nuevo trabajo de música clásica, “Ecce Cor Meum” que habría de editarse en septiembre de 2006. McCartney vuelve al formato de oratorio en este ya su cuarto álbum clásico y obtiene críticas muy favorables y un segundo puesto en la lista de discos de música clásica, como muestra podéis escuchar su angelical segundo movimiento “Gratia“.

El mismo mes en el que se editó “Ecce Cor Meum”, se estrena el documental “The U.S. vs. John Lennon sobre los problemas de John con la Administración Nixon a causa de su activismo político-pacifista. La película cómo la Casa Blanca usó la amenaza de deportación para tener controlado al incómodo Lennon e ilustra cómo escuchaban sus conversaciones por teléfono y era vigilado noche y día. Muy interesante y extremadamente inquietante, a partes iguales.

El documental se acompaño con la edición de un CD a modo de banda sonora que contenía las canciones de mensaje más polémico de la carrera de John.  A pesar de ser, sin duda, el menos comercial de todos los recopilatorios que se han editado sobre la trayectoria de John, obtuvo un notable puesto 19 en listas.

En noviembre  se edita la banda sonora del espectáculo de los Beatles y el Circo del Sol, “Love“, que se había estrenado en el verano de este mismo 2006. George Martín y su hijo mezclaron las canciones utilizando las cintas máster originales en colaboración con el Cirque du Soleil. “Tomamos todas las cintas originales del catálogo de The Beatles. Las de cuatro pistas, de ocho pistas y de dos pistas y utilizamos esta gama de sonidos y de la música para crear una base sonora. Es una nueva experiencia, un nuevo modo de volver a vivir a Los Beatles”.

Realmente nunca se pensó que “Love” acabara siendo un disco. En realidad, los Martin se dedicaron a “jugar” con canciones y fragmentos de éstas intentando (y logrando) crear sugerentes ambientes sonoros-beatle.  El resultado satisfizo tanto a los productores como a McCartney, Ringo y las viudas de George y John. Estaba claro que de ahí tenía que salir un disco, “La música fue originalmente diseñada para el show ‘Love’ en Las Vegas. Pero al hacer esto hemos creado un nuevo álbum de The Beatles“, dijo Martin. “The Beatles siempre buscaron otros modos de expresión de ellos mismos y esto es otro paso adelante”, señaló.

El disco arranca con “Because“, versión “a capella” (con el sugerente acompañamiento de unos lejanos trinos de aves) de la que posiblemente sea la mejor interpretación vocal de los de Liverpool cantando a voces. Desnuda y encantadora. De repente el acorde inicial de “A Hard Day’s Night” da paso al solo de batería (y parte del solo de guitarra) de “Carry That Weight” e introduce una mejoradísima versión (a nivel de sonido) de “Get Back / Glass Onion“, fusión de ambas canciones (con toques de “Hello Goodbye”) a modo de puente para llegar a una excelsa versión de “Eleanor Rigby” que, básicamente, cambia el orden de estrofas y estribillos y se funde en una limpísima y breve versión de “Julia”.

Las versiones de “I Am The Walrus” y  “I Want To Hold Your Hand” son menos sorprendentes sino fuera por el inmejorable sonido, en especial, de la segunda. Las verdaderas sorpresas llegan con “Drive My Car” / “The Word” / “What You’re Doing” que se funde con una naturalidad absoluta -y con el solo de “Taxman” por en medio- con “What You’re Doing” para desembocar en “The Word”. Simplemente acojonante.

Gnik Nus“, es, como su propio nombre indica, “Sun King” al revés apoyada sobre los sitares de “Getting Better” y sirve de entrada a una sobrecogedora “Something” que descansa sobre un discreto fondo orquestal hasta fundirse con un fragmento de “Blue Jay Way” con elementos de “Nowhere Man”. Con “Being for the Benefit of Mr. Kite!” / “I Want You (She`s So Heavy)” / “Helter Skelter” llegamos a otro momentazo, el clásico de Sgt Pepper’s se funde con “I Want You” y los gritos de McCartney en “Helter Skelter”.

“Help!”, suena simplemente perfecta y abre el debate de si sería un crimen o no remezclar de nuevo las cintas originales en lugar de sólo remasterizarlas; yo abogo por lo primero tras escuchar este disco. “Blackbird” / “Yesterday“, fusiona la intro de la canción de 1968 con el clásico de los clásicos beatle a la que Martin retoca brevemente el arreglo de cuerda. Mucho más curiosa resulta “Strawberry Fields Forever” y como describe la evolución de uno de los grandes clásicos de la historia. Pasa del encanto acústico de la “Toma 1” original, se funde con la mítica (para fans) “Toma 7” (la de los coros) para acabar llegando a la versión definitiva que todos conocemos y que suena mejor que nunca. Luego se introducen nada más y nada menos que las trompetas de “Sgt pepper’s”, el solo de trompeta de “Penny Lane”, el de clavicordio de “Piggies”, el de “In my life” y el final de “Hello Goodbye”. Casi nada…

Within You Without You“, nos ofrece el tema hindú de George con la batería e introducción de “Tomorrow Never Knows”, mientras en la remezcla de “Lucy In The Sky With Diamonds” vemos como se introduce el misterioso instrumento hindú que aparecía en “Baby You’re a Richman” en el estribillo. Algunos platos al revés y diversos efectos dan fin a la canción. En “Octopus’ Garden” los primeros versos cuajan con el fondo musical de “Goodnight”, luego, el clásico de Ringo suena brillantísimo. Acaba con el elegante instrumental introductorio de Sun King.

Lady Madonna” arranca con la entrada de batería de “Why Don’t We Do It In The Road” da paso al solo de saxo de “Lady Madonna” y de ahí, arranca la canción como la conocemos (pero con qué sonido). Al llegar al solo aparece una siniestra “Hey Bulldog” mezclada con el órgano de Billy Preston en “I Want You (She’s So Heavy)” y el punteo de Clapton en “While My Guitar Gently Weeps”. Brillante, como “Here Comes the Sun” / “The Inner Light“, a George le hubiera encantado, “Here Comes The Sun” con la percusión “a la hindú” de “Within You Without You” para que al final  aparezca un fragmento la hipnótica “The Inner Light” con los coros de “Oh Darling” de fondo.

Come Together” / “Dear Prudence” / “Cry Baby Cry” es otra genialidad. El clásico de Lennon se funde con pasmosa facilidad con el instrumental final de “Dear Prudence” y desemboca en un fragmento de “Cry Baby Cry”, previo paso por la misteriosa e inacabada “Can You Take Me Back” de Macca. Menos sorprendentes son las estándares versiones de “Revolution” y “Back In The USSR” aunque su extraordinario sonido deja a las claras que estos muchachos merecen una “remezclaremasterización” de su catálogo.

Dos de los momentos cumbres llegna con “While My Guitar Gently Weeps“, en la que George Martin escribe un nuevo arreglo de cuerdas para la maqueta original que George grabó en su casa, y “A Day In The Life“, que empieza con la toma 1 de la canción, luego se funde con la original pero la voz de Lennon sigue siendo la de esta primera toma.

Llegamos a la traca final arrancando con “Hey Jude“. La mejor canción de todos los tiempos suena brillante. Reduce la duración original y adelanta los clásicos “Na na na na… Hey Jude”. Deja una parte con voz, bajo y batería, muy propia para un concierto que nunca tendrá lugar. El final comienza a introducir “Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)“, que suena simplemente brutal, y acabamos con el himno “All You Need Is Love“, el colofón a la fiesta. El final incorpora “Baby You’re A Richman”, “Rain”, “Sgt.Pepper’s”, “Goodnight”…

“Love”, el disco, recibió las máximas calificaciones en todos los medio críticos, ganó un Grammy y tuvo un enorme éxito (4 USA, 3 UK y número 1 en una decena de países alrededor del mundo). Lo habían vuelto a hacer.

También en noviembre de 2006, Paul edita su nuevo DVD en directo “The Space Within Us”, recogiendo los mejores momentos de su última gira americana. A nivel de factura cinematográfica y de sonido, es el mejor DVD de McCartney. Lástima que la voz del Sir, a sus entonces 64 años, ya no alcance el nivel de sus años mozos. Con todo es una compra muy recomendable, merced a interpretaciones como “Got To Get You Into My Life“, “Too Many People” / “She Came in Through the Bathroom Window” o “Helter Skelter“. No obstante, el momento cumbre del DVD -y la razón de su título-  es la conexión en directo que Paul realizó durante su concierto en Anaheim, California, con la Estación Espacial Internacional y durante la cual interpretó “Good Day Sunshine” y “English Tea” para los astronautas Valeri Tokarev y Bill McArthur.

En medio de el torbellino mediático que seguían suponiendo los pormenores de su separación, Paul rompe con su discográfica de toda la vida EMI “cansado de que pudieran tantas trabas a todo y fueran tan lentos” para fichar por el nuevo sellos discográfico Hear Music -propiedad de la cadena Starbucks- en donde, en junio de 2007, lanza su nuevo disco: “Memory Almost Full” (enlace a review en Guilletek’s).

El propio Paul recuerda sobre este álbum, “Comencé las canciones de este disco antes de “Chaos and Creation in the Backyard”. Cuando estaba finalizando todo lo relacionado con Chaos, me di cuenta de que tenía este álbum sobre el que volver. De modo que lo escuché de nuevo, preguntándome si lo disfrutaría, todo lo que hice fue escuchar un par de cosas y luego comencé a pensar: “Bien, me gusta ese tema, ¿qué hay de malo en él?”, así que decidí acabarlo”. La crítica le otorgó altísimas calificaciones situándolo a la par de “Flaming Pie” (1997) y el reciente “Chaos” (2005). El público también respondió, elevando el disco al número 3 en USA y al 5 en UK.

Es un muy buen álbum que, aunque para mí no llega al nivel de “Chaos” o “Flaming Pie”, demuestra que Paul tiene aún cosas que decir. McCartney vuelve a tocar y cantar todo y hay un puñado de canciones de gran nivel como los singles “Dance Tonight” y “Ever Present Past“, “See Your Sunshine“, “Only Mama Knows“, la preciosista “You Tell Me“, “Vintage Clothes“, el excelente rock de “That Was Me“, “House Of Wax“…, además tenemos dos muy buenas canciones con “mensaje” a Heather: la brillante “Mr. Bellamy” y la soulera “Gratitude“. Buen disco de Paul.

Un par de meses después, en  agosto de 2007, Ringo lanza su recopilatorio “Photograph: The Very Best of Ringo“, sin duda, el recopilatorio definitivo de la carrera en solitario de Ringo Starr y un disco muy recomendable que el baterista edita en su vuelta a la discográfica EMI/Capitol. Todas las mejores canciones de Ringo entre 1970 y 2007 están en este disco que alcanzó un meritorio puesto 26, su mejor resultado en años.

En septiembre de 2007 se estrena la película “Across the Universe“, un musical dirigido por Julie Taymor, Algunas estrellas como Bono (Dr. Robert), Eddie Izzard (Sr. Kite), Joe Cocker o  Salma Hayek, participan  en esta historia en la que Jude (Jim Sturgess), un joven trabajador, deja Liverpool para buscar a su padre en Estados Unidos. Allí, Jude conoce a múltiples personajes del movimiento anti-bélico que sirven de prefecto trasfondo a las más de 30 versiones de temas de los Beatles que componen la banda sonora.

En noviembre del mismo año, Paul edita “The McCartney Years” un triple DVD con vídeos musicales, interpretaciones en directo y material inédito de su carrera en solitario de Paul McCartney entre 1970 y 2005. Los primeros dos discos contienen videos promocionales, desde “Maybe I’m Amazed”, de 1970, hasta “Fine Line”, de 2005.  El tercer y último disco incluye siete canciones del largometraje de 1980 Rockshow, interpretadas durante su etapa con Wings, una nueva edición de la aparición de McCartney en MTV Unplugged y once temas del concierto ofrecido por McCartney en el Festival de Glastonbury en 2004, como parte de su gira ’04 Summer Tour.

La actividad de Ringo continuó con la edición, en enero de 2008, de su nuevo álbum de estudio, “Liverpool 8“. Producido por el habitual productor de Ringo  Mark Hudson y el Eurythmic Dave Stewart, el CD es más de lo mismo: nostalgia inofensiva, producción y ejecución musical impecables y, seamos claros, mucha mediocridad. La primera vez que escuchas el disco resulta agradable y canciones como “Liverpool 8” hacen asomar una sonrisa a tu cara, pero conforme el disco termina, es probable que no recuerdes una sola canción. Ringo lleva varios años repitiendo fórmula y comienza a estar agotada

En marzo de 2008, se resolvió finalmente el divorcio de Paul y Heather. Fue un proceso muy mediático, seguido tanto por la prensa “seria” como por la prensa rosa británcia. En un principio ella pidió 125.000.000 de libras ante los 16.000.000 que ofrecía el abogado de McCartney. En la sentencia el juez Hugh Bennett calificó los testimonios de Mills como “faltos de realidad, inconsistentes, inexactos y poco menos que cándidos”. La modelo, que decidió representarse a sí misma durante los seis días que duró el juicio, fue calificada en dicha sentencia como “la peor enemiga de sí misma, con un carácter voluble y explosivo”, en oposición, el juez calificó a McCartney como una persona “consistente, exacta y honesta”. Finalmente se resolvió con 24.300.000 de libras más una paga de 35.000 libras anuales para los cuidados y educación de la hija de ambos, Beatrice. Paul declaró:  “Se acabó, ya no más caos, ya no más Heather…, tendré paz al fin. Heather fue un error, pero siempre hay un lado positivo, me ha dado una hija maravillosa”.

A pesar de la turbulencia del divorcio con Heather, la vida sentimental de McCartney gozaba de buena salud, puesto que, desde hacía aproximadamente un año (principios de 2007) había comenzado una relación con la empresaria norteamericana Nancy Shevell, a la que ya conocía puesto que era una de las mejores amigas de Linda

Cerrado el capítulo Mills, McCartney, llamó a su otra “mitad electrónica” para editar, en noviembre de 2008, el tercer trabajo del proyecto The Fireman, “Electric Arguments” (enlace a review en Guilletek’s). Por primera vez los nombres de McCartney y Youth aparecen en la portada y su trabajo tiene una orientación más comercial que experimental. De hecho, es el primer disco del Bombero en el que encontramos voces (de Paul, claro) en unas canciones que McCartney escribió en su totalidad y Youth arregló de forma contemporánea. La crítica recogió el álbum con alborozo, BBC Radio, calificó el álbum de “brillante”, Uncut lo nombró disco del mes y habló de “una asombrosa colección de aventuras eternas que toca los mejores aspectos del sonido actual”, el Daily Telegraph definió el álbum como “un placer puramente escuchable con un gran sentido de la espontaneidad y de la imaginación musical”. Recibió un mínimo de 4 estrellas sobre cinco en la mayoría de las publicaciones musicales y es que “Electric Arguments” es tan bueno como sorprendente. “Nothing Too Much Just Out of Sight“, la brillante “Two Magpies“, “Travelling Light“, el single “Sing The Changes“, la tremenda “Highway“. Un disco soberbio.

El 4 de abril de 2009, Paul acudió como invitado al festival benéfico “Change Begins Within”, organizado por el cineasta David Lynch (enlace al show) en Nueva York. Paul arrancó su set  tocando “Drive My Car”, a la que sucedieron “Jet”, “Got To Get You Into My Life”, “Let It Be”, dedicó “Here Today” a John Lennon, atacó “Band On The Run” y entonces llegó el momento y Paul dijo “en este momento me gustaría presentaros a alguien que seguro conocéis: ¡¡Billy Shears!!”. Ringo subió al escenario y cantó “With a Little Help from My Friends” en un momento absolutamente histórico. El público respondió con una larga ovación, pero no había terminado, Ringo cogió las baquetas y tocó junto a Paul “Cosmically Conscious” y “I Saw Her Standing There” como fin de fiesta.

Pocos meses después, Ringo y Paul volvieron a coincidir  en un escenario en junio de 2009, durante la celebración del E3, el más importante festival de entretenimiento electrónico del mundo. Starr y McCartney acudieron invitados, junto a Yoko y Olivia Harrison, para promocionar el videojuego The Beatles: Rock Band. El juego en sí es un interesante producto beatle, no sólo por las excelentes cinemáticas con el grupo como protagonista (sobre todo la de apertura y la que aparece al final del juego), ni por las excelentes recreaciones de los músicos, ni siquiera por ser un juego extremadamente divertido…, sino por el excelente trabajo de remezcla y remasterización que realizó Giles Martin. Excelentes remezclas  y gran juego.

También en junio se edita “Let It Roll: Songs by George Harrison“, un estupendo recopilatorio de la carrera de Harrison como solista y aunque, como siempre cuando hablamos de los grandes, se echan de menos algunas canciones, es sin duda el mejor recopilatorio de George. Alcanzó un puesto número 4 en listas.

El inagotable Paul vuelve a la carretera en julio de 2009 con una gira de 10 fechas por Norteamérica.

Pero la gran noticia Beatle de la primera década del siglo XXI llegaría el 9 del 9 del 9, el nueve de septiembre del año 2009: la remasterización de toda la discografía de los Beatles. Desde la grabación de los discos, la única revisión de la discografía del grupo se produjo en ¡¡1987!!

Los Beatles suenan como nunca en esta nueva remasterización en la que cada disco se acompaña de un pequeño documental sobre la grabación del álbum en cuestión. Se reeditan los 13 discos del grupo (usando la versión americana de “Magical Mystery Tour”), más la recopilación de singles que no aparecían en ningún LP “Past Masters”.

Editados en una caja con todo lujo de detalles, los CD’s intentan replicar el formato de los vinilos originales y se publican en dos formatos: estéreo y mono. Especialmente interesante resulta la versión mono de la discografía que es, no lo olvidemos, tal y como los Beatles concebían su música hasta “Abbey Road”, al punto que John Lennon llegó a decir “no has escuchado Sgt. Pepper’s si no lo has hecho en mono”…, y algo -o mucho- hay de cierto en ello. Especialmente en la etapa 1963-1967, el grupo suena mucho más potente y compacto en las versiones mono que en las estéreo.

Pero hay muchas más diferencias que la mera distribución del sonido, la diferencia técnica, a grandes rasgos entre mono y estéreo es que mientras el sistema mono utiliza un solo canal de información el estéreo utiliza dos, el izquierdo y el derecho. Que algo suene por dos altavoces  hace que lo que suene sea estéreo, para serlo cada canal debe tener información-sonidos distintos.

En el caso de los Beatles, tenemos que, a diferencia de lo que pasa hoy en día, en que el estéreo es lo habitual (y se hace compatible con equipos mono -TV, Radio FM etc.), en su época el estándar era el mono y el estéreo era un artículo de lujo que sólo tenía predicamento en Estados Unidos. La mezcla estéreo es hacía por cumplir con Capitol USA sin poner demasiado empeño en el asunto, el mismo George Martin confesaba poco interés por ellas. A este respecto, el ingeniero de sonido Geoff Emerick dijo, “las mezclas mono eran la prioridad número uno, al estéreo le costó establecerse en Inglaterra. La mejor copia de Sgt. Pepper es la versión mono porque nos pasamos tres semanas mezclándola y la versión estéreo fue mezclada en dos días y medio. Nadie se da cuenta de que todo el esfuerzo se ponía en la mezcla mono porque nunca monitoreábamos en estéreo. Todo salía por un altavoz. Así era que lo escuchábamos”. A esto tenemos que sumarle que las sesiones de las versiones mono y estéreo se hacían con lapsos de varios meses entre ambas y la ausencia de informatización… Las diferencias entre mezclas eran lógicas a todos los efectos.

Hay algunas canciones con curiosas diferencias entre ambas versiones, por ejemplo en “Help!”, las voces de la versión mono y  estéreo son distintas y hasta hay una diferencia en la letra: en la versión mono John dice “AND now these days are gone” y en la estéreoBUT now these days are gone”. Tampoco hay pandereta en la versión mono. En “Lucy In The Sky With Diamonds”, vemos que la mezcla mono presenta diferencias de velocidad, pitch (es un poco más lenta) y, consecuentemente, de timbre (un tercio de semitono más bajo) y que las voces tiene efecto flanging (el antecesor del flanger). En la mezcla estéreo no se hizo ninguna de estas dos cosas, por lo que suena un poco más rápida, un tercio de semitono más arriba y sin el flanging.  En “She’s Leaving Home”, la máquina de reproducción corría con el sincro a 53 ciclos por segundo en la versión mono resultando, además de bastante más rápida, un semitono entero más alta que la edición estéreo.

Elegir entre una versión y otra acaba siendo una cuestión de gustos. Estos vídeos son una buena muestra de las diferencias entre ambas versiones: vídeo 1, vídeo 2.

En noviembre de 2009, McCartney edita “Good Evening New York City“, un nuevo álbum y DVD en directo recogiendo su gira veraniega de ese mismo año. Entre el repertorio Beatle, además de sus habituales, añade “I’m Down“, “Day Tripper” un bonito homenaje a John con “A Day in the Life/Give Peace a Chance” y una versión de “I Saw Her Standing There” con la colaboración de Billy Joel. De sus canciones en solitario cabe destacar la  inclusión de los clásicos de Wings “Mrs. Vanderbilt” y “My Love“, así como la interpretación en directo de dos temas de su grupo paralelo The Fireman, “Sing The Changes” y “Highway“.

La primera década del siglo XXI acaba con un Beatle de 67 años, llamado Paul McCartney, volviendo a la carretera con su nueva gira “The Good Evening Europe Tour”

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 11 de mayo de 2013.

The Beatles. Capítulo 21 (1996-1999). The Threetless Parte III. Cara (Anthology II y III) y Cruz (Linda y George).

Tras el shock del encuentro inicial, la relación entre los “Threetless” había mejorado mucho e incluso, con motivo de la serie de televisión “Anthology” llegaron a ser filmados tocando juntos en directo tanto en el estudio, como en una encantadora sesión campera al ukelele, en los jardines de Friar Park, la mansión de George. Fue entorno a febrero de 1995 que Paul, George y Ringo comezaron a trabajar sobre otra canción de John, también incluida en la cinta con demos de Lennon que Yoko les dio. El tema en cuestión era “Real Love”, una canción de la que John hizo varias demos entre 1977 y 1980 y que, en versión con guitarra acústica, ya había sido editada en la banda sonora del documental “Imagine: John Lennon” de 1988.

No obstante, para trabajar sobre ella, Yoko entregó una versión al piano datada en 1977. A diferencia de “Free As A Bird”, la canción estaba mucho más terminada por lo que la tarea fue mucho menos edificante para Paul, George y Ringo ya que se limitaron a ornamentar la demo de John. No obstante Paul recuerda que “lo mejor de todo era trabajar “con” John otra vez. Oyéndolo en los auriculares, era como si él estuviese al lado – “Rayos, estoy cantando en armonía con John”. Parece a un sueño imposible”.  De esta forma, Paul toca la guitarra acústica, bajo eléctrico. George toca la guitarra acústica y una guitarra Fender Stratocaster al final de la canción. Ringo contribuye con la batería. En cuanto a las voces, Paul graba una voz principal en semi-falsete casi inaudible para dar cuerpo a la de John (grabada, no olvidemos, de forma casera) y luego Paul y George añaden voces de apoyo y armonías. Los tres contribuyen con percusiones.

El resultado, de nuevo, es maravilloso: “Real Love“. La canción es mucho más pop y con una producción probablemente más compensada que la anterior (la batería menos alta y las voces mucho más prominentes) pero, en general, suena menos “beatle” que “Free As A Bird”. “Real Love” se editó como single el 5 de marzo de 1996 y alcanzó el n.º 4 y n.º 11 respectivamente en las listas de sencillos del Reino Unido y EE.UU. Sorprendentemente la BBC Radio decidió no emitirla creando una innecesaria polémica que se debatió en varios medios. Se rumoreaba en el entorno de la prensa, de que la BBC consideraba a Los Beatles, “demasiados viejos” para su estación. La corporación negó tales acusaciones pero eso no impidió que Paul realizara unas declaraciones al Daily Mirror:  “Los Beatles no necesitan que su nuevo single, “Real Love”, sea número uno. Nuestras carreras no dependen de eso. Si Radio One cree que debemos ser vetados ahora, esto no nos va a llevar a la ruina. No puedes poner un límite de edad a la buena música. Es muy alentador saber que, mientras los reyes del kindergarten de Radio One piensan que los Beatles somos demasiados viejos para salir a jugar, una gran cantidad de jóvenes británicos no parecen compartir esa opinión. Siempre estoy leyendo de cómo algunas bandas, como Oasis dan crédito a los Beatles como su inspiración y estoy feliz que pueda oír a los Beatles en la música actual. Cuando Ringo me contó todo esto, pensé, ¿Quién necesita a Radio One cuando se tiene a todas las otras estaciones independientes?”

Al margen de polémicas, “Real Love” fue un éxito que sirvió de empuje al lanzamiento de “Anthology 2“, un nuevo doble CD  editado el 18 de marzo de 1996, cuatro meses después de “Anhology I. El álbum arranca donde lo dejo el anterior y cubre el periodo entre febrero de 1965 y febrero de 1968, quizás la época más vanguardista e innovadora del grupo.  Al igual que su predecesor,  alcanzó un gran éxito comercial: debutó en el puesto nº 1 y en USA y en el Reino Unido.

El disco arranca con la segunda de las “nuevas” canciones del grupo tras “Free As A Bird”, “Real Love“. Una joyita que no hace más que recordarnos lo que hubieran podido hacer juntos estos tipos si el hijo de puta de Mark Chapman se hubiera quedado en casita. Como ocurriera con “Anthology I”, pasada la novedad de la primera canción, entramos de pleno en la parte de arqueología musical.

Arrancamos en febrero de 1965 escuchando una mezcla entre la primeriza toma 2 de “Yes It Is“, con John apenas murmurando la canción , y el arreglo final de la canción (toma 14); un gran ejemplo de cómo los Beatles trabajaban los. También de febrero son las tomas alternativas de “You’ve got to Hide Your Love Away” y las canciones inéditas “If You’ve Got Trouble” (un original “Lennon-McCartney” escrita para Ringo y descartada por no considerarse suficientemente buena) y “That Means a Lot“, un tema de Paul que acabaron dejando de lado y regalando a P.J.Proby.  Avanzando un poco más en el tiempo, llegamos a junio de 1965, con las primeras tomas de la potente “I’m Down“, la indispensable “Yesterday” (sin cuarteto de cuerda) e “It’s Only Love“.

Tiempo para la música en directo con, por un lado,”I Feel Fine“, “Ticket To Ride“, “Yesterday” y “Help!“, interpretadas en directo desde el ABC Theatre de Blackpool, Inglaterra, el 1 de agosto de 1965 para el programa de televisión Blackpool Night Out, y por otro, “Everybody’s Trying To Be My Baby” del famoso concierto en el Shea Stadium.

Ya en otoño de 1965 encontramos tomas preliminares de algunas de las canciones que acabarán en el gran LP “Rubber Soul”. Esos son los casos de la toma 1 de “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)“, con mucho más sitar, y “I’m Looking Through You” en una versión sensiblemente diferente, sin estribillo, con una distinta percusión y más guitarra solista. También para “Rubber Soul” estaba pensado el descarte instrumental “12-Bar Original“.

Damos un salto hasta abril del 66 para adentrarnos en las sesiones del expléndido “Revolver”. La toma 1 de “Tomorrow Never Knows“, nos presenta una canción ya muy experimental pero aún muy distante de lo que acabaría siendo. Por otro lado, con la toma 5 de “Got To Get You Into My Life“, vemos lo diferente que era la canción en un principio; con órgano, guitarra, batería, la voz de Paul y unas buenas armonías de John y George, tenemos una canción mucho más pop y sin rastro de los sobresalientes metales y el estilo soul de la versión final.

Con “And Your Bird Can Sing” y su toma 2 vemos a los Beatles más cercanos. Paul y John partiéndose de risa en medio de la grabación de una pista de voces. No es difícil pensar que la marihuana tuvo algo que ver. Uno de los mejores momentos de estos Anthology, quizás el mejor. La versión de la canción es, por cierto, buenísima y bastante diferente a la que acabó figurando en “Revolver”. Mucho más similar a la que todos conocemos es la toma descartada de “Taxman“, con la única diferencia de los brillante coros de Paul y John (“anybody got a bit of money?”) de 1’28” a 1’49”.

En el caso de “Eleanor Rigby (strings only)” tenemos una mezcla del arreglo para cuarteto de cuerda compuesto por George Martin para la canción, mientras la toma alternativa de “I’m Only Sleeping” nos presenta la canción en una fase embrionaria y con la curiosidad de estar cantada a dos voces ocupándose, al contrario de lo que era habitual, Paul de la voz baja y John de la alta.

Turno una vez más para la música en directo. En esta ocasión con “Rock and Roll Music” y “She’s a Woman“, extraídas del concierto que el grupo ofreció en el el Nippon Budokan de Tokio (Japón) el 30 de junio de 1966. Mucho (muchísimo) más interesante resultan la siguiente triada de cortes, dedicados en exclusiva a la sublime “Strawberry Fields Forever”. Comenzamos con la estremecedora demo de la canción con John y una guitarra, sin más… una maravilla. A continuación, tenemos la también excelente Toma 1 de la canción, mucho menos experimental de lo que  acabaría siendo, y, por último, la Toma 7, de la que se tomó el primer minuto para la versión definitiva de la canción (el resto se tomó de otras tomas obligando a George Martin a realizar un complicadísimo trabajo de estudio para ensamblar las partes).  Ya en diciembre e 1966 podemos disfrutar de una toma alternativa de la enorme “Penny Lane” , en la que el solo de trompeta piccolo del puente es sustituido por trompas inglesas y trompetas. Estuvo a punto de ser la versión final.

Y llega el turno de abordar el excelso “Sgt. Pepper’s”. Con “A Day In The Life“, George Martin hace un trabajo muy especial. El diálogo inicial, el sonido del reloj, y el conteo “sugar plum fairy, sugar plum faiy” de John pertenecen a la toma 1 de la canción (enero de 1967), el resto básicamente pertenece a las tomas 2 (también de enero de 1967) y la toma 6 (febrero de 1967). Como curioidad, podemos escuchar a Mal Evans -el eterno roaddie del grupo- contar los 24 compases que separan las dos partes de la canción. Otro tema de “Pepper’s”, “Good Morning Good Morning“, toma aquí un nuevo brío. Esta Toma 8 es, en mi opinión, muy superior a la que acabó editándose (toma 11).

El resto de las canciones de “Sgt. Pepper’s” que se incluyen en Anthology 2 son “Being For The Benefit Of Mr. Kite!” (de la que encontrarnos, por un lado, la originaria toma 1, y la mucho más avanzada toma 7 ), “Lucy In The Sky With Diamonds, (una curiosa mezcla en la que Martin toma el acompañamiento básico de la toma 6, la tamboura de la toma 7 y las voces del estribillo de la toma 8), “Within Without You” (en versión instrumental), y la potente toma 5 de “Sgt. Peppers Lonely Hearts Lonely Hearts Club Band (Reprise)“. También de esta época -abril del 67-  es la toma 11 de  “Only a Northern Song” (en una versión mucho más limpia de efectos), aunque esta canción apareciera en “Sgt. Pepper’s” sino en el posterior “Yellow Submarine”

A junio de 1967 pertenecen las primeras tomas de “You Know My Name (Look Up The Number)“, una canción que los Beatles terminarían en 1969 y editarían como cara B de “Let It Be”. El tema es sí es un jugueteo estilístico y en esta versión se incluyen  varios fragmentos que no se incluirían en la que fue finalmente publicada.

Tiempo para las sesiones de grabación del doble EP “Magical Mystery Tour” en septiembre de 1967 empezando por la primordial “I Am The Walrus“, pudiendo disfruta aquí de la toma 16, que fue la que se tomó como base para después añadir todos los efectos que compusieron la versión final. En el caso de “The Fool On The Hill”, podemos escuchar la primorosa primera demo a cargo de Paul y su piano, así como la Toma 4 de la misma, con arreglos sensiblemente distintos. La toma presentada de “Hello Goodbye” ofrece pocas sorpresas puesto que es sobre la que se basa la versión definitiva, la única diferencia es la guitarra distorsionada que aparece durante toda la canción.

Estamos acabando este Anthology 2, y llegamos a febrero de 1968 con “Lady Madonna“, de nuevo estamos ante una mezcla de diferentes tomas, en este caso es la base de la toma 3 con el añadido de los saxos de la toma 4. El Cd concluye con una íntima versión de “Across The Universe” (toma 2), con apenas John y una guitarra con efecto flanger, que en mi opinión es -de largo- la mejor de las versiones editadas de esta extraordinaria canción.

“Anthology 2” fue un rotundo éxito comercial. Entre tanto, Linda McCartney fue sometida a una masectomía parcial con éxito…, pero el cáncer se había comenzado a expandir por el hígado y convertiría este 1996 en un año de quimioterapia que comenzó a minar el sempiterno espíritu jovial de Paul.

Octubre de 1996 era la fecha señalada para la edición del tercero y último de los “Anthology”. Tras la edición de “Free As a Bird” como inéditos de “Anthology 1” y “Real Love” de “Anthology 2”, era lógico pensar que con “Anthology 3” ocurriría algo similar, es decir, que Paul, George y Ringo trabajarían sobre algún tema inédito de John. Y, de hecho, así fue. El propio McCartney dijo: “Trabajamos dos canciones de John, “Free As A Bird” y “Real Love”, era muy emocionante. Y surgió la idea tener una tercera canción, otra canción que la teníamos delante de nuestros ojos, “Now And Then”, no obstante no la terminaron.  La maqueta de John es una preciosidad. “Now And Then” pudo haber sido una gran canción, pero estaba muy inacabada, con falta de estribillo y algunos defectos que terminaron por aburrir a George que se acabó cansando de la “operación nostalgia” en la que se había convertido el proyecto “Anthology”. Paul afirma: “Había una que no terminamos, era más conmovedora. Necesitaba un poco más de trabajo, pero tenía un verso hermoso y tenía a John cantándola. Pero George no quiso hacerla”. Desde entonces es un rumor recurrrente la posibilidad de que Paul y Ringo pudieran acabar el trabajo comenzado en 1996 y editar un nuevo single de The Beatles. Parece a un sueño imposible, por lo que tendremos que conformarnos con las versiones de fans, que, emulando el estilo de los Beatles de los 90, circulan por internet.

Finalmente se decidió que “Anthology 3” se editaría sin “nuevo” single, y así se hizo el 28 de octubre de 1996. En esta ocasión el doble CD cubre la etapa comprendida entre  Mayo de 1968 y la última sesión de los Beatles, el 3 de enero de 1970. Para la mayoría de fans, resulta el más interesante por la enorme cantidad de inéditos y tomas realmente alternativas que se presentan. A falta de nuevo single, se editó el inédito “A Beginning” un tema del productor George Martin que, en origen, debía servir de introducción al tema de Ringo “Don’t Pass Me By”. Bella composición orquestal que da muestra del enorme talento musical de su autor.

El material Beatle comienza con las sesiones acústicas de mayo de 1968 en la casa de George Harrison en Esher. Regresados de la India, Paul, John y George se apresuraron a grabar tomas caseras de la gran cantidad de canciones que habían compuesto en aquel país . La primera canción correspondiente a esas sesiones es una versión primigenia de “Happiness is a Warm Gun“, con un fragmento sobre Yoko que no fue incluido en la versión final, y a falta de los cambios que caracterizan la monumental canción incluida en el “Álbum Blanco”. John y su guitarra nos deleitan con versiones demo acústicas de  “Mean Mr. Mustard“, “Polythene Pam” y “Glass Onion” . Las tres canciones fueron grabadas con John doblando su voz y su guitarra acústica (una voz-guitarra por canal). Por su parte Paul grabó en esta sesión su canción “Junk” -no editada como canción Beatle pero que McCartney recuperó para su primer disco en solitario- y una estupenda primera versión de “Honey Pie“. Por último, George incluye “Piggies“, a la que el sonido acústico le sienta como un guante.

Adentrándonos ya en las sesiones del “Álbum Blanco”, entramos en julio de 1968, con la toma 2 de “Helter Skelter“, acortada a menos de cinco minutos de sus más de doce minutos originales. Muchos fans llevaron a cabo una campaña para que se publicara la mítica versión de 27 minutos de esta canción que los Beatles grabaron, pero sus plegarias no fueron escuchadas. Una versión mucho más bluesy y menos heavy que la definitiva, pero igualmente fabulosa.

La versión editada de “Don’t Pass Me By“, dista poco de la original siendo la principal diferencia la ausencia de violín. Mucho más intersante es la toma alternativa de  “Ob-La-Di, Ob-La-Da, no es una toma falsa, sino una versión distinta de la canción que acabó siendo descartada en favor de la que hoy todos conocemos en una una decisión, por lo menos, discutible.

Un ensayo de Ringo se funde con la versión final (toma 34) en la versión de “Good Night” que George Martin preparó para este “Anthology 3”. Siguiendo con el “White Album”, encontramos la fantástica toma 1 de “Cry Baby Cry, la toma 4 de “Blackbird“, y la perezosa pero fantástica toma 6  de “Sexy Sadie“.

While My Guitar Gently Weeps” es simplemente acojonante. Demo de estudio de George, acompañado por Paul al órgano, que alcanza un nivel absolutamente estratosférico, una joya grabada el 25 de julio de 1968 en los EMI Studios de Londres, así como la despojada toma 2 de “Hey Jude“, mucho más sencilla pero sin dejar de ser el monumento melódico que siempre fue.

Not Guilty” es una gran canción de Harrison con cuya grabación el grupo nunca llegó a estar satisfecho, razón por la que fue desechada (aunque recuperada por George en solitario en 1979). No obstante, lo intentaron, de hecho, esta es la toma ¡¡102!! de la canción. Y siguiendo con las provechosas sesiones del “White Album” llegamos a la toma 2 de “Mother Nature’s Son” (sólo Paul y una guitarra), una versión sin cuerdas de “Glass Onion” (toma 33), y la encantadora la toma 8 de “Rocky Raccoon“.

What’s the New Mary Jane?” es sin duda la canción más veces pirateada del grupo. Inicialmente considerada para el Álbum Blanco (incluso candidata a ser editada en single), finalmente quedaría inédita hasta este “Anthology 3”. Desde luego no es una gran canción, pero no deja de ser curiosa. Otra de las curiosidades es “Step Inside Love / Los Paranoias“, la primera es un muy buen tema que Paul compuso para Cilla Black (con la que ella consiguió un número 8 en listas), el aire latino del tema hace que John comience a bromear y nombre a un ficticio grupo de acompañamiento llamado “Los Paranoias”, Paul se arranca a improvisar y rápidamente es seguido por el resto.

Y volvemos a las tomas “falsas” del “Album Blanco” con un mix de tomas de “I’m So Tired” (concretamente de la la 3, la 6 y la 9), la evocadora toma 1 de  “I Will” y una soberbia versión acústica de “Why Don’t We Do It In The Road?“. A continuación oímos a John grabar la sobresaliente pista de guitarra acústica de “Julia” pero llega un momento en el que se equivoca, es curioso oír a Paul desde la sala de mezclas animando a John a a volver a intentarlo ya que “la canción es realmente preciosa”.

El CD2, deja atrás el álbum blanco (al que “Anthology 3 dedica todo su primer CD) y se adentra en las sesiones para el malogrado proyecto “Get Back” (recordad que los Beatles desecharon las sesiones para grabar “Abbey Road” y posteriormente las cintas fueron entregadas a Phil Spector para que produjera lo que acabó siendo el álbum “Let It Be”, para enfado de Paul). La primera de las canciones pertenecientes a estas sesiones es “I’ve got a feeling“, una toma fallida grabada el 23 de enero de 1969 en los Apple Studios de Londres y ya con Billy Preston al piano eléctrico.

Especialmente curioso resulta escuchar la relentizada versión de “She Came In Through the Bathroom Window” sacada fuera del Medley de “Abbey Road” donde acabó incluyéndose meses después de esta toma primeriza de enero de 1969. “Dig A Pony” en cambio es muy similar a la canción que acabó apareciendo en “Let It Be”, eso sí, mucho mejor producida. No me cansaré de decirlo, Phil Spector -al que admiro-, no hizo un buen trabajo con “Let It Be” y esta versión es una prueba de que el que dominaba el sonido Beatle no era otro que George Martin. Algo parecido a lo que ocurre con “Two of Us“, si bien esta toma se acaba estropeando por algunos fallos de ejecución.

Siguiendo con las sesiones del proyecto “Get Back” encontramos tomas de “For You Blue“, “Teddy Boy” (inedita por los Beatles pero editada en el primer álbum en solitario de McCartney), el medley de clásicos del rock “Rip It Up” / “Shake, Rattle and Roll” / “Blue Suede Shoes” y una emocionante versión de “The Long And Winding Road“. Paul siempre repudió la versión que Spector remezcló para “Let It Be” y aquí, al fin, tenemos la canción tal y como la concibió McCartney, de hecho, es la misma toma que se usó para el disco pero sin el pomposo arreglo del productor americano. Las notas de “Anthology 3” referidas a esta canción lo dejan claro:  “La versión de la Antología es tal y como se concibió mientras que la versión de Let It Be fue adornada […] en ausencia del compositor Paul McCartney”

Aún en las sesiones de “Get Back”  encontramos una improvisada y festiva versión a dos voces de “Oh! Darling” que, como ocurría  con “She Came In Through the Bathroom Window”, acabó siendo incluida en “Abbey Road” en una versión muy distinta de la que aquí aparece, así como una toma primeriza de “All things Must Pass“, una gran canción de George que fue descartada por el resto y Harrison convirtió en tema central de su triple álbum en solitario. Siguiendo con las sorpresas llegamos a “Mailman, Bring Me no More Blues“, otra de las habituales en los piratas de la banda, buena versión del clásico de Buddy Holly.

La última canción del proyecto “Get Back” que aparece el “Anthology 3” no podía ser otra que la homónima. En esta ocasión se nos presenta la versión en directo de “Get Back” que los Beatles interpretaron en el tejado del edificio de Saville Row. Se convertiría en su última canción de su último concierto. La policía irrumpió en la azotea con la intención de parar el concierto y hay un determinado momento (primer estribillo) en el que alguien les dice que paren…, las guitarras dejan de oírse…, pero Paul y Ringo siguen…, George enseguida se suma al desafío… y luego John… La canción vuelve con mucha más intensidad…, Paul grita “Loretta has vuelto a jugar en las azoteas, la policía va a arrestarte”

Avanzamos a febrero de 1969 para escuchar la demo de “Old Brown Shoe“, en la que George toca todo, y la toma 2 de “Octopus’s Garden” con la que entramos en las sesiones de “Abbey Road” de las que se extraen la toma 5 de “Maxwell’s Silver Hammer“, la estupenda demo de “Something” y la toma 1 de “Come Together“.

Otro de los “inéditos” es “Come and Get It“, una fabulosa canción de Paul en la que tocó todos los instrumentos y voces y que acabó cediendo a la banda de Apple Badfinger. La ligera versión de “Ain’t She Sweet” que aparece a continuación tampoco había salido a la luz hasta ahora, la voz de John aparece aquí un poco castigada y contrasta con la exuberancia vocal que el propio Lennon, junto a McCartney y Harrison, exhiben en el siguiente corte: la alucinante versión a capella de “Because“. Brutal, 9 voces (3 tomas de 3 voces) .

Con la versión de “Let It Be” que aparece en este “Anthology 3” volvemos a retomar la polémica Spector Vs Martin. En mi opinión no hay comparación posible. Menos mal que, como veremos en el siguiente capítulo “Let It Be… Naked” acabaría haciendo justicia. Algo parecido ocurre con “I Me Mine“, mucho más auténtica y rockera sin todas esas impostadas orquestaciones, muy superior a la oficial.

Y llegamos al final: “The End“, remezclada de nuevo por George Martin y resaltando mucho más las guitarras (tocadas por turnos entre Paul, George y John). Y con esto termina el proyecto Anthology, un sueño hecho realidad para los fans del grupo: dos canciones nuevas, seis cd’s de rarezas, tomas falsas y canciones inéditas, un extensísimo documental que se editó en forma de 5 dvd’s y la edición de un libro espectacular. No obstante siendo todo esto fantástico, nada es comparable a ver a los que entonces eran los tres beatles vivos en una sala charlando sobre los viejos tiempos.

No obstante, una vez terminada la grabación de las nuevas canciones y concluida la selección de tomas para los Anthology, la relación entre Paul y George se enfría. Paul se vuelca en la enfermedad de Linda, pero intenta mantener el contacto con Harrison. No obstante, llega un punto en el que George deja de devolver las llamadas de McCartney.

Entretanto, Paul recibe una sorprendente noticia: su nombramiento como Caballero del Imperio Británico por la Reina Isabel II por “su contribución a la música”. Como Beatle, Paul, al igual que el resto del grupo, ya había sido nombrado “Miembro del Imperio Británico” (MBE), pero la distinción de Caballero es muy superior a aquella y le dotaba del título de “Sir”.

George, por su lado, había recibido una dura noticia. Fumador empedernido, George fue diagnosticado de cáncer de garganta en 1997. Ese mismo año se sometió a un intervención quirúrgica en la laringe en el hospital Princess Margaret, de Windsor  y el tumor fue extirpado. Desgraciadamente,  dos meses después, el cáncer se expandió al pulmón y George fue nuevamente intervenido en la  Clínica Mayo de Rochester (Estados Unidos). La operación fue exitosa y Harrison comenzó a recibir tratamiento de quimioterapia. El pronóstico era positivo.

No ocurría lo mismo con el pronóstico de Linda, cada vez más debilitada. A pesar de la dura situación que Paul estaba viviendo con la enfermedad de su mujer, no conocía mejor terapia para ambos que volver a la música. Impulsado por el revisionismo de “Anthology”, Paul se decide a retomar su pasado o, al menos, a no esconderlo. Paul reclutó a Jeff Lynne, productor de “Free As A bird” y “Real Love” y se dispuso a grabar su nuevo álbum, uno de los mejores de su carrera, “Flaming Pie” (enlace a review en Guilletek’s), editado en mayo de 1997.

“Anthology me recordó como hacíamos las cosas en The Beatles y los valores que alcanzamos con las canciones. Así que de algún modo me sirvió de guía para este álbum”. Paul quería hacer algo sencillo, pero de gran calidad. McCartney, además de Jeff Lynne, contó con la colaboración de  Steve Miller, George Martin y Ringo Starr. El resultado cumple con las expectativas y las críticas musicales fueron muy favorables, las mejores desde “Tug of War”, de 1982. Además fue también un gran éxito comercial, debutando en el puesto #2 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Y no es para menos, es un disco fabuloso con canciones como “Flaming Pie“, “Great Day“, “Young Boy“, “Somedays” (producida por George Martin), “Heaven On A Sunday” (con su hijo James a la guitarra eléctrica), la inconmensurable “Caliko Skies“, “The World Tonight“, “Souvenir” o “Little Willow“, dedicada a los hijos de Ringo y Maureen tras la muerte de la que fuera primera esposa del batería. Pero posiblemente la canción más recordada sea la fantástica “Beautiful Night” con Ringo a los tambores y George Martin tras los controles y un final glorioso con Paul y Ringo cantando juntos. Extraordinario final para un álbum 10.

Ringo vuelve a la carga meses después, en agosto de este mismo 1997 con “Ringo Starr and His third All-Starr Band: Volume 1“. En esta ocasión es una edición limitada muy modesta que se vendía a precio reducido en los videoclubs de la compañía Blockbuster y que recogía el concierto de la tercera formación de la All-Starr Band ofrecido en el Nippon Budōkan de Tokio, Japón. La banda estaba compuesta por Ringo Starr (batería, percusión y voz), su hijo Zak Starkey (batería y percusión), Billy Preston (teclados, armonio y voz), el Who John Entwistle (bajo y voz), Felix Cavaliere (teclados y voz), Randy Bachman (guitarra y voz), Mark Farner (guitarra y voz) y Mark Rivera (saxofón y coros). Nada que reseñar.

Paul sigue con su actividad frenética, y en septiembre -apenas cuatro meses después de “Flaming Pie”, edita un nuevo álbum. En esta ocasión se trata de su segunda incursión en la música clásica: “Standing Stone“. La obra, una pieza instrumental, fue estrenada en el Royal Albert Hall de Londres el 14 de octubre de 1997. A diferencia de lo que ocurrió con “Liverpool Oratorio” que dividió a la crítica, “Standing Stone” recibió críticas muy favorables y alcanzó el primer puesto en los álbumes de música clásica. Me quedo con la pieza final: “Celebration“.

Paul vivía un momento dulce a nivel profesional, pero a nivel personal todo se torcía cada vez más…, hasta que no hubo remedio… En febrero de 1998 Paul, Linda y todos sus hijos excepto Heather viajan a Arizona, a un rancho que compraron años atrás. Era un lugar que Linda adoraba, caballos, colinas, espectaculares atardeceres. La mañana del 17 de abril de 1998 los ojos de Linda amanecieron sin luz, Paul lo tenía claro, llamó a sus hijos y rodearon la cama de su esposa, McCartney se acercó a su oído y dijo: “Estás montada sobre un hermoso caballo, es un precioso día de primavera y estamos cabalgando por el bosque…, los jacintos crecen y el cielo está completamente azul…”, Linda cerró los ojos y murió. El funeral se celebró en St. Martin-in-the-Fields, en Londres, con la asietencia de George Harrison, George Martin y Ringo Starr.

Paul y Linda McCartney se casaron en 1969, y en estos casi 30 años, sólo pasaron 10 noches separados, las que Paul pasó en una celda en Tokio en 1980 tras ser detenido por posesión de drogas, ni una más. No es de extrañar que McCartney quedará completamente destrozado tras la muerte de su inseparable compañera. Estaba absolutamente perdido, al punto que sus hijos decidieron hacer turnos para acompañarle en su día a día temerosos de que entrara en una depresión.

Paul abandonó la música y se encerró en su casa, levantándose de la cama sólo para dar unas pinceladas a sus cuadros. No podía pensar en música, muchas de sus obras estaban dedicadas a Linda y el sólo recuerdo de las mismas le hacían hundirse más aún en un pozo del que veía difícil salir. Se limitó a pintar y a escribir tristes versos como “La tristeza no es tristeza sino felicidad vestida de negro. La muerte no es muerte sino la vida lanzándose al precipicio. Las lágrimas no son lágrimas sino carcajadas saladas”.

Con John fallecido, George convaleciente y Paul sumido en la tristeza, Ringo queda como único Beatle activo. En junio de 1998 edita “Vertical Man“, su mayor éxito de desde 1975. Es un buen disco en el que Ringo con celebridades como  Tom Petty, Brian Wilson, Ozzy Osbourne, Alanis Morissette, Joe Walsh, Steven Tyler y Timothy B. Schmit, entre otros. Grabado en la época de “Anthology”, George toca la guitarra y hace coros en “King Of Broken Hearts” y  “I’ll Be Fine Anywhere“, mientras Paul toca el bajo y hace coros en “What in the… World“, armoniza junto a Alanis Morissette y  Steven Tyler  en “I Was Walking“. Paul también participa en la jovial y muy valorable “La De Da“, el single del disco.

En septiembre de 1998, The Fireman, el grupo electrónico anónimo compuesto por Paul y el DJ Youth edita su segundo trabajo. Paul seguía retirado y sus contribuciones al disco fueron recogidas antes de la muerte de Linda. Fuera como fuere el CD recibe críticas elogiosas por su sonido ambiental cercano al trance. No es mi terreno, así que no me mojo. Me gusta mucho más que el anterior trabajo de The Fireman, eso seguro. Si tuviera que destacar una “canción”, sería  probablemente”Watercolour Guitars“.

Ringo, muy activo, participa en el programa de televisión Storytellers de la cadena VH1. El programa consistía en un concierto en un entorno íntimo, con intermedios en los que el arista explicaba el origen de las canciones que va a interpretar. En el caso de Ringo el concierto se llevó a cabo en el Bottom Line Club de Nueva York el 13 de mayo de 1998, un mes después de la publicación del álbum Vertical Man. Un muy buen álbum en directo con fantásticas interpretaciones de sus clásicos como “Photograph.

Mientras Paul sigue hundido…, hasta que un buen día, a principios de 1999,  decidió volver a coger la guitarra. Lo primero que vino a su cabeza fue el rock de sus raíces y entonces lo vio claro. Tras contactar con el productor Chris Tomas, que trabajó en el álbum de Wings “Back to the Egg”, McCartney reservó tiempo en los estudios Abbey Road a comienzos de marzo para grabar su nuevo álbum del que poco o nada se sabía salvo que sería un disco de covers de rock de los 50 y que era probable que McCartney incluyera alguna  nueva composición propia.

Mientras Paul prepara su nuevo disco en abril de 1999, primer aniversario de la muerte de Linda, organiza The Concert For Linda, un concierto en el Royal Albert Hall en el que participaron The Pretenders, Elvis Costello, Tom Jones, George Michael , Sinead O’Connor, Johnny Marr (Smiths), Neil Finn (Crowded House), Marianne Faithfull y como gran final, Paul, en lo que significaba su vuelta a los escenarios. Un emocionado Paul interpretó la que era una de las canciones preferidas de Linda, el “Lonesome Town” de Ricky Nelson, así como una emotiva versión de “All My Loving

En septiembre de 1999, United Artist y Apple Films lanzan en DVD la película de animación de los Beatles “Yellow Submarine” y acompañando al mismo se edita Yellow Submarine Songtrack“, un CD que recoge todas las canciones de los Beatles que aparecen en la película. De esta forma desaparece el score de George Martin y se incluyen los temas que, aunque no aparecieron en la banda sonora original de 1969, sí que lo hicieron en la película, es decir, añade “Eleanor Rigby”, “Love You To”, “Lucy in the Sky with Diamonds”, “Think for Yourself”, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, “With a Little Help from My Friends”, “Baby You’re a Rich Man”, “When I’m Sixty-Four” y “Nowhere Man”  a los “Yellow Submarine”,”Hey Bulldog”, “All Together Now”, “Only a Northern Song”, “All You Need Is Love” y “It’s All Too Much”. El disco en sí, no aporta nuevo salvo que es la primera ocasión en el que las canciones de los Beatles se remezclan, con buen resultado, por cierto. Los resultados comerciales fueron decentes, pero no extraordinarios (número 8).

En octubre se edita el nuevo disco de Paul McCartney. Como hemos dicho antes, Paul tenía la necesidad de regresar a sus raíces musicales e interpretar temas que solía escuchar cuando era joven y quería grabarlo en tomas, sin trucos, a la antigua usanza…, así que llamó al guitarrista de Pink Floyd  -David Gilmour-,  al batería de Deep Purple -Ian Paice- y al Housemartin Pete Wingfield para los teclados. Paul se encargaría del bajo y la voz… Y eso es “Run Devil Run“, un fantástico disco de versiones de rock’n’roll editado en octubre de 1999 con un sonido sencillamente arrollador. McCartney y su banda realizan trepidantes versiones de “All Shock Up“, “She Said Yeah“, “Shake A Hand” o “Party” e incluyó tres nuevas composiciones propias ciertamente buenas como “Run Devil Run“, “Try Not To Cry” o la fantástica “What It Is“, una de las composiciones que Paul tocaba a Linda en su enfermedad para animarla. Un gran disco que además, el 14 de diciembre de 1999, sirvió de excusa a McCartney para retornar al Cavern Club -donde los Beatles empezaron- para presentar el disco en directo y permitirse una versión inolvidable de “I Saw Her Standing There“. Un concierto imprescindible. Run Devil Run” recibió críticas entusiastas por parte de la prensa especializada. Paul había vuelto.

El mismo mes, octubre de 1999, Ringo edita un disco de villancicos de cara la campaña de navidad: “I Wanna Be Santa Claus“. Fue un fiasco comercial que hizo que su compañía discográfica rescindiera su contrato.

Un mes después, en noviembre, Paul edita un nuevo CD, el tercero de su línea “clásica”: “Working Classical“. Publicado apenas un mes después del álbum “Run Devil Run” se trata realmente de uan recopliación de canciones de McCartney arregladas al estilo sinfónico por Richard Rodney Bennett y Jonathan Tunick. Así, encontramos bonitos arreglos para canciones como “My Love“, “Junk“, “Golden Earth Girl” o “Maybe I’m Amazed“, aunque McCartney también compuso algunas piezas instrumentales para el disco: “A Leaf“, “Haymakers“, “Midwife“, “Spiral” y “Tuesday“. La crítica lo recibió bien, pero tuvo mucho menos repercusión que sus anteriores obras clásicas. Para mí, su mejor obra clásica, de largo.

1999 ya llegaba a su fin, pero junto antes de acabar el año, apenas un día antes, el 30 de diciembre de 1999, el universo Beatle sufriría una gran conmoción. Alrededor de las 3:30 de la madrugada del 30 de diciembre de 1999, Michael Abram, un enfermo mental nacido en 1966 en Liverpool que estaba convencido de que los Beatles eran una influencia satánica, entró en la mansión de George a través de una de las ventanas. Los ruidos despertaron a Olivia y George bajó al piso de abajo para ver qué ocurría. George se encontró con el intruso, armado con un cuchillo, al que intentó tranquilizar sin éxito. Abram se abalanzó sobre George asestándole varias puñaladas en el pecho. Afortunadamente, Olivia logro reducir al atacante golpeándolo en la cabeza con el pie de una lámpara. La policía llegó alertada por la alarma de la mansión y terminó de reducir al intruso de quien posteriormente se supo que estaba obsesionado con Los Beatles y solía deambular por locales nocturnos afirmando que eran brujos. La policía confirmó a su vez que el agresor había sido detenido el año pasado tras haber destruido un póster del grupo en un local comercial.

Harrison  fue internado en el Royal Berkshire Hospital de Reading. Según los médicos, Harrison sufrió un colapso del lóbulo derecho del pulmón. De haber sido más profundo, el pinchazo podría haber sido mortal. El entorno Beatle reaccionó con miedo, Ringo declaró: “Tanto Barbara como yo estamos profundamente shockeados de que haya ocurrido esto. Le enviamos a George y a Olivia todo nuestro amor y el deseo de que George se recupere rápidamente“, mientras Paul afirmó: ““Gracias a Dios tanto George como Olivia están bien. Les envío todo mi amor“. Tras el suceso, Harrison quedó traumatizado y limitó aún más sus ya de por sí escasas apariciones públicas.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 28 de abril de 2013

The Beatles. Capítulo 20 (1990-1995). The Threetless. Parte II: el “Retorno” de los Beatles. “Free As A Bird”. Anthology I.

En 1990, Ringo emprende una serie de conciertos acompañado de alguno de sus músicos amigos: Billy Preston, Dr. John, Joe Walsh, Jim Keltner, los miembros de la E Street Band Clarence Clemons y Nils Lofgren, y los miembros de The Band Levon Helm y Rick Danko. La gira, exitosa, se acabó materializando en un disco -“Ringo Starr and His All Starr Band”– que pasó sin pena ni gloria por las listas de éxitos tras editarse en octubre de 1990.

Entre tanto Paul concluye en Julio de 1990 su muy exitosa gira mundial. McCartney queda entusiasmado con el éxito de “Flowers In The Dirt” y su posterior gira mundial, por lo que decide hacer “fijos” a los miembros de su banda. Sólo el batería Chris Whitten se baja del barco para enrolarse en la nueva formación de Dire Straits. El ex-Pretender Blair Cunningham será su sustituto.

Paul y su banda fueron requeridos por la MTV para aparecer en un nuevo programa basado en la idea de sugerir a grandes estrellas de la música la posibilidad de dar pequeños conciertos acústicos que formaran parte de un programa especial de TV.  Paul McCartney fue uno de los primeros en ser consultado y aceptó. Paul se sentía fuerte con su nueva banda, quizás tenía la formación más consistente desde los Wings de 1976 y el “desenchufado” salió bien (enlace). El “Unplugged” de Paul fue uno de los primeros  en aparecer, pero, a diferencia de los que ocurriría luego, el fenómeno “unplugged” aún no había explotado, de hecho, se editó en edición limitada y se añadió el epígrafe de “Official bootleg” (pirata oficial). Al poco tiempo se editó de forma masiva. En cuanto a las canciones, contiene clásicos del rock’n’roll como “Be-bop-a-lu-la” o “Good Rockin’ Tonight” y, por supuesto, de los Beatles (“Here, There And Everywhere“, “We Can Work It Out“, “I’ve Just Seen A Face“, “She’s A Woman“, “And I Love Her” y “Blackbird“. En resumen, una álbum estupendo, en el que destaca por sorprendente la selección de canciones de la carrera de Paul en solitario, compuesta de  tres canciones de su primer álbum de 1970 -“Every night“, “That Would Be Something” y “Junk“- y la primerísima composición de McCartney, una canción pre-beatle, que compuso a los 14 años muy influenciado por su ídolo Buddy Holly: “I Lost My Little Girl“. El LP se editó en mayo de 1991 y, a pesar de ser una edición limitada, fue nº7 en Inglaterra y nº14 en USA.

Pero el giro más sorprendente en la carrera de Paul estaba por llegar. A estas alturas, McCartney ya es la máxima autoridad en ventas y éxitos en la historia del rock (acreditado por el Guiness y otras entidades estadísticas) y parece que estaba dispuesto a afrontar nuevos retos. De esta forma, acepta un encargo de la Real Orquesta Filarmónica de Liverpool  para conmemorar sus 150 años historia: Paul McCartney, junto a Carl Davis deberían componer un Oratorio (ópera sin escenografía) que se debería representar en la Catedral de Liverpool. Sin conocimientos de solfeo, Paul cantaba melodías que Davis traducía a lenguaje clásico consiguiendo así el resultado final que se estrenó el 28 de junio de 1991 ante 2.500 personas en la Catedral de Liverpool. A su conclusión el público se levantó en una sonora ovación de cinco minutos. Yo no entiendo demasiado de música clásica y la ópera en particular me empalaga, pero disfruto mucho algunos momentos (el pasaje instrumental de “Crypt“, me parece brutal) aunque, sinceramente, prefiero cuando la música clásica va a Paul “(Yesterday” o “Eleanor Rigby”) que cuando Paul va a la música clásica. . La crítica se dividió entre la  que afirmaba que la obra tiene “pasajes memorables” y la que la consideraba “tediosa”. En cualquier caso, nº1 en listas de música clásica.

En diciembre de 1991, Eric Clapton persuadió a George Harrison para que fuera de gira con él a Japón. Clapton, el eterno amigo, quería que George volviera a los escenarios (no lo había hecho desde la desastrosa gira “Dark Horse” del 74) y le sugirió, aprovechando a gira que él mismo estaba haciendo por Asia, George podía unirse a ellos en Japón y hacer una par de conciertos…Y así fue…, George, acompañado de la banda de Clapton (incluyendo al propio Eric) tocó dos veces en Japón en diciembre de 1991 (Osaka y Tokio). Dos buenos y exitosos conciertos en los que Harrison no eludió su pasado con los Beatles e hizo versiones de “I want to tell you“, “Old brown shoe“, “Taxman“, “If I needed someone“, “Something”, “Piggies“, “Here comes the sun” y una soberbia “While my guitar gently weeps“. George también rindió cuentas de éxitos en solitario como  “Give Me Love” o las más recientes “Cloud Nine” y “Devil’s Radio“. Siete mese después, en julio del 92, se editó un doble LP de los conciertos -“Live in Japan“- que pasó sin pena ni gloria . Fue nº126.

También en 1991, Ringo comienza a trabajar en lo que sería su primer álbum de estudio en 10 años. Superados definitivamente sus problemas con el alcohol, Ringo decidió pedir canciones a compositores externos, colaborando sólo en la composición de tres temas. “Time Takes Time” supone un esfuerzo de Ringo de volver a la industria pero, a pesar de recibir buenas reseñas por parte de la prensa especializada (Rollingstone habló  de “el disco más consistente y despierto del batería desde “Ringo” de 1973“), obtuvo un escaso éxito comercial. Sea como fuere, es uno de los mejores trabajos de Ringo y contiene algunas excelentes canciones como “Weight Of The World“, “Don’t Go Where The Road Don’t Go“, “I Don’t Believe You“, “In a Heartbeat” (con Brian Wilson en los coros) o el cover de The PosiesGolden Blunders“. Un álbum injustamente olvidado, editado en mayo de 1992, y que supone un nuevo fracaso para Ringo.

El que no fracasaba era Paul. En febrero de 1993  publica “Off The Ground“(review en Guilletek’s), un disco grabado “en directo” en el estudio. En lugar de registrar cada instrumento por separado, el grupo ensayó las canciones conjuntamente y las repitió hasta conseguir la toma correcta. Esto permite un sonido más fresco, aunque también menos elaborado que en “Flowers In The Dirt”. El álbum obtuvo un importante éxito (nº5 UK, 17 USA), aunque lejano al del LP anterior. Es un buen disco -aunque no memorable-, merced a canciones como “Mistress And Maid“, “The Lovers That Never Were” (ambas co-escritas con Elvis Costello), “Hope Of Deliverance“, “I Owe It All To You“, “Biker Like An Icon“, “Off The Ground“, la exquisita “Golden Earth Girl“, o el baladón “C’Mon People“. McCartney sigue en la línea correcta y lo celebra anunciando una nueva gira -“The New World Tour“- que se celebrará a lo largo de los cinco continentes. Una gira de 79 escenarios desde el 18 de febrero de 1993 en (Italia), hasta el 16 de diciembre de 1993 (Chile) que, en Octubre pasó por España…

…Y ahí estaba yo, con 19 años, en la puerta del Sant Jordi de Barcelona a las 12 de la mañana (abrían puertas a las 19horas). Cuando abrieron puertas, a correr y, tras conseguir una honrosa tercera, me dispuse a disfrutar…y vaya si lo hice. De nuevo Paul preparó un setlist que fusionaba temas de su carrera en solitario (13) con algunas de sus canciones con los Beatles (17) (ver concierto). Respecto a la anterior gira, y del repertorio de los Beatles, añadió canciones como “Drive My Car“, “All My Loving“, “We Can Work It Out“, “Michelle“, “Here, There and Everywhere“, “Lady Madonna“, “Penny Lane” “Magical Mystery Tour” y “Paperback Writer“, que completan a los conocidos “Back In The USSR“, “Sgt. Pepper’s“, “Can’t Buy Me Love”, “Yesterday“, “Let It Be” y, sobre todo ese “Hey Jude” con el que casi se cae el pabellón…  A la salida me gasté todo mi dinero en camisetas y demás zarandajas y de vuelta a casa… Nunca lo olvidaré.

Era obvio, visto los precedentes, que la gira se acompañaría de la correspondiente película y disco. En este caso Paul edita “Paul Is Live“, un doble LP (no triple como sus anteriores publicaciones en directo) y, siendo muy bueno, es quizás el más flojo que sus álbumes en directo.  De nuevo encontramos temas de Paul en solitario (“Looking for changes”, “Peace in the neighbourhood”, “Hope of deliverance”, “Biker like an icon”, “C’mon peolple”, “Hotel in Benidorm”, “Fine day”), de los Wings (“Let me roll it”, “My love”, “Live and let die”) y de los Beatles (“Drive my car”, “All my loving”, “We can work it out”, “Here there and everywhere”, “Lady Madonna”, “Paperback writer”, “Magical Mistery tour”, “Penny Lane” y “I wanna be your man”). Pero lo más curioso es la portada del álbum, ya que se puede considerar el fin del mito de “Paul is Dead”: ya el título del disco es una clara antétesis, pero la portada -parodia de “Abbey Road”- está llena de símbolos.  Si recordáis, “Abbey Road” fue considerado por los defensores de la demencial teoría, como la confirmación definitiva de la muerte del bajista basándose en los supuestos simbolismos de la portada:

– En la portada de 1969, Paul sale descalzo y eso parece ser símbolo de muerte en algunas culturas… En “Paul Is Live”, McCartney calza unas enormes botas.
– En “Abbey Road”, lleva el cigarro en la derecha y Paul es zurdo, señal “inequívoca” de que el que aparece en la portada es un actor y no el verdadero Paul. En “Paul Is Live” agarra a un perro con la zurda (el perro es igual que “Martha” el perro que tenía Paul en la época Beatle).
– En el Wolksvagen Beetle del fondo de la portada de “Abbey Road”, la matrícula es 28 IF (los años que Paul tendría “if” estuviera vivo en 1969). En “Paul is live” la matrícula es “51 IS” …sin palabras…

El LP se editó en noviembre de 1993 fue nº37 en Inglaterra y 78 en USA. Pero, por si fuera poco, McCartney edita otro disco en noviembre de 1993 (el segundo del mes y el tercero del año), si bien esta vez lo hizo bajo seudónimo. “Strawberries Oceans Ships Forest” es el primer álbum del grupo The Fireman, un dúo formado por Paul McCartney y el productor dance Youth, publicado por Parlophone en 1993. El álbum consiste en samples de “Off the Ground”, y de las canciones “Reception” y “The Broadcast” del álbum de Wings “Back to the Egg”, remezcladas por Youth y fue muy bien recibido por la crítica (Melody Maker, publicó: “Paul McCartney ha descubierto el dance, y los resultados son asombrosamente brillantes”) aunque no tuvo repercusión comercial. Mi desconocimiento de la música dance me hace obviar el comentario de este álbum. Lo he oído con amigos que “entienden” de esta música y hay opiniones diversas, si bien la mayoría son bastante positivas.

Un mes antes, en octubre de 1993, Ringo editó su segundo álbum con su “All Starr Band”. Ringo salió de gira con una segunda edición de su banda de estrellas, integrada por músicos diferentes a los de la gira de 1989: Burton Cummings, Timothy B. Schmit (Eagles), Dave Edmunds (Rockpile), Todd Rundgren, Tim Cappello y el hijo de Ringo, Zak Starkey, además de Nils Lofgren y Joe Walsh, presentes en la gira anterior. Ringo toca en esta gira la canción que John le regaló para su álbum de 1973: “I’m The Greatest“, aparte de canciones que el batería cantó en su época Beatle como “Yellow Submarine“. El álbum, de título “Ringo Starr and His All Starr Band Volume 2: Live From Montreux” presenta a un Ringo frecuentemente desafinado y es bastante mediocre.

Pero el universo Beatle tendría grandes noticias un año después. En Noviembre de 1994 se edita el primer álbum de los Beatles con material inédito desde su separación en 1970, 24 años después. “Live At The BBC” es un álbum doble que recoge las actuaciones en riguroso directo de los Beatles en programas de radio de la cadena de radio británica a lo largo de 1963 y 1964, en plena beatlemanía británica. El disco es una delicia de principio a fin e incluye conversaciones y entrevistas de la banda , versiones de sus artistas preferidos (“I Got A Woman” de Ray Charles, “Too Much Monkey Business“, “Carol” , “Johnny B Goode“, “Roll Over Beethoven“, “Sweet Little Sixteen“, “Rock And Roll Music“, “I Got To Find My Baby” y “Memphis Tennessee“de Chuck Berry, “Keep Your Hands Off My Baby” de Little Eva, “Young Blood” de Doc Pomus, “A Shot Of Rhythm And Blues“, “Soldier Of Love” de Arthur Alexander, “Sure To Fall“, “Matchbox“, “Honey Don’t” y “Everybody’s Trying To Be My Baby” de Carl Perkins, “Some Other Guy” de Richard Barrett, “Baby It’s You” de The Shirelles, “That’s All Right (Mamma)” y “I’m Gonna Sit Right Down And Cry (Over You)“, “I Forgot To Remember To Forget” de Elvis, “Clarabella” de The Jodimars, “Crying, Waiting, Hoping” de Buddy Holly, “You Really Got A Hold On Me” de Smokey Robinson, “To Know Her Is To Love Her” de The Teddy Bears, “A Taste Of Honey” de Lenny Welch, “Long Tall Sally“, “Ooh! My Soul” y “Lucille” de Little Richard, “The Honeymoon Song” de Marino Marini and his Quartet, “Till There Was You” del musical The Music Man, “Lonesome Tears In My Eyes” de Johnny Burnette, “Nothin’ Shakin’” de Eddie Fontaine, “The Hippy Hippy Shake” de Chan Romero, “Glad All Over” de The Dave Clark Five, “I Just Don’t Understand” de Ann Margret, “So How Come (No One Loves Me)” de los Everly Brothers, “Dizzy Miss Lizzy” y “Slow Down” de Larry Williams, “Kansas City” de Wilbert Harrison y la deliciosa “Don’t Ever Change” del dúo compositor Goffin-King y popularizada por The Crickets) y varios de sus hits (“Thank You Girl“, “I Saw Her Standing There“, “Can’t Buy Me Love“, “A Hard Day’s Night“, “I Wanna Be Your Man“, “All My Loving“, “Things We Said Today“, “She’s A Woman“, “I Feel Fine“, “I’m A Loser“,”Ticket To Ride” y “Love Me Do“). Especialmente curiosas las cortinillas preparadas por el grupo en absoluto directo para amenizar los programas (“From Us To You“) y la canción de Paul “I’ll Be On My Way“, inédita  hasta el momento. Lo dicho, un disco delicioso que alcanzó el número 3 en ventas.

Meses antes de la edición de “Live At The BBC”, Paul, George y Ringo se reúnen con Neil Aspinall -otrora road manager, asistente personal de los Beatles y director de Apple Corps-, para trabajar sobre un proyecto sobre los Beatles. En 1971, Aspinall pensó que sería una buena idea recopilar toda la información posible de los archivos del grupo (tanto en EMI como en Apple)  para realizar un documental sobre la historia del mismo. El documental se llamaría “The Long And Winding Road” y debería contar con los testimonios de los miembros de la banda para convertirse en el testimonio definitivo de los Beatles. Las malas relaciones entre Paul y el resto del grupo a principios de  los 70 y la muerte de John en 1980 truncaron el proyecto, pero desde principios de los 90 Neil lo había recuperado. La idea no era otra que los miembros vivos del grupo, apoyados por horas de entrevistas a John (autorizadas por Yoko), contaran su historia a través de una serie de documentales. Dichas entrevistas se completarían con el vasto material videográfico y sonoro que Aspinall había recopilado a lo largo de todos estos años.

El ambiente -sobre todo entre George y Paul- fue un poco tenso al principio. George se negó a que el proyecto se llamara como una canción de McCartney (“The Long And Winding Road“), empeñado en que la figura de ningún Beatle destacara sobre el resto. No obstante, la situación se relajó enseguida, el proyecto cambio de nombre (“Anthology” sería el nombre definitivo) y Paul, George y Ringo comenzaron a sentirse cómodos trabajando juntos. Como no podía ser de otra forma, enseguida surgió la idea de hacer algo de música para el proyecto. Desgraciadamente, muerto John, sólo quedaban tres. Es decir, los Threetles  (los tres restantes), se encontraban en la necesidad de afrontar en reto sin John por lo que, en un principio, pensaron en hacer simplemente algo de música incidental que sirviera de fondo a las imágenes. Pero querían hacer algo nuevo y lo que tenían más que claro es que los Beatles no podían existir sin John, la su única posibilidad de grabar algo como The Beatles era que Lennon pudiera estar en la grabación.

Con esta idea, Paul solicitó a Yoko grabaciones inéditas de John. Paul recuerda cómo le dijo a Yoko “Nos gustaría que nos dieses alguna grabación de John, pero, por favor, no trates de ponernos muchas condiciones, es realmente difícil hacer esto, espiritualmente hablando. No sabemos, tal vez nos peleemos en el estudio y a las dos horas salgamos de allí, así que no nos pongas condiciones. Si no funciona, puede ser descartado”. Ono aceptó y entregó a McCartney una cinta de casette con cuatro canciones (“le entregúe  la grabación a Paul. Yo nunca quise separar a The Beatles, simplemente ocurrió, pero ahora estoy en una posición digna de unirlos otra vez y voy a aprovecharla. Es como si el destino hubiera actuado“). La cinta incluía cuatro grabaciones caseras de John: “Free As a Bird“, “Grow Old With Me“, “Real Love” y “Now and Then“. Ringo no pudo evitar llorar al oirlas.

El trío decidió que “Free As A Bird” (original de 1977) era la mejor canción de las cuatro y se dispuso a trabajar sobre ella, como dijo Ringo : “sólo teníamos que imaginar que John se había ido de vacaciones dejando a medio terminar algo, como de hecho hacia, y nosotros teníamos que acabarlo”. En un principio, como parecía obvio, pensaron en George Martin -que estaba trabajando en el proyecto de documentación sonora para el documental de “Anthology-” para producir la nueva canción. Pero Martin, ya de avanzada edad, tenía problemas de audición y, según recuerda McCartney, “George Martin no tomó parte en “Free as a bird”. No quiere producir debido a que su oído no es tan bueno como solía ser. Es un tipo muy sensato, me ha dicho: ‘Mira, Paul, quisiera hacer un trabajo decente’. Si él no se siente apto para realizarlo no lo hará. Es muy honesto de su parte, en realidad otra gente hubiera tomado el dinero y huido”.   A sugerencia de George, y con muchas reservas por parte de Paul, decidieron que Jeff Lynne, que había trabajado previamente con Harrison, sería el productor.

En la cinta original, John cantaba y tocaba el piano y era imposible técnicamente separarlos, por lo que Lynne los unió en una sola pista, “pasé una semana en mi estudio mejorando la pista en mi ordenador. Llevó mucho trabajo tenerlo a tiempo para que los muchachos pudieran empezar”. La canción tenía trozos sin letra y algunos huecos musicales para los que Paul y George escribieron nuevos acordes y añadieron nuevos versos que, obviamente ellos se tendrían que encargar de cantar. Finalmente, entre febrero y marzo de 1994, los “Threetles” se reunieron en el estudio de Paul McCartney para completar “Free As A Bird”. John Lennon, se encargaría de la voz principal y el piano; Paul McCartney doblaría el deficiente y descompasado piano de la grabación original, tocaría la guitarra acústica y el bajo, además de los coros y la voz principal en uno de los puentes; Ringo Starr se ocuparía de la batería. George Harrison haría coros, la voz principal en otro de los puentes, y tocaría la guitarra acústica, el ukulele y la guitarra solista slide. La decisión de Harrison de utilizar la técnica slide, así como la producción de Lynne, hicieron temer a Paul que el resultado fuera a sonar como los discos de George o como los Travelling Wilburys, pero Jeff Lynne lo dejó claro: “Quiero que suene como los Beatles”.

Las dudas se disiparon cuando empezaron a grabar. Cuando Ringo escuchó a McCartney y Harrison armonizando sus voces para grabar el acompañamiento de coros, exclamo: “¡Suena como los jodidos Beatles!”. Como George dijo “¿qué si suena “Beatle”?¿cómo queréis que suene?…si la compone uno de nosotros, cantamos nosotros, tocamos nosotros…¡tiene que sonar “Beatle”!”. Algo mágico ocurrió al final: el tema finaliza con segmento de ukelele, tocado por Harrison con una frase de Lennon, “Turned out nice again” (“Salió bien otra vez”), grabada al revés. Para sorpresa de todos , cuando escucharon la mezcla final parece sonar “Made by John Lennon” (“Hecho por John Lennon”).

La canción se emite por la radio por primera vez entre los días 19 y 20 de noviembre de 1995 (dependiendo del huso horario). Así, en Estados Unidos se estrena a las 22:55 del día 19 y en Inglaterra a las 3:59h del día 20: “Free As A Bird“, la primera canción de los Beatles en 25 años. El single vendió 120.000 copias en su primera semana, entrando al segundo puesto de las listas.

“Free as a Bird” recibió críticas mixtas. The Guardian, habló de “un asunto meramente publicitario sobre The Beatles que sonaba más a Lynne que a Beatles”. The Independent dijo que la canción era “decepcionantemente apagada y de efecto fúnebre”. Por otras parte Chris Carter, locutor de la BBC, comentó: “Valoro cualquier canción, especialmente si es genial,  interpretada por John, Paul, George y Ringo”. En mi opinión, es una buena canción -muy lejos de lo mejor del grupo- que sube muchos enteros por la emotividad que supone la reunión del grupo. Las armonías vocales y la guitarra de George suenan geniales pero creo que la producción no es adecuada (la batería está muy alta). Con todo, un éxito más y un premio Grammy a la mejor interpretación vocal.

Ese mismo día se estrenó el primer episodio de la serie de televisión “Anthology”, que narraba los hechos acaecidos en el Universo Beatle entre Julio de 1940 y marzo de 1963, así como el extraordinario videoclip de “Free As A Bird”, lleno de referencias a anécdotas y mitos de la historia Beatle y ganador del Grammy al mejor video musical. El resto de episodios de la serie, hasta 8 (Episodio 2. Marzo de 1963 – febrero de 1964, Episodio 3. Febrero de 1964 – julio de 1964, Episodio 4. Agosto de 1964 – agosto de 1965, Episodio 5. Agosto de 1965 – julio de 1966, Episodio 6. Julio de 1966 – junio de 1967, Episodio 7. Junio de 1967 – julio de 1968 y Episodio 8. Julio de 1968 – marzo de 1970) , se estrenarían agrupados en tres espacios de dos horas, los días 19, 22 y 23 de noviembre de 1995 . llegando a una audeniencia superior a los 400 millones de personas.

El día 21 de noviembre sale al mercado “Anthology I”, el primero de los CD dobles que sirven de banda sonora a la serie. “Anthology” no es un recopilatorio de éxitos, sino un conjunto de tomas alternativas, canciones inéditas, demos, canciones que regalaron a otros artistas etc., y, como tal, es una colección imprescindible para quienes tienen toda la discografía oficial del grupo, pero que de ninguna forma debe abordarse como primera aproximación al grupo.

El disco, cubre un periodo de seis años que va desde primavera de 1958 (primeras maquetas caseras del grupo) hasta octubre de 1964 (grabación de su cuarto LP, “Beatles For Sale”). La única canción que sale de este periodo es precisamnete el tema con el que arranca, “Free As A Bird“. “Pusimos Free As A Bird en el primer disco porque entendimos que era la canción que más esperaba la genta, así que lo mejor es que la oigan al principio y ya se reljaen para escuchar el resto”, recordaba Paul McCartney. La canción de John, original de 1977 y sobre la que los Beatles vivos trabajaron en 1994, no está entre lo mejor del grupo pero es un emotivo regreso no exento de un alto nivel de calidad.

Entrando ya en la fase arqueológica del disco, encontramos una versión del  “That’ll be the day” de Buddy Holly, grabada en un magnetofóno en 1958, rodeado por John y Paul (a las guitarras y las voces), George a la guitarra, John Lowe al piano y Colin Hanton la batería. La misma tecnología es la utilizada para la primera sorpresa del álbum: “In spite of all danger“, una balada lenta de estilo country escrita por Paul y George, cantada por los tres en armonía.

La sección de maquetas caseras  grabadas en magnetofóno continua con una grabación de verano de 1960 en casa de Paul con Paul (guitarra y voz), John (guitarra y voces), George (guitarra) y Stuart Sutcliffe (bajo). El grupo interpreta el  “Hallelujah I love her so de  Ray Charles con Paul a la voz principal. A continuación podemos escuchar dos canciones originales de Paul McCartney: la paródicaYou’ll Be Mine” y el instrumental “Cayenne.

Damos un salto de un año hasta verano de 1961 para encontrar la priemera grabación profesional de los Beatles, en Hamburgo y como grupo de acompañamiento de Toni Sheridan. Paul tocó el bajo, John y George las guitarras y Pete Best la batería. Las canciones incluidas de estas sesiones son el tema tradicional “My Bonnie” (cantado por Sheridan y con los Beatles de banda de apoyo), una versión de “Ain’t She sweetcantada por John y “Cry for a Shadow“: , una composición Harrison-Lennon instrumental muy en la línea de The Shadows.

A continuación nos encontramos una selección de canciones extraídas de lo que fue la primera audición de los Beatles (aún con Pete Best a la batería) para DECCA Records en enero de 1962 y tras la que la compañía de discos decidió rechazarlos: “Searchin’“, “Three Cool Cats” y “The Sheik of Araby” son versiones, mientras que “Like Dreamers Do” es una canción de Paul que tiempo después -siendo ya populares- los Beatles cedieron a e The Applejacks y “Hello Little Girl” es una canción de John que también acabo siendo cedida, en esta ocasión a The Fourmost. También corresponden a una audición, en esta ocasión para Parlophone y en junio de 1962, las dos siguientes canciones: una versión de “Besame Mucho” y la primera versión de “Love Me Do“, tras esta sesión los Beatles serían contratados y Pete Best -que está muy flojo en la grabación-, despedido y sustituío por el baterista de sesión Andy White.

Saltamos a septiembre de 1962 para escuchar la canción que el productor George Martin había encargado a un compositor profesional para que sirviera como primer single del grupo y que finalmente fue desestimada, “How Do you Do it?También con Andy White a la batería podemos escuchar una versión primeriza de “Please Please Me“. A una sesión de estudio de marzo de 1963, corresponden las tomas de “One After 909“, una canción que acabaron grabando años después, 1970, en el último disco del grupo, “Let It Be”.

Turno para la música en directo: “Lend Me your Comb” está extraído de una actuación en directo para la BBC, “I’ll Get You” fue  grabada en el London Palladium en octubre 1963 y “I Saw Her Standing There“, “From Me To You“, “Money“, “You’ve Really Got a Hold On Me“, y “Roll Over Beethoven” fueron grabadas en directo para para el programa de radio sueco The Beatles, popgrupp från Liverpool på besök i Stockholm“.

Ya en el CD 2, seguimos con la música en directo. “She loves You“,”Till There Was You” y “Twist and Shout” pertenecen a la famosa actuación del grupo ante la Reina de Inglaterra durante el “Royal Variety Show” en la que John hace su famosa petición a la gente que se sienta en los asientos caros (incluida la reina) para que “hagan sonar las joyas”, noviembre de 1963. Por su parte “This Boy“, “I want to Hold Your Hand” y “Moonlight Bay” fueron grabadas -también en directo- durante el programa de TV “The Morecambe and Wise Show” el  2 de diciembre de 1963.

Avanzamos unos meses para escuchar una toma alternativa de “Can’t Buy Me Love“, con unas extraordinarias armonías de John y George y grabada en febrero de 1964 en los estudios de EMI en París, pocas semanas antes de que los Beatles aterrizaran por primera vez en los Estados Unidos. Precisamente al celebérrimo Show de Ed Sullivan del 9 de febrero de 1964, que catapultó a los Beatles en EEUU, pertenece la excelente versión en directo de “All My Loving“. También del mes de febrero son las tomas alternativas de “You Can’t Do That” (muy similar a la definitiva) y un “And I Love Her” con un arreglo mucho menos latino y más pop que el que acabó apareciendo en  la versión definitiva.

De abril de 1964 son la primera toma de “A Hard Day’s Night y las versiones en directo en los IBC Studios, Londres, para el especial de televisión Around The Beatles, de “I Wanna Be Your Man“, “Long Tall Sally“, “Boys” y “Shout!” Un par de meses después, junio de 1964, grabaron las primeras tomas de “I’ll be back“, que, como podremos escuchar en origen era un vals en 3/4 y que John cambió de compás cuando comprobó lo difícil de cantar que resultaba con ese ritmo.

You Know What To Do” es otro de los temas absolutamente inéditos que aparecen en “Anthology”. Se trata de la segunda composición de Harrison tras “Don’t Bother Me” y, al parecer, no pasó el filtro de calidad. Una grabación muy sencilla (voz,guitarra, bajo y pandereta) para una canción simple y muy disfrutable  que se llevó a cabo en junio de 1964. Del mismo mes son las tomas alternativas de “No Reply“, en una versión más agresiva que la que quedó como definitiva y con un importante componente cómico provocado por las equivocaciones de John con la letra.  En agosto trabajaron, entre otras canciones, sobre “Mr. Moonlight“, que aparece con un solo diferente, y la inédita y tremenda versión del  “Leave My Kitten Alone”  de Little Willie John.

Este primer volumen de “Anthology” concluye con una versión diferente de “Eight Days a Week“, en la que, sobre todo, varía la introducción (con unas voces a capella) y con una versión ligeramente distinta de “Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey!“, toma 2 del famoso medley de Beatles For Sale.

Una joya de disco para los fans del grupo, al punto de ser imprescindible para un aficionado al grupo…, pero absolutamente innecesario si no se conoce la discografía “estándar” del grupo. En cualquier caso, el álbum obtuvo un gran éxito comercial a nivel global. Entró directamente al nº 1 en Estados Unidos en el que se mantuvo tres semanas. En el Reino Unido, la reacción comercial tras la publicación de Anthology 1 fue similar, si bien el álbum sólo alcanzaría el nº 2.

Los Beatles había vuelto a hacerlo. El éxito les sonreía…, pero Paul iba a recibir una pésima noticia: Linda, su compañera durante los últimos 26 años, tenía cáncer.

TEXTO: Guillermo Mittelbrunn Beltrán. 21 de abril de 2013